Algunas bandas son buenas reinventándose. Es difícil hacerlo, especialmente cuando has tenido éxito durante mucho tiempo. La presión de no sorprender demasiado a tus fans hasta el punto de perderlos es pesada. Puede haber muchas personas dependiendo del éxito continuo de un sonido familiar determinado. Por eso, la primera vez que escuché la canción Madness en la radio, mientras conducía un poco demasiado rápido por pequeñas carreteras desiertas de EE. UU., lo último que se me pasó por la cabeza fue que era el nuevo sencillo de Muse. Era tan pegajosa que realmente me detuve al lado de la carretera y lancé Soundhound en mi teléfono para averiguar qué era antes de que terminara la canción (no textees mientras conduces).
Escucha aquí:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj
Es una pista muy interesante además del hecho de que no suena como lo habitual de Muse. Es lo que yo llamo una 'olla de presión'. Mantiene la esencia durante mucho tiempo antes de proporcionar el alivio necesario. La estructura no es el típico verso/coro-verso/coro. Es un verso/refrán, lo cual es interesante para una canción destinada a la radio. Si prestas atención en tu primera escucha, notarás que no hay una gran parte repetitiva que funcione como coro; en su lugar, el gancho es omnipresente y vuelve más a menudo. Después de una introducción de 4 compases, el verso consta de 2 ciclos idénticos de 8 compases seguidos de una sección B de 8 compases (que termina con 'What you need'). Un solo de guitarra ocupa el lugar de los primeros 16 compases del tercer verso (con el mismo ciclo armónico), luego la sección B se eleva y finalmente despega. Se repite 8 veces y luego se convierte en una especie de puente (misma base musical, diferente melodía y letras) después de dos ciclos. El final es una repetición de la parte más icónica del verso, el 'mamamamamamaaaaa' al estilo de Beach Boys.

Información de fondo: La parte de 'refrán' de un verso/refrán es generalmente una sola línea o palabra que se repite al final del verso. (Ve a escuchar 'Blowing in the Wind' o 'The Times They Are A-Changin' de Bob Dylan) A veces los escritores utilizan la estructura de verso con refrán, pero juegan con la ubicación de la línea del refrán (Ve a escuchar Yesterday de una buena banda británica llamada The Beatles... para un ejemplo claro. Pista: el refrán es 'yesterday'). Si estás confundido sobre las diferencias entre verso/coro y verso/refrán, escucha Yesterday y luego escucha inmediatamente Yellow Submarine (misma banda británica, diferente álbum)... debería ayudarte.
En nuestra canción, el refrán es una combinación de ese tema de Beach Boys y la aliteración de su ritmo en la línea de bajo. Divertido. Nota cómo el riff solo llega hasta la palabra completa 'madness' al final de la canción. Interesante.

Desde el punto de vista de producción, hay mucho de Queen y de George Michael en esto (¿no me crees? Ve a escuchar Faith y I Want To Break Free para recordar). Creo que es impresionante cuán efectiva es la producción, considerando lo simple que es. El verso se construye sobre un par de bajos sintéticos (panoramizados en estéreo), un bombo y un clap/snare, y por supuesto el refrán/gancho. A mitad del verso, un pad de un solo tono y cristalino realza la sección y marca su final con su retirada. Puro y elegante. Difícil de lograr. No hay subdivisión, no hay hi-hat, no hay shaker, solo los dos tambores y los bajos (la subdivisión la proporciona algo el bajo, pero aún así).
En el segundo sistema de canción (un 'sistema de canción' es una combinación de verso/refrán), una guitarra entra para duplicar el riff de bajo, y los coros al estilo de Queen entran y elevan todo. Los primeros acordes reales entran a la mitad en ese patch digital de Marimba que todos hemos estado evitando toda nuestra vida al navegar por los presets (funciona bien aquí). Nota la nota de piano invertida que aparece de la nada para marcar la transición a la sección B (Otra referencia a Queen, ve a escuchar Another One Bites the Dust). Cosas geniales.

El solo de guitarra es puro Brian May circa We Will Rock You. Está duplicado perfectamente, lo cual es una señal de que fue cuidadosamente escrito. Presta atención a las diferencias en sonido y rendimiento de izquierda a derecha, que crean una textura interesante. También nota cómo el riff vocal se mantiene ahí para entretenerte mientras la guitarra hace lo suyo. Cuando la sección B vuelve a empezar, básicamente es el mismo arreglo que antes, excepto por la subdivisión que entra en lo que parecen ser shakers y algunos pads vocales de oooooo para llenarlo. Tómate un minuto para ir y volver entre esta sección B y la anterior para ver cuánta diferencia hace la adición de la subdivisión. Salvaje, ¿no? También nota cómo el snare cambia de ubicación y rol. Observa cómo la masa de los pads empuja al snare de su posición super adelantada y centrada a una colocación más difusa 'en la parte de atrás'. El bombo se mantiene igual. ¿Te gusta ese cambio? ¿Te habías dado cuenta?
La sección B se transforma en el puente por la fuerza de las nuevas líneas vocales y un sentimiento diferente que se desata en nosotros. (Ven a mí... Ven y rescátame), pero la música es esencialmente la misma. Noten el patrón de hi-hat a la izquierda que aparece después del relleno de toms, significando el inicio del puente.

El puente hace una transformación instantánea en la parte final, que no es más que el refrán y su tan esperado cierre. Es valioso notar que la mayoría de las canciones 'verso/refrán con puente' utilizan el puente como una pausa para separar el 2º y 3º verso/refrán, de modo que no escuches los tres sistemas idénticos de canción uno tras otro. En este caso particular, el escritor(a) estiró la sección B de su 3er verso y la extendió en un puente sin planes de volver a otro verso. Evitaron la monotonía del tercer verso convirtiéndolo en un solo de guitarra. ¿Por qué no? Funciona. Volver a un verso completo después de ese puente habría sido demasiado. Además, probablemente ya había dicho todo lo que tenía que decir en ese punto. Podría haber elegido decir lo que dijo en el puente sobre una sección de verso, pero probablemente sintió que el sonido más épico del puente era un mejor lecho para el sentimiento que intentaba transmitir. (Revísalo de nuevo)
Desde el punto de vista de mezcla, es muy educativo ver lo que Spike Stent hizo aquí. El verso se siente completamente seco. ¿Verdad? En realidad hay una especie de retardo corto en la voz principal y la interacción de los 2 bajos crea espacio, pero no hay cola en nada. El pad es bastante húmedo en contraste, lo que permite que se sienta detrás del resto. El snare y el bombo son secos. (Nota cómo el bombo no está mezclado muy alto). En el 2º verso la guitarra también está seca. Igual que las voces de fondo. Las marimbas siguen el mismo patrón. Hay una razón para esto. Todo se siente muy íntimo y presente. Se establece el tono y la presión está sobre. Hay mucho espacio para jugar. ¿Qué ocurre en el verso 3/solo de guitarra? Yup, abre algunos reverbs de cola en la batería. Te está preparando para el cambio de escenario sonoro que llega en la próxima sección B.

Entonces, cuando llega la sección B, toda la proporción de húmedo a seco cambia. Esta es una parte particularmente crucial y difícil. Es muy complicado mantener una voz seca cuando está rodeada de tantas cosas. Por eso, si prestas atención, escucharás reverb y delays apareciendo en las voces, pero son muy discretos para que no te saquen de la narrativa y el punto de vista del cantante no cambie demasiado. Todo lo demás obtiene mucho espacio (especialmente las voces de fondo), manteniendo la sensación de sequedad para la voz principal. Lo que me parece fascinante es que incluso Spike Stent no pudo mantener la presencia de la batería en esta sección de la misma manera que en los versos. Es muy difícil mantener la presencia de este tipo de batería cuando el entorno cambia tan drásticamente. Los elementos sostenidos a su alrededor absorben todo el aire y los hacen sentir más pequeños y insignificantes, y agregar reverb para combatir eso los empuja hacia atrás en la mezcla. Es la batalla definitiva y la razón por la cual las mezclas con muchas capas tienden a no sonar tan bien como producciones más ligeras y esparcidas. Pero Spike Stent es uno de los mejores mixers que hay hoy en día, así que ¿qué piensas? ¿Fue este cambio en la textura una elección estética? ¿O fue una situación de 'lo mejor que pudo manejar con los elementos que se le dieron'? ¿Harías algo diferente?
Al final, esto es material de estudio excelente. Todo este álbum también es increíble porque te brinda la oportunidad de estudiar las diferencias en filosofía y sonido entre tres mixers prominentes. Spike Stent, Chris Lord Alge y Rich Costey (todos masterizados por Ted Jensen). Te recomiendo escuchar todo el álbum y tomar notas sobre cuáles son tus mezclas favoritas antes de buscar quién hizo qué. No hagas trampa. Es un buen ejercicio y una buena manera de formar tu gusto.
Saludos,
Fab