Análisis de Mezcla por Fab Dupont
La Pista
Un Momento Nostálgico
Este MixCheck es un momento nostálgico. A principios de los años 80, el fantástico Quincy Jones lanzó un álbum en solitario llamado The Dude.
En ese momento, tenía casi 50 años, había logrado prácticamente todo lo que un músico y productor podría soñar y no tenía idea de que se volvería aún más legendario tras producir el álbum Thriller de Michael Jackson el año siguiente.
El Equipo A de la Época
Es muy interesante analizar el resultado del duro trabajo del Equipo A de la época (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker, etc., etc...) y compararlo con la estética actual.
También es fascinante presenciar el impacto de esos discos en los registros modernos, los detalles que se tomaron prestados y las ideas que fueron robadas.
Escucha Aquí
La Performance y el Contexto
Cinta, Consolas y Toca Realmente
The Dude es la segunda pista del álbum. Lo primero que llama la atención es lo larga que es: 5.38 minutos. Una rareza en estos días.
Tengan en cuenta que todo este álbum se realizó en cinta y consolas sin acceso a edición de grooves, o mucho ajuste de ningún tipo. Cada efecto fue un trozo de hardware configurado y probablemente compartido entre diferentes pistas y, más importante aún, todo lo que escuchas fue realmente tocado de esa manera.
Lo que significa que el baterista, el bajista y el tecladista pudieron tocar algo que se siente tan bien sin ayuda electrónica. (Es la razón por la que los mismos nombres vuelven una y otra vez cuando lees los créditos de los músicos de esa era. Si contratabas a ese equipo, tenías un disco que tenía groove sin tener que insistir en ello).
Verdadera Musicalidad
También significa que el tecladista tocó ese riff de Wurlitzer durante toda la canción, sin bucles, sin cosas volando, nada de eso.
Escucha toda la pista con eso en mente y reflexiona sobre si hemos progresado o no.
Estructura
Arreglo Inusual
Nota la estructura inusual y las interpretaciones libres de las secciones.
Hay dos intros, cada verso está compuesto de 2 sub-versos. Hay un interludio instrumental de metales que aparece varias veces en distintas encarnaciones, los coros son cantados o instrumentales o ambos de alguna manera, el puente es un solo de teclado de Stevie Wonder intercalado con riffs de coro femenino, y luego tiene ad-libs. Difícilmente una estructura lista para la radio.
Los versos son introducidos por un coro femenino y luego James Ingram canta su parte. Cada vez, excepto en el 3er verso, cuando entra sin el lanzamiento suave (El coro canta un riff similar al puente justo antes del verso 4, pero es otra parte). El verso 3 es una repetición del verso 1b pero salta directo al Coro en lugar de pasar por el interludio de metales y luego otro rap.
Estructura de la Canción
- Intro. (Guitarra y rellenos)
- Intro 2 (con groove de verso)
- Verso 1a (Coro Femenino)
- Verso 1b (James Ingram)
- Interludio de metales
- Verso rap de Quincy
- Coro con voces de fondo de lead.
- Re-intro
- Verso 2a (Coro Femenino)
- Verso 2b (James Ingram)
- Interludio de metales 2
- Verso rap 2
- Coro (con Saxofón alto en lugar de voces leads)
- Riff vocal como puente.
- Solo de Teclado. Gracias Stevie.
- Interludio de metales 3 (Dos veces más largo que antes)
- Vocal como puente
- Riff de nuevo
- Verso 3 (James Ingram)
- Coro con voces de fondo y respuestas al coro con ad-libs geniales por James Ingram
- Coro instrumental con ad-lib y respuestas de fondo
- Desvanecerse
Si solo escuchas sin prestar atención, no parece tan elaborado, pero siempre está evolucionando, por lo que se mantiene interesante a pesar de que principalmente es un bolsillo de un acorde excepto por el coro. ¿Quién lo diría?
Detalles Musicales
Partes Sueltas, Groove Humano
Otros detalles musicalmente interesantes que me han hecho volver a esta pista una y otra vez, además de la ridícula interpretación y el canto, son las partes sueltas de instrumentos. Son partes pero los músicos las interpretan y embellecen de manera aleatoria, algo que casi hemos perdido por completo en la era del copiar y pegar.
También es muy esclarecedor enfocarse en el pocket de la batería. Todo el equilibrio en realidad proviene de una campana de vaca.
El Poder de una Campana de Vaca
Paulinho Da Costa toca lo que parece ser una campana de vaca de tamaño medio montada en un soporte en casi cada nota de un cuarto de la canción (Ve a verificar, esperaré).
Cuando se detiene, todo el movimiento de la pista se detiene.
¿No es increíble?
(A veces se le puede escuchar tocar una nota de octava solo para mostrar que está vivo y saludable. También se puede escuchar la campana de vaca y el flam de la caja un par de veces).
Piano y Palmas
También me encantan las grandes notas de piano estéreo que solo aparecen dos veces para puntuar el riff de slap bass en la intro y el puente. Me pregunto qué más estuvo en conjunto con el piano en esa pista.
Además, recuerda que en ese momento las palmas eran realmente hechas por personas aplaudiendo. Parece fácil en teoría, pero conseguir que un grupo de músicos tenga el groove correcto y esté callado entre los aplausos para obtener el sonido justo no es fácil.
(Inténtalo en tu próxima canción en lugar de usar una muestra y mándame una postal)
Lo lograron, tanto en groove como en sonido. Nota cómo están presentes desde el inicio de la pista de una manera más ligera (Menos personas aplaudiendo) pero luego aumentan en el coro.
Mientras estamos en eso, es una buena idea estudiar el coro.
Contrapunto y Arreglo
Conversación Musical Capas
El coro es un estudio de maestría en contrapunto: entre la voz principal, las voces de fondo, los metales, el riff de teclado y el slap bass. Es una pieza de escritura y arreglo tan ajustada y con una ejecución impecable.
Innovación y Estilo
Uso Temprano de Vocoder y Rap
Otros detalles notables son el uso de un vocoder para las respuestas en los versos (30 años antes de Daft Punk) y el hecho de que Quincy RAPE en la pista.
Esto fue alrededor de 1980, el rap apenas había salido de Nueva York, definitivamente no era un estilo mainstream. Fue valiente de Quincy hacer esto en un disco mainstream. Muestra cuán conectado, y a menudo por delante, estaba Quincy Jones de las tendencias musicales a lo largo de su carrera.
Perspectiva Sonora
Instrumentos Reales, Dinámicas Reales
Sonoramente, lo primero que debería impactarte es que no suena muy grueso. ¿No es así? (Ve a comparar con Angel de Massive Attack o una pista más moderna como Tom Ford de Jay-Z y hablemos).
¿Por qué es eso? Porque son instrumentos reales y no se están utilizando efectos especiales para simular el bajo (No existían, o estaban en su infancia). Un bombo real nunca grabará tan grueso como un 808 Kick, a menos que uses tecnología para hacerlo así. (Ve a escuchar a tu baterista en la sala de ensayos y reporta. Pock. Pock. Pock).
En ese momento era común que la guitarra baja fuera más gruesa que el bombo, justo como en esta pista, porque era lo que obtenías de los instrumentos reales.
Relación entre Bajo y Bombo
Nota cuán fuerte es el bajo. Es redondo y uniforme y es el centro de toda la pista. Probablemente fue una de las pistas más gruesas de sonido de la época, lo cual seguramente se esperaba de ese equipo en ese momento. Una combinación seria de interpretación controlada, compresión y manejo permitieron que el bajo sonara tan fuerte.
Presta atención a la relación entre el bajo y el bombo, es muy diferente de lo que sucedería si esto se mezclara hoy. La relación probablemente sería invertida.
Decisiones Tonales y Espaciales
Lógica de Altavoces Vintage
También nota cuán fuertes son los aplausos de las secciones del coro y cuán delgados suenan los toms cuando se tocan. Todos tonos muy marcados en el tiempo, pero para entender completamente las elecciones estéticas de la mezcla, es importante escuchar la mezcla en altavoces pequeños como Auratones o algo así. Puedes escuchar que todo tiene sentido en esos altavoces. Incluso los graves. Si Bruce Swedien estuviera mezclándolo hoy, sería muy diferente. (Probablemente seguiría sonando bien en Auratones)
Niveles Vocales y Efectos
Sutil Equilibrio Vocal
Mientras estamos en niveles, presta atención a los niveles vocales.
Es particularmente llamativo en las voces del coro.
Nota cuán modestos son en comparación con los estándares modernos. Casi como una de las partes instrumentales.
Lo mismo con el coro femenino de voces que responden a las leads. La mayoría de las voces están bastante alejadas. El rap es un poco más fuerte. También tenía reverb.
Eso es divertido y raramente escuchado hoy en día.
Espacio de Reverb Compartido
De hecho, la mayoría de las voces comparten esa larga reverb de placa, junto con los aplausos, el cuerno alto y la guitarra líder. Tal vez un EMT140. Échale un vistazo. (Además, si tienes la capacidad, escucha la mezcla en mono y observa cómo la reverb desaparece bastante)
Tratamiento de Guitarra y Metales
Trucos de Panning y Ancho
Las guitarras se mantienen bastante delgadas y se mueven hacia los lados para evitar chocar con el riff de wurly.
Incluso las partes estéreo, como la intro o el solo casi del puente, son realmente tomas mono con un corto retardo paneadas opuestas.
Permite un sonido amplio, guarda una pista en la máquina de cinta (Hey, la necesitaban para esa parte de piano una vez) y crea espacio en el medio.
Poder de Metales
Los otros residentes de los lados son los metales, muy al estilo de Earth Wind And Fire que entran para elevar el coro agradablemente. Son bastante fuertes, más ruidosos y presentes que las voces, por ejemplo. Interesante, ¿no? Nota cómo no están tocando en los dos coros al final y solo regresan, con una nueva parte, para el desvanecimiento. Interesante.
Magia de Edición Analógica
Ediciones de Cinta a Mano
Otra característica interesante de esta pista es el trabajo de ensamblaje que parece haberse realizado. Antes de la edición digital, copiar y pegar significaba tomar tijeras a un trozo de cinta y pegarlo de nuevo donde quisieras. Hay que vivirlo para apreciarlo (Predigo que habrá mucha menos maldición en tu DAW después de que intentes hacer una edición en un máster de cinta de 2 pulgadas).
Encuentra las Ediciones
Escucha la primera intro (La que viene antes de que entre el groove del verso). Nota cómo suenan diferentes (más oscuras) las baterías y cómo las voces son bastante distintas también.
Mi suposición es que esta era otra parte de la canción (Probablemente parte del puente si escuchas el sonido de la guitarra, o puede que otra canción) y que fue mezclada a dos pistas como parte de una mezcla en crudo o final.
En otro momento, alguien cortó esa parte (Tal vez para añadir a Stevie en teclados solos) y ese trozo de cinta fue rescatado y en algún momento se añadió como la primera intro.
Revisa el punto de corte cuando inicia el groove. Boom.
Otro corte divertido es al final del primer interludio de metales. Observa cómo la cola de la reverb simplemente se corta. Esa es una edición seria ahí. ¿Estaría bien hoy en día?
Pequeñas Sorprensas de Mezcla
Un Huevo de Pascua de Golpe de Cinta
Otro divertido detalle para los nerds se puede escuchar hacia el final de la pista cuando se repite el coro y James Ingram entra con ad-libs. Presta atención a la palabra ‘out’ en ‘Aint nobody out there’.
¿Qué es eso??
Voto por un golpe que llegó un poco tarde (las máquinas de cinta no tenían capacidades de golpe instantáneo, a veces eran un poco perezosas y golpear era un arte) y por un segundo escuchaste tanto la toma original como el golpe luchando por atención.
Así que ahí lo tienes, un giro de tono 30 años antes de T-Pain.
Sin duda decidieron mantenerlo porque no sintieron que era importante. También hay una lección ahí.
Conclusión General
Una Clase Maestra en Musicalidad
En general, esta pista es un tesoro de conjuntos de habilidades.
Se necesita un par de decenas de escuchas para entender completamente la fuente del groove, la elección de balances muy inusual, la estructura loca y los arreglos vocales y tratar de conectarlo con las muchas, muchas canciones que se inspiraron en ella que vinieron en su estela.
Otras Pistas Destacadas
Otros increíbles grooves en el álbum son
-
“Betcha Wouldn’t Hurt Me”
-
“Ai No Corrida”
Ambas son vale cada centavo y igualmente atemporales.
Fab
