Repensando las mezclas de monitorización en auriculares
Una de las peticiones más comunes que un ingeniero escucha en una sesión es: "¿Puedes subirme en mis auriculares?" La mayoría de los músicos y cantantes están acostumbrados a escucharse mucho más alto que el resto de las pistas en su mezcla de auriculares. En estudios comerciales equipados con estaciones de mezcla personal, que permiten a los músicos controlar su propia mezcla de monitores, puedes apostar que la mayoría se sube a sí mismos significativamente más alto que al resto de la banda.
La filosofía de mezcla de Matt Ross-Spang
En este extracto de Start To Finish: Matt Ross-Spang - Episode 7 - Recording Acoustic Guitar, Matt ofrece una perspectiva diferente sobre el tema de las mezclas de auriculares. Mientras se prepara para grabar las overdubs de guitarra acústica de Eli "Paperboy" Reed, habla sobre su filosofía de mezcla de auriculares.
Matt, que es un productor muy práctico, ajusta la posición del micro para la guitarra acústica de cuerdas de nylon de Eli "Paperboy" Reed.
El contexto lo es todo
No tienen estaciones de monitorización personal en Sam Phillips Recording Service, donde se lleva a cabo la sesión, solo cajas de distribución de auriculares. Esa simplicidad le viene bien a Matt porque no cree que sea productivo que los músicos y cantantes controlen sus propias mezclas de auriculares. Opina que inevitablemente se subirán demasiado y, por tanto, no podrán conectarse completamente con el groove.
Mezclas de auriculares que favorecen el groove
Al darles mezclas en las que todos están aproximadamente a los niveles que tendrán en la mezcla final, Matt crea una situación que describe como "casi como tocar sin auriculares." Eso obliga a todos a concentrarse en el groove colectivo, haciéndolos mucho más propensos a engancharse y ofrecer una gran interpretación.
Dice que si alguien realmente necesita escucharse más, dispone de una segunda mezcla en esta sala que puede enviar a esa persona. Señala que nadie se quejó de los niveles de la mezcla de auriculares durante la fase de tracking de esta sesión.
La sesión tiene lugar en Sam Phillips Recording Service en Memphis, TN.
Escuchar como los músicos
En la sala de control, a Matt le gusta escuchar la misma mezcla—o al menos una muy similar—a la que escuchan los músicos. Al oír los distintos elementos mezclados a niveles de "mezcla final", puede evaluar si la configuración de grabación que está usando (micrófonos, colocación, cadenas de entrada, etc.) está funcionando o si necesita hacer ajustes.
El estilo de producción de Matt gira en torno al groove, la vibra y conseguir sonidos auténticos, por lo que su filosofía sobre las mezclas de auriculares tiene perfecto sentido en ese contexto.
En lugar de dar a cada músico mucha más presencia de sí mismos en los auriculares, Matt proporciona una mezcla con niveles similares a la mezcla final.
Enchufados
El concepto de groove es interesante. Cuando músicos hábiles graban juntos, se escuchan y ajustan su forma de tocar—casi de manera subconsciente—para estar lo más sincronizados posible. Cuando todo encaja, los resultados pueden ser sublimes.
Una de las habilidades de Matt como productor es crear un entorno—a través de su elección de estudios y equipo y su actitud relajada—que saca lo mejor de los músicos y cantantes con los que trabaja.
A Matt le gusta escuchar la misma mezcla de auriculares en la sala de control que la que oyen los artistas.
Crear feeling en música orgánica
Aunque estés en un estudio comercial con un grupo de músicos con experiencia, no está garantizado que captures grandes interpretaciones. Pero si estás produciendo música orgánica como R&B de estilo antiguo, blues, Americana, indie-folk, rock 'n' roll, o algo similar desde tu estudio en casa, puede ser realmente desafiante.
Es especialmente difícil lograr un feeling auténtico si tienes que usar MIDI en lugar de algunos de los instrumentos. Aun así, hay pasos que puedes dar para que tu música suene natural y tenga groove tanto como sea posible dadas las circunstancias.
Mantén los arreglos centrados en los instrumentos reales que sí tienes. Si tienes que usar loops de batería (MIDI o audio) en lugar de un baterista real, puedes grabar percusión con las manos encima, o platos de choque en vivo (si tienes acceso a algunos) para ayudar a aflojar el feel de la pista.
Y, por supuesto, sigue el consejo de Matt y no te subas demasiado (ni a otro músico que estés grabando) en la mezcla de monitores cuando hagas overdubs sobre pistas existentes.
Primero esto, luego aquello: Construyendo el groove desde la base
Si estás añadiendo capas a las pistas sobre la marcha, la batería debería ir primero (excepto quizá una pista de referencia armónica y una voz guía). La parte de batería proporciona una base rítmica, y cuando grabes guitarras, bajos y otros instrumentos, te dará algo con lo que groovear. Si grabas algunas de esas otras pistas antes de tener la batería, no estarán tan rítmicamente sincronizadas.
Incluso si usas baterías MIDI, sigue siendo mejor tenerlas en su lugar antes de grabar cualquier otra pista definitiva. Para estilos de música orgánica, puede ser muy efectivo usar loops MIDI que fueron grabados por bateristas reales tocando kits MIDI. Generalmente no están cuantizados, por lo que tienen un feeling mucho más realista. Muchas librerías de batería virtual ofrecen ese tipo de grooves.
Pensar como un baterista
Una gran ventaja de las baterías MIDI respecto a los loops de audio es que son mucho más fáciles de editar. Si tienes acceso a loops MIDI de buena calidad y a un baterista virtual con sonido auténtico, tendrás mucha más flexibilidad para construir las partes de batería a lo largo de la canción.
Es mejor tener la parte de batería en su sitio, ya sea en vivo o con un instrumento de batería como Toontrack Superior Drummer 3, para que los músicos que hagan overdubs tengan un groove al que sujetarse.
Dicho esto, armar una parte que cubra toda la canción y que suene auténtica es un reto, incluso con una buena colección de loops—ya sean MIDI o de audio. No puedes repetir el mismo loop indefinidamente. La parte tendrá que cambiar, al menos de forma sutil, en las distintas secciones de la canción. Afortunadamente, muchas colecciones de loops ofrecen varias variaciones de cada groove básico.
También puedes introducir cambios dinámicos en los puntos adecuados con automatización de volumen. Aunque los loops de audio pueden sonar más auténticos que los MIDI, son mucho más difíciles de editar si necesitas hacer cambios dentro de un loop. Así que hay ventajas en ambos enfoques.
Rellénalo: usando baterías virtuales de forma efectiva
Al trabajar con loops, ten cuidado con cómo usas los fills. Los fills incluidos en las colecciones suelen ser demasiado recargados. En la mayoría de los casos, lo más simple es mejor, y trata de no repetir los mismos fills en múltiples momentos de la canción.
Si usas Apple Logic Pro X, tienes acceso a la función Drummer, que ofrece baterías virtuales con sonido auténtico, fáciles de programar y con muchos kits distintos. Además, si usas uno de los Producer Kits incluidos, puedes abrir cada tambor en una pista separada y mezclarlos como lo harías con una batería real.
La función Drummer de Apple Logic Pro X incluye Producer Kits que pueden abrirse en el mezclador con los tambores en canales separados.
¿Puedes notar la diferencia?
El siguiente ejemplo de audio presenta tres breves extractos de batería, uno tras otro. Uno proviene de un loop de audio de un baterista famoso, otro de la función Drummer de Apple Logic Pro X, y otro de Toontrack Superior Drummer 3, un excelente instrumento de batería virtual que incluye muchos grooves. Todos han sido procesados un poco. Antes de mirar la respuesta más abajo, escucha y trata de adivinar cuál de los tres es el baterista real.
La respuesta es el número dos. Los loops provinieron de la colección de Simon Phillips de The Loop Loft.
Todos los sonidos de batería del ejemplo sonarían bastante convincentes—suponiendo que se ensamblasen en partes auténticas que cubrieran toda la canción—particularmente acompañados por otros instrumentos en una mezcla.
