Использование сэмплов для улучшения ударных треков является обычной практикой в большем количестве музыкальных жанров, чем вы могли бы себе представить. Независимо от того, одета ли ваша аудитория для вечеринки в стиле электро или демонстрирует шипованные браслеты и черные кожаные куртки, в музыке, которую они слушают, будет присутствовать такая техника микширования, и никто этого не заметит.
И нет причины, по которой они должны это замечать, потому что, как бы ни была желанна эта техника, она не имеет ничего общего с обманом или стремлением избежать использования дорогих микрофонов и предусилителей. В конечном итоге важно итоговое звучание вашей записи, и триггеринг ударных и улучшение сэмплов могут быть именно тем, что вам нужно, чтобы избежать бесконечных цепочек эквалайзеров и компрессоров, которые не приносят результатов.
Причина, по которой я хотел написать эту статью, заключается в том, что в прошлом году я наблюдал, как эта техника используется с каждым днем все чаще, особенно со стороны артистов и групп, которые решают заняться самостоятельным производством своих записей. Половина сеансов, которые я получил в прошлом году, включала смесь акустических треков и триггерных сэмплов для ритм-секции, и практически все они страдали от ряда проблем, которых можно было бы избежать, если бы продюсеры следовали нескольким простым рекомендациям.
Собранные на этом виртуальном листе бумаги советы действительно помогали мне в течение многих лет. Моя идея — записать их в виде контрольного списка, чтобы вы могли держать его под рукой каждый раз, когда в вашей контрольной комнате произносят "С" (для сэмплов..).
1 - Используйте MIDI, отказывайтесь от MIDI
Будучи пианистом и клавишником, я поглощал MIDI за завтраком (вкус ужасный). Раньше MIDI был среди "вещей" в музыке.. даже сейчас его использование определенно удивительно и оно упрощает жизнь в ряде ситуаций, но - для меня - это ночной кошмар на любых миксах. Я понимаю, что со временем я стал гиперскептичным, потому что теперь записываю свои аппаратные синтезаторы напрямую в аудио, не заботясь о их MIDI возможностях. Причина в том, что часто то, что я записывал, не звучало так, как я играл. Это не то место и время, чтобы углубляться в технические детали, но известно, что MIDI может давать сбой, особенно когда передается много данных (например, непрерывные контроллеры, такие как педали громкости и контроллеры дыхания).
Триггеринг ударных не требует огромного количества MIDI данных, но мы все согласны, что избавление от нежелательных переменных — это большой плюс. Виртуальные инструменты всегда были главной причиной сбоев DAW в моем опыте, с их потоковой передачей данных, буферизацией RAM, многосэмплированием, встроенными функциями, модными интерфейсами и т. д. Более того, они добавляют зависимости в вашу сессию: не каждый звукорежиссер имеет те же самые библиотеки звуков, что и у вас!
Я бы рекомендовал вам использовать все MIDI, которое вам нравится, в течение вашего производственного этапа, потому что именно тогда вам нужно реализовать свои идеи в кратчайшие сроки. Затем, когда ваш трек будет готов, даже если он еще не подходит для микширования, следуйте своим выборам и запечатайте эти сэмплы.
Самый простой способ — создать новый аудиотрек (моно или стерео в зависимости от ваших нужд), а затем настроить его вход на шину, а выход вашего виртуального инструмента направьте на эту шину. Сделайте это для каждого виртуального инструмента, и вы сможете эффективно напечатать каждый из них в отдельный трек за один проход.
Если вы не используете полноценную звуковую библиотеку для ваших ударных сэмплов и вместо этого используете плагины, которые выполняют замену в реальном времени, я все равно рекомендую этот шаг перед тем, как переходить к микшированию. Причина опять же в том, что это хорошая практика — избавиться от зависимости в вашей сессии, чтобы звукорежиссеру было легко открыть ее, не рискуя странными всплывающими ошибками (которые могут стоить вам целой сессии перед аудио!).
2 - Дважды проверьте выравнивание
Теперь, когда у нас остались только аудиотреки, мы относительно в безопасности. Нам больше не нужно беспокоиться о виртуальных инструментах, MIDI интерфейсах, буферизации, всплесках ЦП или аудио-призраках, но путь впереди все еще может быть полон опасностей.
Мы знаем, что ударные сэмплы теперь записаны в камне (то есть в аудиофайле), но у нас нет информации о том, как триггер решил разместить сам сэмпл. Поскольку каждый удар от вашего ударника уникален, нет гарантии, что триггер будет помещать ваш сэмпл на одно и то же место каждый раз. Опытные продюсеры и инженеры учатся работать с конкретными триггерами и привыкли знать их общее поведение. Но так как никто не рождается экспертом, всегда лучше перепроверять.
Ничто не заменит прослушивание ваших акустических И триггерных треков по отдельности. Допустим, вы добавили два сэмпла к вашим ударным трекам: один для бас-барабана и другой для малых барабанов. Поставьте оба — удар и малый барабан (с их сэмплированными аналогами) в соло и прослушайте их:
- Звучит ли бас-барабан “глубоко”, всегда одинаково? Теряет ли он свои низкие частоты в некоторых частях (например, когда ударник играет тише)?
- Звучит ли ваш малый барабан четко, каждый раз? Сохраняет ли он ту же полноту?
- Есть ли у удара и малого барабана случайные фламы?
Если вы слышите проблемы, значит, они существуют.
“Но… он звучал отлично, когда мы выбрали сэмплы, несколько недель назад!” Что ж, это распространенная практика — выбирать сэмплы на основе конкретной части (например, куплета), а затем забывать перепроверить всю сессию. Триггер или виртуальный инструмент, который “срабатывает” четко в припеве, может потерять его в другой части, такой как более мягкий ландшафт.
Нежелательные фламы очевидно плохи, так как они вводят искусственный, сверхбыстрый двойной удар, который вам не нужен. Когда различия в выравнивании становятся меньше, внимательное прослушивание выявит изменения в низах или теле инструментов, вызванные фазовой компенсацией.
Лично я не удовлетворен таким результатом, и причина проста: если я проявляю усилия, добавляя что-то вроде триггерных сэмплов в свою сессию, это должно звучать хорошо и вести себя именно так, как я хочу: нет смысла тратить время на эквалайзинг и компрессию бас-барабана, чтобы получить идеальный звук, если сам источник изменяет фазу и характер с каждым ударом или секцией песни.
К счастью для нас, современные DAW подразумевают вариации концепции "упругого времени" Pro Tools, которые позволяют нам легко адаптировать один трек к другому.
3 - Немного тонкой настройки дает большой эффект
На данный момент мы сделали все возможное: у нас хорошие звучащие ударные, хорошие сэмплы, нам нравится соотношение между ними, мы убедились, что нет главных проблем с триггерингом. Так что мы ДУМАЕМ, что можем начать микширование... это значит, что у нас сразу возникает желание настроить шум, высокочастотный фильтр, эквалайзер и компрессоры с последними плагинами в нашем арсенале (или аппаратуре, если вы такой парень).
Научиться противостоять этому желанию и вместо этого сосредотачиваться на чем-то другом было для меня одним из лучших личных достижений как звукорежиссера, безусловно. Вместо того, чтобы хвататься за свои любимые плагины, я теперь обычно трачу 5-10 минут, чтобы сосредоточиться на:
Временное выравнивание: помните, когда мы убедились, что все сэмплы выровнены с оригинальным источником таким же образом? Это было потрачено не зря, потому что теперь мы можем создать смещение с чем-то вроде очень простого плагина задержки, установленного на 100% WET, без реверберации или прочих замысловатостей, просто задержка в миллисекундах (даже лучше, если в десятых долях миллисекунды!). Возьмите сэмпл удара и начните задерживать его на небольшие величины, даже 1-2 миллисекунды могут иметь значение! Вы можете найти такую точку, где два звука расходятся, но создают тембр, который вам нравится. Теперь вы знаете, что у вас есть систематическое несоответствие, которое постоянно дает задуманное звучание, вместо того чтобы просто приблизительно иметь что-то “вот там”. Ваш эквалайзер будет вам благодарен!
Фазовая корреляция: начните переключать фазу на своих сэмплах... слышите, как бас-барабан становится глубже на низах? Или тоньше? Есть ли у него носовый звук? Уходит ли носовый звук?
Когда вы убедитесь, что все в порядке, подождите, прежде чем радоваться: проверили ли вы все по отношению к другим микрофонам (овер-хеды, комната и т. д.)? Сделайте это, и если что-то опять становится массивным, носовым, мутным, слишком глубоким, слишком тонким и в целом “не так, как вы хотите”, вернитесь и начните настраивать все по одному, прослушивая все микрофоны.
Что-то абсолютно блестящее, от чего я никогда не откажусь в подобных ситуациях, - это инструмент выравнивания фазы Little Labs IPB, созданный в форме плагина компанией Universal Audio. Этот небольшой инструмент предлагает все: вы можете задерживать и переключать полярность, но вы также можете плавно переходить от 0 (нормальная полярность) до 180 градусов (обратная полярность). Удивительно, что можно достичь, просто изменив фазу на 10 градусов или около того, и это превосходит все, что вы могли бы достичь, эквализируя ваши треки.
4 - Узнайте, когда делить, а когда объединять
Наконец, как вы обрабатываете свои ударные? По отдельности, получая лучшее из каждого трека? Или целиком, обрабатывая их на их шине? Вы должны уметь делать и то, и другое, и различать, когда следует действовать на отдельные элементы, а когда — на целое. Позвольте своим ушам сказать вам, куда идти... и чтобы они могли это сделать... вам нужно их тренировать:
Отличный способ сделать это — экспериментировать и слушать: например, возьмите бас-барабан, состоящий из двух дорожек, одной истинной записи внутренней части бас-барабана и добавленного сэмпла. Какие сильные компоненты каждого? Допустим, внутренняя часть, вероятно, предназначена для создания плотности, картона-реального “кожаного против мембраны” звука, а сэмпл используется для получения этого постоянного, контролируемого суббасы и резкого края, который позволяет ему пробиться сквозь насыщенный микс.
- Обрежьте низкие частоты на реальном бас-барабане... чувствуете ли вы, что звук становится глубже, более суббассированным и плотным на низах? Или он становится тоньше?
- Выемите средние частоты на сэмпле... становится ли бас-барабан яснее, меньше маскируя общий микс и более резким? Или он теряет плотность и “верхнюю часть груди”?
Это примеры обработки одиночного трека. Не бойтесь оставить вещи как есть, если ни один из экспериментов вас не удовлетворяет. Возможно, бас-барабан звучит именно так, как вам нужно!
Теперь работаем с шиной бас-барабана:
- Увеличьте высокие средние частоты около 4-5 кГц... увеличивается ли четкость и характер бас-барабана? Или он становится чересчур странным и ненастоящим?
- Сожмите шину вашим любимым компрессором... звучит ли бас-барабан более “слаженно” и согласованно? Или он теряет низы и присутствие?
С небольшими экспериментами вы начнете понимать, что нужно делать, чтобы решить конкретную проблему в вашей сессии. И со временем, чем больше вы микшируете, тем быстрее будете знать, что делать в считанные секунды.
5 - Давайте быть практичными.
Вот отрывок из записи, которую я сделал в Fuseroom. Исходная сессия включает в себя около 10 микрофонов на ударной установке, но я сознательно удалил все, кроме внутренней части бас-барабана и верхней части малого барабана. Затем я также добавил оверхеды и моно-комнатный микрофон, чтобы продемонстрировать, как сэмплы могут быть отличными для улучшения... но ничего не сравнится с настоящим воздухом, настоящими ударными и настоящими микрофонами.
Фильтры RS W2377 и W2395, использованные в последнем примере
Вышеописанные шаги всегда помогали мне сделать сессию, зависимую от сэмплов, звучащей “готово” так, как это было невозможно раньше. Иметь что-то, что звучит здорово без обработки (или с минимальной) — это фантастическое чувство для каждого звукорежиссера... но это также прекрасно для слушателя, поскольку ничто не заменит естественную гармонию множества частей, работающих вместе без усилий. Сколько раз вы накладывали плагины друг на друга, пытаясь достичь определенного звука и терпя неудачу после часов возни? Я знаю, что был в этом.
Если вы можете быстрее и эффективнее достичь желаемого звучания, вы будете счастливее, ваш DAW будет потреблять меньше энергии, планета будет зеленее, и в конечном итоге у вас будет больше времени, чтобы выйти и поиграть в футбол с друзьями!
Альберто.
Альберто Риццо Шеттино — пианист, поклонник синтезаторов, звуковой инженер и часть семьи Puremix с 2013 года. Он владелец студии звукозаписи Fuseroom в Берлине и также работает как специалист по продуктам для некоторых из лучших брендов в области высококачественного аудиооборудования.
Студия звукозаписи Fuseroom: http://www.fuseroom.com
Веб-сайт Альберто: http://www.albertorizzoschettino.net
