Utiliser des samples pour améliorer les pistes de batterie est une pratique courante dans plus de genres musicaux que vous ne l'imaginez. Que votre public soit vêtu pour une soirée électro ou qu'il affiche des bracelets cloutés et des vestes en cuir noir, une partie de la musique qu'il écoute contiendra cette technique de mixage, sans que personne ne le remarque.
Et il n’y a aucune raison pour qu’il en soit autrement, car peu importe à quel point cette technique est convoitée, elle n’a rien à voir avec la tricherie ou l’évitement de l’utilisation de microphones et de préamplis coûteux. Puisque ce qui compte finalement, c’est le son final de votre enregistrement, le déclenchement de la batterie et les améliorations par samples peuvent être exactement ce dont vous avez besoin pour éviter des chaînes interminables d'EQs et de compresseurs qui ne vous mènent nulle part.
La raison pour laquelle j’ai voulu écrire cet article vient du fait que, au cours de l’année dernière, j’ai vu cette technique être utilisée à un rythme de plus en plus rapide, notamment par des artistes et des groupes qui choisissent de s’aventurer dans l’auto-production de leur enregistrement. La moitié des sessions que j’ai reçues l'année dernière comportaient un mélange de pistes acoustiques et de samples déclenchés pour leur section rythmique et pratiquement toutes souffraient d'un certain nombre de problèmes qui auraient pu être évités si les producteurs avaient suivi quelques directives simples.
Rassemblés dans ce morceau de papier virtuel se trouve une collection d’astuces qui m’ont vraiment aidé au fil des ans. Mon idée est de les écrire sous forme de liste de contrôle afin que vous puissiez les garder à portée de main chaque fois que le mot S est prononcé à haute voix dans votre salle de contrôle (« S » pour samples..).
1 - Utiliser le MIDI, abandonner le MIDI
En tant que pianiste et joueur de claviers, j’ai consommé du MIDI au petit-déjeuner (c’est horrible). À l'époque, le MIDI faisait partie des grandes choses dans la musique.. même maintenant, il est définitivement incroyable à utiliser et il facilite la vie dans un certain nombre de situations mais – pour moi – c’est un cauchemar dans n’importe quelle session de mixage. Je comprends que je suis devenu ultra-sceptique avec les années car j’enregistre maintenant mes synthétiseurs matériels directement en audio sans tenir compte de leurs capacités MIDI. La raison en est que, souvent, ce que j’enregistre ne ressemble pas à ce que j'ai joué. Ce n’est pas le lieu ni le moment d'entrer dans des détails techniques, mais le MIDI est connu pour être instable, surtout lorsque beaucoup de données sont transférées (à savoir des contrôleurs continus comme les pédales de volume et les contrôleurs de souffle).
Le déclenchement de la batterie ne nécessite pas des montagnes de données MIDI, mais nous sommes tous d’accord sur le fait que supprimer les variables indésirables est un grand plus. Les instruments virtuels ont toujours été la première cause de plantages dans mon livre, avec leur streaming de disque, leur mise en mémoire tampon par RAM, leurs multi-échantillons, leurs fonctionnalités intégrées, leurs interfaces sophistiquées, etc. De plus, ils ajoutent des dépendances à votre session : tous les ingénieurs du son n’ont pas exactement les mêmes bibliothèques de sons que vous !
Je vous suggérerais d’utiliser tout le MIDI que vous souhaitez durant votre phase de production, car c’est à ce moment-là que vous devez être capable de concrétiser vos idées dans les plus brefs délais. Ensuite, lorsqu votre piste est produite, même si elle n'est pas encore prête pour le mixage, engagez-vous dans vos choix et imprimez ces samples.
Le moyen le plus simple est de créer une nouvelle piste audio (mono ou stéréo selon vos besoins) puis de régler son entrée sur un bus, puis de router la sortie de votre instrument virtuel vers ce bus. Faites cela pour chaque instrument virtuel et vous pourrez efficacement imprimer chacun d’eux sur une piste séparée, en une seule passe.
Dans le cas où vous n’utilisez pas une bibliothèque de sons complète pour vos samples de batterie et que vous utilisez plutôt des plugins qui font un remplacement en temps réel, je recommanderais tout de même cette étape avant de passer au mixage. La raison étant encore la même : c’est une bonne pratique de perdre toute dépendance dans votre session pour qu’elle soit facile à ouvrir par l’ingénieur du mixage, sans risquer des erreurs étranges (qui pourraient vous faire perdre une session entière !).
2 - Vérifier l’alignement
Alors maintenant que nous sommes avec toutes les pistes audio, nous sommes modérément en sécurité. Nous n’avons plus à nous préoccuper des instruments virtuels, des interfaces MIDI, de la mise en mémoire tampon, des pics de CPU ou des gremlins audio, mais le voyage qui nous attend nous amènera encore dans des terres périlleuses.
Nous savons que les samples de batterie sont désormais gravés dans la pierre (c’est-à-dire dans un fichier audio) mais nous n’avons aucune information sur la manière dont le déclencheur a décidé de placer le sample lui-même. Puisque chaque coup de votre batteur est différent, il n’y a aucune garantie que le déclencheur placera votre sample à la même position exacte chaque fois. Les producteurs et ingénieurs expérimentés apprennent à travailler avec des déclencheurs spécifiques et s’habituent à connaître leur comportement général. Mais puisque personne ne naît expert, il est plus sûr de vérifier deux fois.
Rien ne vaut simplement écouter vos pistes acoustiques ET déclenchées en solo. Disons que vous avez ajouté deux samples à vos pistes de batterie : un pour la grosse caisse et l’autre pour la caisse claire. Mettez à solo à la fois la grosse caisse et la caisse claire (avec leurs équivalents échantillonnés) et écoutez-les :
- La grosse caisse sonne-t-elle « profonde », toujours de la même manière ? Perd-elle ses graves dans certaines parties (par exemple lorsque le batteur joue plus doucement) ?
- Votre caisse claire sonne-t-elle vive, à chaque fois ? A-t-elle le même corps ?
- Les coups de grosse caisse et de caisse claire ont-ils des flams occasionnels ?
Si vous entendez un problème, alors c’est bien un problème.
« Mais… ça sonnait bien quand nous avons décidé des samples, il y a des semaines ! » Eh bien, il est courant de choisir des samples basés sur une partie spécifique (comme un refrain) puis d’oublier de vérifier l’ensemble de la session. Un déclencheur ou un instrument virtuel qui « détecte » bien dans un refrain pourrait ne pas fonctionner sur une autre partie, comme un passage plus doux.
Les flams indésirables sont clairement mauvais, car ils introduisent un double coup artificiel, super rapide, qui n’a aucune utilisation prévue pour vous. Lorsque les différences d’alignement deviennent plus petites, une écoute attentive révèlera un changement dans les graves ou le corps des instruments, causé par l’annulation de phase.
Personnellement, je ne suis pas satisfait d’un tel résultat et la raison est simple : si je traverse la difficulté d’ajouter quelque chose comme des samples déclenchés à ma session, il vaut mieux que ce soit bon et réagisse exactement comme je le souhaite : il est inutile de passer du temps à égaliser et à compresser une grosse caisse pour obtenir ce son parfait si la source elle-même change de phase et de caractère à chaque coup ou section de la chanson.
Heureusement pour nous, les DAWs d’aujourd’hui impliquent des variations du concept de « temps élastique » de Pro Tools, qui nous permettent de conformer facilement une piste à une autre.
3 - Un peu de réglage peut faire beaucoup
À ce stade, nous avons fait de notre mieux : nous avons de bonnes batteries, de bons samples, nous aimons la relation entre les deux, nous avons veillé à n'avoir aucun problème principal avec notre déclenchement. Donc, nous PENSONS pouvoir commencer à mixer.. ce qui signifie que nous avons immédiatement cette envie de gate, de passe-haut, d’EQ et de compresser tout avec les derniers plugins de notre arsenal (ou du matériel, si vous êtes ce genre de personne).
Apprendre à résister à cette envie et à se concentrer sur autre chose a été pour moi l'une des meilleures améliorations personnelles en tant qu'ingénieur du son, sans conteste. Au lieu de saisir mes plugins préférés, je passe maintenant généralement 5 à 10 minutes à me concentrer sur :
Alignement temporel : vous souvenez-vous quand nous nous sommes assurés que tous les samples étaient alignés à la source originale de la même manière ? C’était du temps bien dépensé, car maintenant nous pouvons créer un décalage avec quelque chose comme un plugin de délai très simple, réglé à 100 % WET, sans feedback ni trucs sophistiqués, juste un délai en millisecondes (encore mieux si en dixièmes de millisecondes !). Prenez le sample de grosse caisse et commencez à le retarder par petites increments, même 1 à 2 millisecondes peuvent faire beaucoup ! Vous pourriez trouver un moment où les deux sons sont désalignés mais produisent un timbre que vous aimez. Maintenant, vous savez que vous avez un désalignement systématique qui délivre constamment le résultat souhaité, au lieu d’avoir simplement quelque chose « à peu près là ». Votre EQ vous remerciera !
Corrélation de phase : commencez à inverser la phase de vos samples.. entendez-vous la grosse caisse devenir plus profonde dans les graves ? Ou plus mince ? A-t-elle un son nasal ? Perd-elle son son nasal ?
Une fois que vous êtes à l’aise avec ce qui précède, attendez avant de célébrer : avez-vous vérifié tout avec les autres microphones (overheads, microphones de salle, etc.) ? Faites-le et, si vous sentez que quelque chose recommence à devenir boueux, nasal, confus, trop grave, trop mince et généralement « pas comme vous le souhaitez », retournez en arrière et commencez à ajuster les choses une par une, tout en écoutant tous les microphones.
Quelque chose de vraiment brillant que je ne voudrais jamais abandonner dans ce genre de situations est le Little Labs IPB Phase Alignment Tool, conçu sous forme de plugin par Universal Audio. Cette petite utilité a tout : vous pouvez retarder et inverser la polarité mais vous pouvez aussi travailler en douceur de 0 (polarité normale) à 180 degrés (polarité inversée). C’est incroyable ce que vous pouvez accomplir en ne déplaçant la phase que de 10 degrés ou moins, et cela va bien au-delà de tout ce que vous pourriez obtenir en égalisant vos pistes.
4 - Apprenez quand diviser et quand unir
Enfin, comment traitez-vous vos batteries ? Séparément, en tirant le meilleur de chaque piste ? Ou dans leur ensemble, en les traitant sur leur bus ? Vous devez être capable de faire les deux et de discerner quand agir sur des éléments individuels et quand agir sur le tout. Laissez vos oreilles vous dire où aller.. et pour les laisser faire cela.. vous devez les entraîner :
Une excellente façon de le faire est d'expérimenter et d'écouter : prenons par exemple une grosse caisse composée de deux pistes, un vrai enregistrement de l'intérieur de la grosse caisse et un sample ajouté. Quels sont les composants forts de chacune ? Disons que l’intérieur est probablement là pour vous donner de la matière, un son « peau contre tête » en carton, et le sample est utilisé pour obtenir ce sub constant et contrôlé et ce bord tranchant qui le fait percer dans un mix chargé.
- Coupez les basses sur la vraie grosse caisse.. ressentez-vous que le son dans son ensemble devient plus profond, plus sub et plus serré en bas ? Ou devient-il plus mince ?
- Équilibrez les médiums sur le sample.. la grosse caisse devient-elle plus claire, moins masquée dans l’ensemble du mix et plus cisaillée ? Ou perd-elle du corps et de la « poitrine supérieure » ?
Ce sont des exemples de traitement de pistes individuelles. N’hésitez pas à laisser les choses tranquilles si aucune des expériences ne vous satisfait. Vous pourriez être parfaitement à l’aise avec la grosse caisse telle qu'elle est !
Maintenant, travaillez sur le bus de la grosse caisse :
- Augmentez les haut-médiums autour de 4-5 kHz.. est-ce que la grosse caisse gagne un peu plus de tranchant et de caractère ? Ou cela devient un peu trop étrange et artificiel ?
- Compressez le bus avec votre compresseur préféré.. est-ce que la grosse caisse sonne plus « ensemble » et cohérente ? Ou perd-elle du bottom et de la présence ?
Avec un peu d’expérimentation, vous commencerez à comprendre ce que vous devez faire pour résoudre un problème spécifique dans votre session. Et avec le temps, plus vous mélangez, plus vous saurez quoi faire en quelques secondes.
5 - Passons à la pratique.
Voici un extrait d'une session d'enregistrement que j'ai réalisée à Fuseroom. La session originale comporte environ 10 microphones sur la batterie, mais j'ai délibérément retiré tout sauf l'intérieur de la grosse caisse et le haut de la caisse claire. Ensuite, j'ai également amené les overheads et le microphone de salle mono pour démontrer comment les samples peuvent être excellents pour améliorer... mais rien ne vaut l'air réel, les vraies batteries et les vrais microphones.
Les filtres RS W2377 et W2395 utilisés dans le dernier exemple
Les étapes ci-dessus m'ont toujours aidé à rendre une session accro aux samples son « prête » d'une manière qui n'était pas possible auparavant. Avoir quelque chose qui sonne bien sans traitement (ou peu) est une sensation fantastique pour chaque ingénieur du son.. mais c'est aussi génial pour l'auditeur, car rien ne vaut l'harmonie naturelle de plusieurs parties travaillant ensemble sans effort. Combien de fois avez-vous empilé des plugins les uns sur les autres en essayant d'atteindre un son spécifique et échouant misérablement après des heures de manipulation ? Je sais que j'y suis déjà passé.
Si vous pouvez atteindre votre son désiré plus rapidement et plus efficacement, vous serez plus heureux, votre DAW nécessitera moins de puissance, la planète sera plus verte et finalement, vous aurez plus de temps pour sortir et jouer au soccer avec vos amis !
Alberto.
Alberto Rizzo Schettino est pianiste, passionné de synthétiseurs, ingénieur du son et membre de la famille Puremix depuis 2013. Il est propriétaire de Fuseroom Recording Studio à Berlin et travaille également comme spécialiste produit pour certaines des meilleures marques dans le domaine du matériel audio haut de gamme.
Fuseroom Recording Studio : http://www.fuseroom.com
Site Web d'Alberto : http://www.albertorizzoschettino.net
