Introducción
Dejar el ego en la puerta y mantenerse hambriento por aprender
Antes que nada, permítanme decir que es un gran placer estar aquí y que aprecio y respeto a Puremix porque creo que siempre hay espacio para crecer, aprender y mejorar en mi oficio. Nunca quiero estancarme. De ninguna manera soy alguien que afirma que "lo tiene todo resuelto". Dejé mi ego en la puerta hace años, al ver a personas brillantemente talentosas perder sus trabajos por ser ególatras y arrogantes (por decirlo suavemente).
Para quién va este artículo: compositores, productores y colaboradores en cine y discos
Dicho esto, quizá tenga unas cuantas palabras de sabiduría para compartir con compositores/letristas/productores discográficos que trabajan con orquestas, instrumentistas de cuerda, de viento, directores, productores, ingenieros/mezcladores y más, tanto en la industria del cine como en la de los discos (por supuesto, parte de esta sabiduría la aprendí cometiendo errores, tanto propios como ajenos).
Una voz personal y una promesa: lecciones aprendidas de los errores
Si te interesa la composición para cine/TV además de arreglar cuerdas/vientos para discos, espero que disfrutes estas palabras escritas por un nerd de ascendencia cuartojudía y nativoamericana del San Fernando Valley que adora Henry's Tacos (¡puntos extra si conoces el local!). Bien, vamos al artículo.
¿Quién es este tipo?
Por qué hablar de uno mismo se siente “asqueroso” en la cultura del estudio
Aquí es donde tengo dificultad: odio absolutamente hablar de mí mismo, simplemente me resulta desagradable. Quizá sea porque crecí en el mundo de los estudios viendo a algunos de los peores ególatras del planeta. Quizá sea por mi sangre judía, o quizá porque en lugar de mirar mis logros pasados para inflarme el ego, prefiero mirar hacia el próximo proyecto, al mismo tiempo que admiro a mis modelos a seguir y sus trayectorias profesionales. Sin embargo, para dar a los lectores algo de contexto sobre quién escribe este artículo, haré una breve reseña de mi trayectoria.
Mantenerse ocupado y conectado, incluso en proyectos que nunca se publican
Sin duda, la clave en este negocio es mantenerse ocupado y conectado. Eso requiere hacer muchos proyectos aunque no vean la luz. Incluso si un proyecto no tiene un gran nombre adjunto, siempre hay algo que aprender en cada experiencia.
Créditos y puntos destacados en cine, TV y música de producción
Algunas de mis mejores lecciones las aprendí así. He tenido la suerte de componer la música de varios largometrajes y proyectos con cineastas ganadores de múltiples premios de la Academia, como Robert Zemeckis (conocido por "Forrest Gump", "Back To The Future", "Cast Away"), Dame Helen Mirren (conocida por "The Queen", "Gosford Park", "Monsters University"), Robert Duvall (conocido por "The Godfather", "Apocalypse Now", "The Road"), Davis Guggenheim (conocido por "Training Day", "It Might Get Loud", "An Inconvenient Truth") y el nominado al Oscar James Franco (conocido por "127 Hours", "Spider-Man", "The Disaster Artist"). Además, tuve el increíble placer de componer numerosos proyectos y películas con National Geographic, todos ellos enormemente divertidos y gratificantes: un sueño hecho realidad para mí. En 2018 me contrataron para escribir un álbum de música para Warner Chappell Production Music, que contó con la maravillosa Utah Symphony, y que ha sido licenciado en numerosas películas, series de televisión y anuncios. Un punto destacado reciente en mi carrera fue trabajar de cerca con el cineasta ganador del Oscar Chris Buck (conocido por "Frozen", "Frozen 2", "Surfs Up", "Tarzan") en un audiolibro poderoso e inspirador. Más recientemente, me contrataron para arreglar cuerdas para el artista Kendrick Lamar, ganador de 13 Grammy y Pulitzer Prizer. Mientras escribo esto, estoy terminando un arreglo de cuerdas para un maravilloso artista llamado Kyd the Band que está en Sony, ¡y estamos muy entusiasmados por nuestra sesión de cuerdas esta semana!
Mentoría en el mundo real: aprender junto a James Newton Howard
Pasé tres años con el compositor de cine ganador de Grammys y Emmys -y nominado al Oscar ocho veces- James Newton Howard (conocido por The "Dark Knight", "The Hunger Games", "King Kong"). James realmente me tomó bajo su ala y me enseñó muchas cosas increíbles sobre la industria de la música cinematográfica, la composición, la colaboración, la psicología detrás de la música para cine y más. Avanzando hasta hoy, él no solo es uno de mis mayores mentores a quienes todavía les hago preguntas y busco consejo, sino que se ha convertido en un amigo cercano que, de alguna manera, siempre me gana en ping pong (tiene un saque letal).
Ver diferentes flujos de trabajo y construir tu propio proceso
Además, pasé tiempo con John Powell y Henry Jackman, otros dos compositores cinematográficos que están en la cima del oficio. Las tres experiencias fueron increíblemente esclarecedoras, porque vi a tres compositores hacer el mismo trabajo —pero de maneras completamente distintas. Esto me permitió formar mi propia forma de trabajar en el estudio: adoptando esto, dejando aquello, etc., para poder convertirme en mi propio compositor, tomar mis propias decisiones y saber por qué las tomo.
Componer música profesionalmente
Si no te estás divirtiendo, reevalúa el privilegio del trabajo
Componer música es muy divertido. Si no te lo estás pasando bien, uf. Sí, por supuesto hay demandas intensas como plazos, revisiones, reescrituras, presupuestos y personas "difíciles" con las que hay que trabajar. Pero si tienes el privilegio de escribir música para ganarte la vida, por favor no lo des por sentado (prometo que no intento sonar aleccionador) y trata de recordarte estar agradecido por ello. Yo ciertamente lo estoy, y tengo moretones en los brazos de todas las veces que me he pellizcado.
El camino de la música para cine: reuniones, spotting, temp scores y la "demo-itis"
Cuando se trata del proceso de composición para cine/TV, hay más de una forma de hacerlo. Dicho esto, a menudo comienza con reunirse con las personas adecuadas, donde todos nos evaluamos para ver si creemos que encajamos bien. Luego hablamos de visiones creativas e ideas, y después de logística como presupuestos y plazos. El siguiente paso es que yo lea el guion o vea un montaje aproximado, y si todas las partes están de acuerdo en seguir adelante, tendremos una sesión de spotting (esto es básicamente donde el compositor, director, editor y productores se sientan en una sala con la película para discutir en qué momentos hace falta música). Muchas veces, el editor y el director han cortado la película sobre una temp score. Lamentablemente, hay ocasiones en que el cliente sufre de "demo-itis", que es cuando se enamoran de la temp score y, por muy buenos que sean tus temas, simplemente no hay forma de complacerlos porque han vivido con la temp score durante tanto tiempo (a veces meses).
La velocidad importa: plazos, revisiones y un “picture lock” que no lo es
En fin, entonces escribo los temas principales y, una vez aprobados, trato de ponerme con la partitura... rápido. Muchas veces, un compositor de cine no dispone de mucho tiempo para escribir entre 60 y 100 minutos de música. Creo que es muy importante saber trabajar rápido —sin que la calidad de la música se resienta, por supuesto— porque siempre te están dando nueva información, incluidas versiones actualizadas a medida que pasan los días (incluso cuando te han enviado "picture lock", ja). Además, lleva tiempo hacer las revisiones que piden cuando todavía no has escrito los 45 minutos restantes de música. Y luego la partitura tiene que ser orquestada, impresa, grabada y mezclada todo antes de cierto plazo para llegar a la etapa de doblaje a tiempo. El proceso es tan dinámico, desafiante y emocionante. Dicho esto, definitivamente hay partes del proceso que no son tan divertidas o satisfactorias para mí, pero son necesarias, y así es la vida. Para mí personalmente, los pros superan con creces a los contras.
Equipos y colaboradores: asistentes, orquestadores, copistas e ingenieros
Para ayudar con el estrés y la carga de trabajo, creo en tener un equipo con el que trabajar, como un asistente, orquestador(es), un copista y, por supuesto, ingenieros/mezcladores. Un orquestador increíblemente talentoso con el que he colaborado en muchas de mis partituras es Cody McVey. No puedo recomendarlo lo suficiente, así que contrátenlo ya, ¿ok? Me lo agradecerán después.
Servir la visión del director mediante elecciones de producción
Dependiendo del proyecto y su género musical, seleccionaré un ingeniero que considere más adecuado para ese género. Lo mismo ocurre con el estudio que reservo y los músicos que contrato. Creo que se trata de servir a la película y a la visión del cineasta; al fin y al cabo es su film. Si quieren que la partitura suene lo-fi y áspera, se lo diré a mi ingeniero y luego discutiremos las técnicas para satisfacer la visión del director. Si quieren algo más limpio y tradicional, también se lo diré a mi ingeniero/mezclador. Nunca hay demasiada información. Para un ingeniero/mezclador eso se traduce en cosas como la elección del estudio, la ubicación de los micrófonos, la selección del equipo y las técnicas/procesamientos de mezcla.
Traducir lenguaje no musical en decisiones musicales
Componer para cine/TV implica mucho leer entre líneas, traducir la visión cerebral de un cliente a términos musicales, lo cual requiere muchas conversaciones que a menudo no tienen nada que ver con "haz que este cue esté en una tonalidad mayor y en 4/4". Muchos directores no conocen el lenguaje de la música, así que además de mi trabajo de escribir la partitura, primero debo interpretar lo que están diciendo como cineasta. Hay que sentirse cómodo con este paso del proceso. En una banda es más directo: "la canción está en La mayor, el tempo es 115 bpm y tocamos en 6/8", etc. Personalmente, otra razón por la que creo que componer para cine es divertido es porque me plantea este reto adicional más allá de simplemente escribir la música (que ya es bastante difícil por sí mismo para cualquiera, especialmente al principio cuando te enfrentas a una página en blanco o a una sesión vacía en el ordenador). Así que aunque no sea ciencia espacial, a veces puede ser complicado. Sin embargo, la emoción de traducir una idea cerebral de un director a la música que desea (y que además encaje con la escena) es tremendamente gratificante y significativa para mí.
Cómo conseguir un trabajo
Las relaciones son el trabajo, y pueden venir de cualquier parte
Solo puedo hablar por mí y por el camino en el que estoy, así que cuando alguien me pregunta "cómo conseguir un trabajo", para mí ha habido multitud de maneras. Primero, es lo que probablemente hayas oído mil veces: relaciones. Pueden venir de la infancia, la universidad, el amigo de un amigo, un anuncio en línea, etc. Hace unos años incluso hice contacto con una supervisora musical a través de una app de citas... no pasó nada (en ambos frentes, ja), pero nunca sabes cuándo o dónde vas a conocer a alguien que pueda ayudarte a conseguir un trabajo. Lo importante para mí es hacer el contacto y luego mantener ese contacto.
Managers, agentes, supervisors y la persona que lo cambia todo
Otras vías para conseguir un proyecto incluyen managers, agentes y supervisores musicales. Un supervisor musical puede cambiarte la carrera, como me pasó a mí. Joel Sill (ganador del "Legacy Award" del Guild of Music Supervisor, además de haber trabajado en innumerables películas ganadoras del Oscar y éxitos de taquilla) fue ese hombre para mí. Lo que encontré aún más hermoso fue que entre nosotros creció una verdadera amistad, así que no hablábamos solo de cine/música todo el tiempo. Como James, Joel es uno de mis grandes mentores y amigo cercano hasta el día de hoy. No puedo agradecerle lo suficiente por creer en mí y por todo lo que ha venido de nuestras colaboraciones.
Pivote durante el COVID y generar ingresos arreglando para discos
Por último, con el COVID paralizando Hollywood (a nivel personal, tuve siete proyectos que fueron 'pospuestos' —aka cancelados— en un lapso de 72 horas), lo que he estado haciendo para mantenerme creativo, ocupado y pagar las facturas son muchos arreglos de cuerdas/vientos para discos. Puede ser caro hacer un álbum, pero producir una película suele ser aún más caro. Me encanta escribir arreglos de cuerdas/vientos para discos por muchas razones; un par de ellas son que estoy trabajando con la canción de otra persona y, además, tengo una voz/letrea con la que trabajar (recuerda que estoy acostumbrado a escribir música instrumental el 75% del tiempo). Algunos de estos trabajos han llegado por vías como las redes sociales, créelo o no. No tengo muchos seguidores en redes, pero literalmente contactaré a artistas que descubro y me presentaré, o a veces ellos me encuentran y me mandan un mensaje. Al poco, estoy escribiendo y luego nos vamos al estudio a grabar.
La verdad laboral: “Un trabajo es un trabajo” y mantener la mente abierta
La vida es una locura. Supongo que la conclusión que intento transmitir es que es crucial mantener la mente abierta y no tener ego. Un trabajo es un trabajo, y el dinero es dinero. No todos los proyectos son con un ganador del Oscar o un Grammy. Para pagar el alquiler de mi apartamento y el del estudio, trabajo en una gran variedad de proyectos, algunos de los cuales no son "sexys" en absoluto. ¿Pero sabes qué es "sexy"? Poder pagar la renta, el seguro del coche, el papel higiénico y la comida, todo mientras trabajas en música. Al menos eso es lo que a mí me parece "sexy".
Qué buscan los compositores en ingenieros de grabación y mezcladores
El ingeniero puede importar más que el estudio y el equipo
Tan importantes como el orquestador, el copista, los músicos y el director son los ingenieros de grabación y mezcla. Algo crucial a reconocer al trabajar con orquestas —especialmente orquestas grandes— es la importancia y el poder de un gran ingeniero/mezclador. En general, creo firmemente que se puede tener un estudio de primera con una consola Neve/SSL/API carísima y todos los micrófonos/equipos lujosos imaginables, pero si tienes a un idiota detrás de la mesa que no sabe lo que hace, entonces estarías mejor con una consola barata de $100 con micrófonos malos y un ingeniero hábil detrás de la mesa que realmente sepa lo que hace. El resultado final será más musical y placentero sonoramente.
Pagar por la persona adecuada versus la sala más lujosa
Sí, lo he aprendido por las malas con mi propia experiencia. A veces pago más por el ingeniero adecuado que por un estudio lujoso en este caso.
Mantente en tu carril cuando no eres quien contrata al equipo
Cuando soy el compositor de una película o una serie de televisión, puedo seleccionar mi equipo musical. Sin embargo, cuando un productor discográfico me contrata para orquestar o arreglar para ellos, me veo obligado a usar el ingeniero que ellos quieran. Tiene sentido y es totalmente justo: ellos son los jefes, al fin y al cabo. Hablando de eso, ha habido alguna sesión (o dos) en las que llegué al estudio con mis arreglos en mano, entré en la sala de grabación y me sorprendió no solo la selección de micrófonos, sino también su configuración. De nuevo, era su sesión y no estoy a cargo, así que no es mi trabajo ni mi posición cuestionar sus elecciones. Siempre trato de "mantenerme en mi carril".
Las realidades de la grabación orquestal
Aquí hay unos cuantos perlas de sabiduría que he aprendido a lo largo de los años para estar preparado en una sesión orquestal:
- Asegúrate de que las partituras y las partes tengan tanta información como sea posible, para no perder tiempo con preguntas de los músicos como "¿Qué dinámica quieres aquí?", "¿Qué significa esto?", "¿Cuándo quieres que pare el pizzicato?", etc. Puede que la notación musical no sea tu fuerte (sin intención de juego de palabras), así que simplemente contrata a un copista y trabaja con él para dejar exactamente lo que quieres, y luego lo etiquetarán todo de forma impecable.
- Imprime tu partitura a doble cara, para no estar pasando páginas cada 4 segundos.
- Imprime tus partituras en tamaño tabloide (11" X 17") y únelas. Ve a un Kinkos o a cualquier imprenta y te lo hacen por unos pocos dólares.
- Imprime una partitura extra para tu ingeniero, porque hay ingenieros a los que les gusta leer la música para buscar dinámicas y secciones donde ciertos instrumentos destacan más, para que estén preparados con los dedos en los faders.
- Tiene todas las partes en los atriles de los músicos en el orden en el que las vas a grabar.
- Sé cortés y deja un par de lápices afilados en sus atriles (a menudo traen los suyos, pero siempre hay quien los olvida). Otra vez: son las pequeñas cosas.
- Llega temprano al estudio y, obviamente, ten tus sesiones de ProTools preparadas de antemano. Si la bajada es a las 10am, me gusta llegar a las 9am.
- Asegúrate de que los números de compás en tu partitura coincidan con los números de compás en ProTools.
- No te olvides de traer un maldito disco duro.
- Rinde homenaje a los músicos antes y después. Si los fastidias u ofendes, te lo harán saber. No digo que tengas que saludar literalmente a los 75 músicos, pero hazte conocer y agradéceles por venir.
- Recibe a tu concertino con amabilidad y humildad. Si realmente quieres marcar la diferencia, al subir al podio del director justo antes de que empiece la sesión (aunque tú no vayas a dirigir), presenta a tu concertino ante la sala: la orquesta a menudo los aplaudirá. Después, presenta también a tu ingeniero. A menudo, si tienes a un ingeniero respetado en la sesión, los músicos estarán extra contentos y aliviados, sabiendo que su interpretación se va a capturar de forma hermosa. Cada pequeño detalle importa.
- Por último, una lección que aprendí de mi maravillosa madre fue intentar siempre salir de una sala dejando a quienes estaban en ella mejor de lo que estaban antes de que entraras. Otra vez: este negocio se basa en relaciones. No seas un imbécil; ya hay suficientes en la industria.
Contratar un director o no
Un director hábil y profesional puede realmente ayudar a sacar lo mejor de los músicos, además de mantener la sesión avanzando en tiempo y forma. En ese caso, ¡son invaluables! Dicho esto, personalmente creo que un director no siempre es necesario en cada sesión con músicos orquestales. La mayoría de los músicos de sesión de orquesta de hoy en día están tan cómodos grabando con click/pista que, a menudo, no hace falta un director. Así que, en mi humilde opinión, no hace falta un director cuando trabajas con una sección pequeña, como un cuarteto hasta, digamos, 11 músicos, a menos que haya cambios de tempo serios o no estés grabando con click. Hace ya varios años estuve en East West ayudando a alguien con su álbum, y el artista me pidió que dirigiera las cuerdas, a lo que respondí: "No soy un director profesional, y de todas formas no lo necesitan: están bien grabando con el click y la pista". Bueno, era su sesión y su música, así que él decidió dirigir la pequeña sección de 6 músicos él mismo (¿mencioné que nunca había dirigido
