Dans l'extrait de la vidéo “Ryan Hewitt Mixing the Lumineers,” Hewitt décrit sa stratégie pour arranger et mixer la chanson “Angela.”
“Il y avait beaucoup de réflexion très intentionnelle à propos de chaque partie particulière,” dit Hewitt. “Quand elle allait entrer, quand elle allait jouer, et ce qu'elle allait jouer.” Il dit qu'ils ne se contentaient pas de superposer beaucoup de parties, mais qu'ils ont très délibérément construit l'arrangement.
Bien que ce soit une chanson relativement tranquille et qu'elle n'ait pas de partie de batterie conventionnelle, elle est incroyablement dynamique et pleine de petites touches intelligentes qui aident à construire l'énergie au fur et à mesure. La chanson présente des parties de percussion et de cordes qui ont une saveur orchestrale, ce que Hewitt décrit comme une ambiance “cinématographique.”
Examinons ce qui se passe dans la chanson, en commençant par le début. Pour suivre ou faire référence au mixage réel pendant que vous lisez cet article, vous pouvez l'écouter dans la vidéo officielle.
INTRO
La chanson commence par une partie de guitare acoustique jouée aux doigts. Hewitt lui a donné un son plus plein avec un peu de compression parallèle, un réverbérateur Lexicon 480 samplé et plusieurs égaliseurs diminuant les basses et ajoutant de la brillance.
La piste verte est la guitare acoustique, et vous pouvez voir tout le traitement qu'Hewitt a utilisé à son sujet. La piste étiquetée ACO Crush est le canal de compression parallèle.
COUPLET 1, PRÉ-REFRAIN 1
La voix du chanteur principal Wesley Shultz est le seul élément ajouté lorsque le premier couplet commence. L'arrangement reste juste avec la guitare acoustique et la voix à travers la première section de pré-refrain.
Hewitt explique que la musique de The Lumineers tourne autour des voix. Le son de voix lead riche et organique qu'Hewitt obtient dans le mix de “Angela” est beaucoup plus complexe que ce que l'on pourrait deviner en l'écoutant. Il présente deux instances stéréo et une mono du plug-in de réverbération de plaque UAD EMT 140 avec des temps de déclin et de pré-délai variables qui créent une ambiance complexe. (Pour un aperçu détaillé des réglages de réverbération vocale pour la chanson, consultez cet article.) Deux échos différents, y compris un slap et un délai court syncopé, ajoutent à la richesse de la voix, tout comme une compression parallèle subtile.
COUPLET 2 et PRÉ-REFRAIN 2
Le mix commence à se développer au début du couplet 2. Un piano entre, jouant des accords élevés sur les temps forts. Hewitt utilise un plug-in UAD 1176 sur le piano pour renforcer son son et ajouter de la sustain.
Une grosse caisse entre aussi, aidant à propulser la chanson vers le premier refrain. La grosse caisse a été ajoutée pendant le mix, et ne figurait pas dans l'arrangement original.
Il y a une section de deux mesures menant au refrain où l'arrangement revient juste aux voix et à la guitare acoustique avec une légère percussion mélangée à bas niveau. Cette baisse d'intensité prépare un contraste supplémentaire pour le refrain, qui commence lorsque Schultz chante la vérification vocale, “Ho,” au temps trois de la dernière mesure du pré-refrain.
REFRAIN 1
Dans le court refrain de quatre mesures, les voix deviennent beaucoup plus intenses, et Hewitt a décidé de les déplacer sur une piste séparée, afin qu'il puisse les traiter différemment. Par exemple, il change les parties de délai, insérant un Soundtoys EchoBoy, réglé pour un délai numérique avec un peu de saturation.
Les pistes rouges en bas sont les voix. Remarquez comment Hewitt a séparé les couplets, refrains et ponts sur des pistes distinctes, afin qu'il puisse leur appliquer facilement des traitements différents.
Hewitt booste également les aigus sur la voix lead pendant la section du refrain. Il explique qu'ajouter de la brillance est l'un de ses trucs pour aider à propulser une section particulière de la chanson, car “plus brillant est plus excitant.”
Le piano devient plus impliqué dans le refrain, prenant brièvement le relais de la guitare acoustique en tant qu'instrument fondamental. Le piano joue une forte partie accordale avec des “bass bombs,” qui sont des parties d'octave à la main gauche. Hewitt élargit le panoramique du piano pour cette section afin d'ajouter du contraste supplémentaire.
Des toms doubles frappent à l'appui du refrain, ajoutant un poids significatif. Hewitt ajoute une compression “smashy” pour les épaissir. Des caisses claires accordées frappent également ce même temps, avec beaucoup d'aigus atténués et de la distorsion ajoutée. La combinaison des parties donne à la percussion une sensation orchestrale.
Les deux dernières mesures du refrain baissent en intensité avec le piano jouant un accord soutenu qui s'estompe lentement sous la voix. Comme avec la baisse d'intensité qui a précédé le refrain 1, cela aide à préparer les nouveaux éléments qui entrent dans le couplet 3.
COUPLET 3 et PRÉ-REFRAIN 3
La chanson devient plus intense lorsque le troisième couplet commence. La grosse caisse est la principale responsable de la propulsion de cette section, qui passe à un motif régulier de quatre temps au sol.
La basse entre pour la première fois, jouant des notes entières. Hewitt a enregistré la basse en utilisant sa combinaison typique de DI, d'ampli propre microphoné et d'ampli sale microphoné. Bien que utilisée avec parcimonie dans une chanson comme celle-ci, Hewitt explique que les harmoniques supérieures de l'ampli distordu aident à faire ressortir la basse, même sur de petits haut-parleurs.
Un pseudo-shaker entre également, qui est en fait un enregistrement de mains qui se frottent. Hewitt souligne qu'il a fait des automations de volume sur sa piste pour la faire ressortir entre les lignes vocales.
Un violon fait son entrée au début du couplet 3, ajoutant une complexité et un intérêt supplémentaires. Il comprend deux parties : une boucle de drone et une ligne pizzicato.
L'arrangement comprend plusieurs parties de violon pour aider à fournir l'ambiance orchestrale et à avoir un impact stratégique sur l'énergie à divers points de la chanson.
Au milieu du pré-refrain 3, un violoncelle entre, jouant de longues notes legato. Hewitt souligne que même s'il entre à un endroit assez inhabituel au milieu de la section — sur la ligne “Angela it’s a long time coming” — cela semble juste. Il le traite avec des boost dans le bas et un plug-in UAD LA-2A compressant les dynamiques.
REFRAIN 2
Le refrain 2 est plus intense que le refrain 1. Il est ponctué de coups de toms retentissants. Le violoncelle passe à une ligne qui double le rythme des coups de toms pour un renforcement supplémentaire. Le violon commence à jouer un motif pizzicato en croches que Hewitt décrit comme fonctionnant comme une partie de guitare électrique. Il automatise la ligne de violon pour la faire ressortir entre les voix.
Des voix de fond éthérées et de haute tonalité entrent également, qui sont très subtiles dans le mix mais ajoutent de la texture.
PONT
Un autre changement dynamique se produit au pont, avec l'énergie et l'instrumentation diminuant quelque peu pour fournir un contraste avec le dernier refrain à venir. Hewitt explique qu'en tant que partie de l'arrangement, les musiciens ont tous abaissé leur intensité au pont pendant l'enregistrement. Il n'a pas eu besoin de créer artificiellement le changement avec des automations et des coupures.
Les deux pistes bleues en haut sont les claquements de mains. Remarquez comment ils augmentent en volume pour intensifier la montée vers le refrain 3.
De manière contre-intuitive par rapport à la baisse d'intensité, il y a une légère accélération du tempo qui a été programmée dans le clic avant l'enregistrement.
Le pont monte joliment vers le refrain, en partie grâce à une piste de claquements de mains qui commence doucement et augmente en volume à mesure qu'elle se rapproche du refrain.
Un autre élément intéressant qui entre dans le pont est ce qu'Hewitt appelle un “piano bee.” C'est une partie simple, répétitive de contre-rythme composée de notes simples qui montent en intensité. Hewitt l'a panoramiqué fortement d'un côté et l'a traité avec un filtre passe-haut et un délai d'un plug-in UAD Echoplex.
La fin du pont monte vers un crescendo qui le propulse dans le dernier refrain.
REFRAIN 3 et 3B
Retour au refrain, et ici tout le monde a joué leurs parties un peu plus fort pour ajouter de l'énergie. Hewitt a également accentué ces dynamiques avec de l'automatisation de volume.
Une nouvelle partie de grosse caisse entre, jouant un motif répétitif solide qui ajoute de la puissance et de la propulsion à la section de percussion.
Pour le backbeat, au lieu d'une caisse claire, Hewitt a vraiment fait preuve de créativité et a samplé le bruit de l'obturateur d'un appareil photo appartenant à un photographe assistant à la session. Il l'a traité avec Soundtoys FilterFreak en atténuant les aigus et ajoutant de la saturation, utilisé un EQ pour couper le haut et le bas et mettre en avant la midrange haute, l'épaississant avec un plug-in préampli UAD Neve 1073 Legacy, et ajoutant des échos saccadés et de la réverbération.
Entrent également dans ce refrain une partie de violoncelle jouant des notes staccato basses, un violon jouant des notes de seizièmes et un autre jouant des notes pizzicato sur les contre-temps, d'un octave au-dessus. Hewitt utilise cette partie de tonalité plus élevée pour ajouter une excitation supplémentaire.
Hewitt a appliqué un filtre passe-haut à la partie “piano bee” pour qu'elle n'entre pas en conflit avec les autres parties de piano jouant simultanément.
Le refrain se répète avec tous les mêmes éléments, mais avec quelques variations plus aigües dans la voix lead et une autre voix harmonique haute qui est panoramiquée à droite.
Pour augmenter la propulsion, les cordes et le piano doublent la vitesse de toutes leurs parties dans le refrain répété. Par exemple, le piano passe d'une partie orientée en croches à une partie en seizièmes. Entrer dans cette extrême vitesse maximisée également le contraste avec la section de sortie qui suit.
OUTRO
Tout sauf la guitare acoustique et la voix s'éteignent, ramenant l'arrangement à la simplicité du premier couplet. Shultz fredonne la mélodie avec la guitare, puis cela s'arrête net sur un temps fort et la guitare résonne.
PENSÉES FINALES
Il est clair qu'Hewitt et The Lumineers ont créé un arrangement dynamique et un mix qui changent constamment de section en section. Les différents éléments entrant et sortant ont aidé à élever et à diminuer l'énergie pour les différentes sections, tout en construisant de manière continue vers le climax du dernier refrain. Ces techniques ont rendu la chanson encore plus puissante et mémorable.
Voir comment ils ont obtenu ces résultats est instructif, et il est utile d'y penser lorsque vous arrangez vos propres chansons à enregistrer. Regardez la vidéo complète, “Ryan Hewitt Mixing the Lumineers,” pour en apprendre encore plus sur la manière dont Hewitt a aidé le groupe à créer ce mixage magistral.
