Usar muestras para mejorar las pistas de batería es una práctica común en más géneros musicales de lo que puedes imaginar. Ya sea que tu audiencia esté vestida para una noche electro o mostrando pulseras con pinchos y chaquetas de cuero negro, parte de la música que escucha contendrá tal técnica de mezcla, sin que nadie lo note.
Y no hay razón por la que deban hacerlo, porque no importa cuán codiciada sea esta técnica, no tiene nada que ver con hacer trampa o evitar el uso de micrófonos y preamplificadores costosos. Ya que lo que importa al final es el sonido final de tu disco, activar la batería y las mejoras de muestras pueden ser exactamente lo que necesitas para evitar cadenas interminables de ecualizadores y compresores que no te llevan a ninguna parte.
La razón por la que quise escribir este artículo proviene del hecho de que en el último año he visto cómo se usa esta técnica a un ritmo creciente, especialmente por parte de artistas y bandas que deciden aventurarse en la auto-producción de su disco. La mitad de las sesiones que recibí el año pasado presentaron una mezcla de pistas acústicas y muestras activadas para su sección rítmica, y prácticamente todas sufrieron una serie de problemas que podrían haberse evitado si los productores hubieran seguido algunas pautas sencillas.
Recopilados en esta pieza de papel virtual hay una colección de consejos que realmente me ayudaron a lo largo de los años. Mi idea es escribirlo como una especie de lista de verificación para que puedas mantenerlo a tu lado cada vez que se mencione la palabra S en tu sala de control (“S” de Samples..).
1 - Usa MIDI, descarta MIDI
Como pianista y tecladista, he estado consumiendo MIDI como desayuno (sabe horrible). En aquel entonces, MIDI estaba entre “las” grandes cosas en la música... incluso ahora es definitivamente asombroso de usar y facilita la vida en varias situaciones, pero - para mí - es una pesadilla en cualquier sesión de mezcla. Entiendo que me he vuelto ultra escéptico con los años porque ahora grabo mis sintetizadores de hardware directamente en audio sin tener en cuenta sus capacidades MIDI. La razón de esto es que, a menudo, lo que grababa no sonaba como lo que había tocado. Este no es el lugar ni el momento para entrar en detalles técnicos, pero se sabe que el MIDI puede volverse inestable, especialmente cuando se transfieren muchos datos (es decir, controladores continuos como pedales de volumen y controladores de respiración).
La activación de la batería no requiere cantidades excesivas de datos MIDI, pero todos estamos de acuerdo en que eliminar variables no deseadas es un gran plus. Los instrumentos virtuales siempre han sido la razón principal de los bloqueos de DAW en mi experiencia, con su streaming de disco, buffering de RAM, multi-muestras, características incorporadas, interfaces elegantes, etc. Además, añaden dependencias a tu sesión: ¡no todos los ingenieros de sonido tienen las mismas bibliotecas de sonido exactas que tú!
Te sugeriría que uses todo el MIDI que desees durante tu fase de producción, porque es cuando necesitas poder llevar tus ideas a la realidad en el menor tiempo posible. Luego, cuando tu pista esté producida, incluso si todavía no está lista para mezclar, comprométete con tus elecciones e imprime esas muestras.
La forma más fácil es crear una nueva pista de audio (mono o estéreo dependiendo de tus necesidades) y luego configurar su entrada a un bus, luego enrutar la salida de tu instrumento virtual a ese bus. Haz esto para cada instrumento virtual y podrás imprimir efectivamente cada uno en una pista separada, de una sola vez.
En caso de que no uses una biblioteca de sonido completa para tus muestras de batería y en su lugar utilices plugins que hagan reemplazo en tiempo real, recomendaría aún así este paso antes de continuar con la mezcla. La razón es, nuevamente: es una buena práctica eliminar cualquier dependencia en tu sesión para facilitar su apertura por parte del ingeniero de mezcla, sin arriesgar extraños mensajes de error (¡que podrían hacerte perder una sesión entera de un tirón!).
2 - Verifica la alineación
Así que ahora que nos quedan todas las pistas de audio, estamos moderadamente seguros. Ya no tenemos que preocuparnos por instrumentos virtuales, interfaces MIDI, buffering, picos de CPU o gremlins de audio, pero el viaje que tenemos por delante todavía nos llevará a desiertos peligrosos.
Sabemos que las muestras de batería ahora están escritas en piedra (es decir, en un archivo de audio), pero no tenemos información sobre cómo el disparador decidió colocar la muestra en sí. Dado que cada golpe de tu baterista es diferente, no hay garantía de que el disparador coloque tu muestra en la misma posición exacta cada vez. Los productores e ingenieros experimentados aprenden a trabajar con disparadores específicos y se acostumbran a conocer su comportamiento general. Pero como nadie nace experto, es más seguro revisar.
No hay nada mejor que escuchar tus pistas acústicas Y activadas en solo. Digamos que agregaste dos muestras a tus pistas de batería: una para el bombo y otra para la caja. Pon el bombo y la caja (con sus contrapartes muestreadas) en solo y escúchalos:
- ¿Suena el bombo “profundo”, siempre de la misma manera? ¿Pierde su fondo en algunas partes (por ejemplo, cuando el baterista toca más suavemente)?
- ¿Suena tu caja “crujiente”, cada vez? ¿Tiene el mismo cuerpo?
- ¿Tienen el bombo y la caja golpes ocasionales?
Si escuchas problemas, entonces son problemas.
“¡Pero... sonaba bien cuando decidimos las muestras, hace semanas!” Bueno, es una práctica común elegir muestras basadas en una parte específica (como un coro) y luego olvidar revisar toda la sesión. Un disparador o instrumento virtual que “detecta” bien en un coro puede perderlo en una parte diferente, como algún desvanecimiento más suave.
Los flams no deseados son claramente malos, ya que introducen un golpe doble artificial y superrápido que no tiene uso intencionado para ti. Cuando las diferencias en alineación se vuelven más pequeñas, una escucha cuidadosa revelará un cambio en el fondo o cuerpo de los instrumentos, causado por la cancelación de fase.
Personalmente, no estoy satisfecho con tal resultado y la razón es simple: si paso por la molestia de agregar algo como muestras activadas a mi sesión, más vale que suene bien y se comporte exactamente como quiero: no tiene sentido gastar tiempo ecualizando y comprimiendo un bombo para obtener ese sonido perfecto si la fuente misma cambia de fase y carácter con cada golpe o sección de la canción.
Afortunadamente para nosotros, los DAWs de hoy implican variaciones del concepto de “tiempo elástico” de Pro Tools, que nos permiten conformar fácilmente una pista a otra.
3 - Un poco de ajuste fino puede marcar la diferencia
En este punto hemos hecho lo mejor que pudimos: tenemos baterías que suenan bien, buenas muestras, nos gusta la relación entre ambas, nos aseguramos de que no hay un problema principal con nuestras activaciones. Así que CREEMOS que podemos comenzar a mezclar... lo que significa que de inmediato sentimos ese impulso de gatear, hacer un paso alto, ecualizar y comprimir todo con los últimos plugins en nuestro arsenal (o hardware, si eres de esa clase de personas).
Aprender a resistir este impulso, y en su lugar enfocarse en algo más, fue para mí uno de los mejores avances personales como ingeniero de sonido, sin duda. En lugar de tomar mis plugins favoritos, ahora generalmente paso de 5 a 10 minutos enfocándome en:
Alineación de tiempo: ¿recuerdas cuando nos aseguramos de que todas las muestras están alineadas con la fuente original de la misma manera? Ese fue un buen uso del tiempo, porque ahora podemos crear un desfase con algo como un plugin de retardo muy simple, configurado al 100% WET, sin feedback ni cosas elegantes, solo un retardo en milisegundos (¡aún mejor si en décimas de milisegundo!). Toma la muestra del bombo y comienza a retrasarla en pequeños incrementos, ¡incluso 1-2 milisegundos pueden ser mucho! Puedes encontrar un punto donde los dos sonidos están desalineados pero generan un timbre que te gusta. Ahora sabes que tienes una desalineación sistemática que está entregando constantemente el resultado deseado, en lugar de tener algo que “está más o menos allí”. ¡Tu EQ te lo agradecerá!
Correlación de fase: comienza a invertir la fase en tus muestras... ¿escuchas el bombo volviéndose más profundo en el fondo? ¿O más delgado? ¿Tiene un sonido nasal? ¿Pierde un sonido nasal?
Una vez que estés conforme con lo siguiente, espera antes de celebrar: ¿revisaste todo contra los otros micrófonos (micrófonos overhead, micrófonos de sala, etc.)? Hazlo y, si sientes que algo está volviendo a ser boomante, nasal, turbio, demasiado profundo, demasiado delgado y en general “no como lo quieres”, vuelve y comienza a ajustar las cosas una a una, mientras escuchas todos los micrófonos.
Algo absolutamente brillante del que nunca prescindiría en situaciones como estas, es el Little Labs IPB Phase Alignment Tool, hecho en forma de plugin por Universal Audio. Esta pequeña utilidad lo tiene todo: puedes retrasar e invertir polaridad, pero también puedes trabajar suavemente desde 0 (polaridad normal) hasta 180 grados (polaridad invertida). Es asombroso lo que puedes lograr moviendo solo la fase 10 grados o algo así, y esto va mucho más allá de cualquier cosa que podrías lograr ecualizando tus pistas.
4 - Aprende cuándo dividir y cuándo unir
Finalmente, ¿cómo procesas tus baterías? ¿Por separado, sacando lo mejor de cada pista? ¿O como un todo, procesándolas en su bus? Debes ser capaz de hacer ambas cosas y discernir cuándo actuar sobre elementos individuales y cuándo actuar sobre el conjunto. Deja que tus oídos te digan a dónde ir... y para dejar que lo hagan, debes entrenarlos:
Una gran forma de hacerlo es experimentar y escuchar: toma, por ejemplo, un bombo formado por dos pistas, una grabación real del interior del bombo y una muestra añadida. ¿Cuáles son los componentes fuertes de cada uno? Supongamos que el interior está probablemente allí para darte carne, un sonido real de “piel versus parche” algo cartón y la muestra se utiliza para obtener ese sub constante y controlado y ese borde afilado que lo hace destacar en una mezcla cargada.
- Haz un filtro alto en los bajos del bombo real... ¿sientes que el sonido en su conjunto se vuelve más profundo, más subido y más ajustado en el fondo? ¿O se vuelve más delgado?
- Recorta las medias frecuencias en la muestra... ¿se está volviendo más claro el bombo, menos enmascarado respecto a la mezcla en su conjunto y más afilado? ¿O está perdiendo cuerpo y “alto pecho”?
Esos son ejemplos de procesamiento de pista única. No tengas miedo de dejar las cosas así si ninguno de los experimentos te satisface. ¡Podrías estar perfectamente bien con el bombo tal como está!
Ahora trabaja en el bus del bombo:
- Realza las altas frecuencias alrededor de 4-5kHz... ¿ganó el bombo un poco más de carácter y agresividad? ¿O se vuelve un poco raro y falso?
- Comprime el bus con tu compresor favorito... ¿suenan el bombo más “unidos” y coherentes? ¿O pierde fondo y presencia?
Con un poco de experimentación comenzarás a entender qué necesitas hacer para resolver un problema específico en tu sesión. Y con el tiempo, cuantas más mezclas hagas, más sabrás qué hacer en cuestión de segundos.
5 - Vamos a ser prácticos.
A continuación, un extracto de una sesión de grabación que hice en Fuseroom. La sesión original tenía algo así como 10 micrófonos en la batería, pero deliberadamente eliminé todos, excepto el interior del bombo y la parte superior de la caja. Luego también traje los micrófonos overhead y un micrófono mono de sala para demostrar cómo las muestras pueden ser excelentes para mejorar... pero no se puede superar tener aire real, tambores reales y micrófonos reales.
Los filtros RS W2377 y W2395 utilizados en el último ejemplo
Los pasos anteriores siempre me han ayudado a llevar una sesión adicta a las muestras a sonar “lista” de una manera que antes no era posible. Tener algo que suena genial sin procesamiento (o con poco) es una sensación fantástica para cada ingeniero de sonido... pero también es genial para el oyente, ya que nada supera la armonía natural de múltiples partes trabajando juntas sin esfuerzo. ¿Cuántas veces has apilado plugins uno sobre otro tratando de alcanzar un sonido específico y fracasando miserablemente después de horas de ajustes? Sé que he estado allí.
Si puedes llegar a tu sonido deseado más rápido y con mayor eficiencia, serás más feliz, tu DAW usará menos energía, el planeta será más verde y, en última instancia, ¡tendrás más tiempo para salir y jugar fútbol con tus amigos!
Alberto.
Alberto Rizzo Schettino es pianista, amante de los sintetizadores, ingeniero de audio y parte de la familia Puremix desde 2013. Es el propietario de Fuseroom Recording Studio en Berlín y también trabaja como especialista en productos para algunas de las mejores marcas de equipos de audio de alta gama.
Fuseroom Recording Studio: http://www.fuseroom.com
Sitio web de Alberto: http://www.albertorizzoschettino.net
