Análisis de la mezcla: estructura, producción y el genio de Spike Stent
Descubriendo “Madness” de Muse
Una canción que desafía las expectativas
Algunas bandas son buenas reinventándose. Es difícil hacerlo, especialmente cuando has tenido éxito durante mucho tiempo. La presión por no sorprender tanto a tus fans que los pierdas es grande. Mucha gente puede depender del éxito continuo de un sonido familiar determinado. Por eso la primera vez que escuché la canción Madness en la radio, mientras conducía un poco rápido por pequeñas y desiertas carreteras secundarias de EE. UU., lo último que pensé fue que era el nuevo sencillo de Muse. Era tan pegadiza que en realidad me detuve al lado de la carretera y lancé Soundhound en mi teléfono para averiguar qué era antes de que terminara la canción (no escribas mensajes mientras conduces).
Escucha la canción
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj
Por qué la estructura es tan única
El formato olla a presión
Es una pista muy interesante además del hecho de que no suena como lo habitual de Muse. Es lo que yo llamo una "olla a presión". Sigue acumulándose durante mucho tiempo antes de proporcionar el alivio necesario. La estructura no es la típica impulsada por la radio verso/estribillo-verso/estribillo. Es un verso/refrán, lo cual ya es interesante para una canción orientada a la radio. Si prestas atención en la primera escucha, notarás que no hay una gran parte repetitiva que actúe como coro; en cambio, el gancho es omnipresente y vuelve con más frecuencia. Tras una intro de 4 compases, el verso consta de 2 ciclos idénticos de 8 compases X 2 seguidos de una sección B de 8 compases (que termina con “What you need”). Un solo de guitarra ocupa el lugar de los 16 compases iniciales del tercer verso (con el mismo ciclo armónico) y luego la Sección B se eleva y finalmente despega. Se repite 8 veces y luego se transforma en una especie de puente (misma base musical, melodía y letras distintas) después de dos ciclos. El final es una reproducción de la parte más icónica del verso, el "mamamamamamaaaaa" al estilo Beach Boys.
Cómo funciona el verso/refrán
Información de contexto: la parte "refrán" de un verso/refrán suele ser una sola línea o palabra que se repite al final del verso. (Vete a escuchar "Blowing in the Wind" o "The Time they are a Changing" de Bob Dylan). A veces los autores usan la estructura verso-refrán pero juegan con la ubicación de la línea del refrán (Vete a escuchar "Yesterday" de una banda británica bastante buena llamada The Beatles... para un ejemplo claro. Pista: el refrán es "yesterday"). Si no tienes claro la diferencia entre verso/coro y verso/refrán, escucha "Yesterday" y luego escucha inmediatamente "Yellow Submarine" (misma banda británica, distinto álbum)... eso debería ayudar.
El motivo del refrán en evolución
En nuestra canción, el refrán es una combinación de ese asunto mamamamamamama al estilo Beach Boys y la aliteración de su ritmo en la línea de bajo. Divertido. Fíjate cómo el riff solo llega hasta la palabra completa "madness" al final de la canción. Cosas interesantes.
Análisis de la producción
Arreglo minimalista pero potente
En términos de producción hay mucho de Queen y mucho de George Michael (¿no me crees? Revisa "Faith" e "I Want To Break Free" para refrescarte). Creo que es impresionante lo efectivo que es el trabajo de producción, considerando lo simple que es. El verso se construye sobre un par de bajos sintéticos (paneados en estéreo), un bombo y un sonido de clap/caixa, y por supuesto el refrán/gancho. A mitad del verso, un pad cristalino de nota sostenida realza la sección y marca su final al retirarse. Puro y elegante. Difícil de lograr. No hay subdivisión, no hay hi-hat, no hay shaker, sólo los dos tambores y los bajos (la subdivisión queda algo aportada por el bajo, pero aun así).
Transiciones inteligentes y referencias a Queen
En el segundo sistema de la canción (un "sistema de canción" es un combo verso/refrán) entra una guitarra para doblar el riff del bajo, y los coros de fondo al estilo Queen aparecen y elevan todo. Los primeros acordes reales aparecen a mitad del tema con ese parche de marimba digital que todos hemos estado ignorando toda la vida al ojear presets (funciona bien aquí). Fíjate en la nota de piano al revés que surge de la nada para marcar la transición a la sección B (otra referencia a Queen, escucha "Another One Bites the Dust"). Muy bueno.
El solo de guitarra al estilo Brian May
El solo de guitarra es puro Brian May circa We Will Rock You. Está doblado perfectamente, lo que indica que fue cuidadosamente escrito. Fíjate en las diferencias de sonido e interpretación de izquierda a derecha, que crean esa textura interesante. También observa cómo el riff vocal se mantiene para entretenerte mientras la guitarra hace lo suyo.
La sección B y su elevación
Cuando la sección B vuelve a arrancar, es básicamente el mismo arreglo que antes salvo por la subdivisión que aparece en lo que parecen ser shakers y algunos pads vocales de oooooo para rellenar. Tómate un minuto para ir y venir entre esta sección B y la anterior para ver cuánto cambia la adición de la subdivisión. Impresionante, ¿no? Fíjate también cómo la caja cambia de ubicación y de papel. Observa cómo la masa de los pads empuja la caja desde su posición superdelanteray central hacia una colocación más difusa "en el fondo". El bombo permanece igual. ¿Te gusta ese cambio? ¿Lo habías notado?
La sección B se transforma en el puente por la fuerza de las nuevas líneas vocales y un sentimiento distinto que se desata sobre nosotros. (Come to me...Come on and rescue me) pero la música es esencialmente la misma. Fíjate en el patrón de hi-hat en la izquierda que aparece tras el fill de toms señalando el inicio del puente.
El puente y la construcción final
El puente hace una transformación instantánea hacia la parte final, que no es más que el refrán y su tan esperada resolución. Vale la pena notar que la mayoría de las canciones "verso/refrán con puente" usan el puente como una pausa para separar el 2.º y 3.º verso/refrán, de modo que no escuches tres sistemas de canción idénticos seguidos. En este caso particular, el/los autor(es) estiraron la sección B de su tercer verso y la extendieron hasta convertirla en un puente sin planes de volver a otro verso. Eludieron la monotonía del tercer verso convirtiéndolo en un solo de guitarra. ¿Por qué no? Funciona. Volver a un verso completo después de ese puente habría sido demasiado. Además, probablemente ya había dicho todo lo que tenía que decir a ese punto. Podría haber elegido decir lo que dijo en el puente sobre una sección de verso, pero probablemente sintió que el sonido más épico del puente era una mejor base para el sentimiento que intentaba transmitir. (Vuelve a escucharlo)
Análisis de mezcla por Spike Stent
Seco vs Húmedo: un contraste audaz
En cuanto a la mezcla, es muy educativo ver lo que hizo Spike Stent aquí. El verso se siente muy seco. ¿Verdad? En realidad hay una especie de delay corto en la voz principal y la interacción de los dos bajos crea espacio pero sin cola en nada. El pad, en contraste, está bastante húmedo, lo que permite que parezca situado detrás del resto. La caja y el bombo están secos. (Observa cómo el bombo no está mezclado muy alto). En el segundo verso la guitarra también está seca. Al igual que los coros de fondo. Las marimbas siguen la misma línea. Hay una razón para esto. Todo se siente muy íntimo y presente. El tono está puesto y la presión está ahí. Hay mucho espacio para jugar. ¿Qué pasa en el verso 3/solo de guitarra? Sí, abre algunas reverbs con cola en la batería. Te está preparando para el cambio de espacio sonoro que llega en la próxima sección B.
La explosión espacial de la sección B
Entonces, cuando entra la sección B, toda la proporción húmedo-seco cambia. Esta es una parte particularmente crucial y difícil. Es muy complicado mantener una voz seca cuando está rodeada de tantas cosas. Por eso, si prestas atención, oirás reverbs y delays aparecer en las voces pero son muy discretos para que no te saquen de la narrativa y el punto de vista del cantante no cambie demasiado. Todo lo demás obtiene mucho espacio (especialmente los coros de fondo), manteniendo el sentido seco para la voz principal.
El reto de los arreglos densos
Lo que a mí me fascina es que incluso Spike Stent no pudo mantener a las baterías tan presentes en esta sección como lo están en los versos. Es muy difícil mantener la presencia de este tipo de baterías cuando el entorno cambia tan drásticamente. Los elementos sostenidos a su alrededor absorben todo el aire y hacen que se sientan más pequeñas y débiles, y añadir reverb para combatir eso las empuja hacia atrás en la mezcla. Es la batalla definitiva y la razón por la que las mezclas muy densas tienden a no sonar tan bien como las producciones más ligeras y espaciadas. Pero Spike Stent es uno de los mejores mezcladores de hoy, así que ¿qué piensas? ¿Fue este cambio de textura una elección estética? ¿O fue una situación de "lo mejor que pudo gestionar con los elementos que le dieron"? ¿Habrías hecho algo distinto?
Una gran pieza de estudio para productores
Al final esto es material excelente para estudiar. Todo este disco también es asombroso porque te da la oportunidad de estudiar las diferencias en filosofía y sonido entre tres mezcladores prominentes. Spike Stent, Chris Lord Alge y Rich Costey (todos masterizados por Ted Jensen). Te recomiendo que escuches el disco completo y tomes notas sobre cuáles son tus mezclas favoritas antes de averiguar quién hizo qué. No hagas trampa. Es un buen ejercicio y una buena forma de formar tu gusto.
Saludos,
Fab
