Использование образцов для улучшения ударных треков является обычной практикой в большем количестве музыкальных жанров, чем вы можете себе представить. Независимо от того, одеты ли ваши зрители для вечера электро или демонстрируют шипованные браслеты и черные кожаные куртки, какая-то часть музыки, которую они слушают, будет использовать такую технику смешивания, и никто это не заметит.
И нет никаких причин, почему они должны это замечать, потому что, независимо от того, насколько желанной является эта техника, она не имеет ничего общего с обманом или избеганием использования дорогих микрофонов и предусилителей. В конце концов, важен финальный звук вашей записи, и триггеринг ударных и улучшения образцов могут быть именно тем, что вам нужно, чтобы избежать бесконечных цепочек эквалайзеров и компрессоров, которые ни к чему не приводят.
Причина, по которой я захотел написать эту статью, связана с тем, что в прошлом году я заметил, что эта техника используется все чаще, особенно артистами и группами, которые решают заняться само-продюсированием своих записей. Половина сессий, которые я получил в прошлом году, содержала смесь акустических треков и триггерных образцов для их ритм-секции, и практически все они страдали от множества проблем, которых можно было избежать, если бы продюсеры следовали нескольким простым рекомендациям.
В этой виртуальной записке собрана коллекция советов, которые действительно помогли мне в течение многих лет. Моя идея состоит в том, чтобы записать это как своего рода контрольный список, чтобы вы могли держать его под рукой каждый раз, когда в вашей контрольной комнате будет произнесено слово на "S" (“S” для Samples..).
1 - Используйте MIDI, выбрасывайте MIDI
Как пианист и клавишник, я на завтрак ел MIDI (это ужасно на вкус). В те времена MIDI был одной из “больших” вещей в музыке... даже сейчас это определенно удивительно использовать, и оно облегчает жизнь в ряде ситуаций, но для меня это - кошмар на любой микс-сессии. Я понимаю, что стал чрезмерно скептичен с годами, поскольку теперь записываю свои аппаратные синтезаторы в аудио без учета их MIDI возможностей. Причина этого в том, что часто то, что я записывал, не звучало так, как я играл. Это не то место и время, чтобы вдаваться в технические детали, но известно, что MIDI может давать сбои, особенно когда передается много данных (то есть, непрерывные контроллеры, такие как педали громкости и контроллеры дыхания).
Триггеринг ударных не требует огромного количества данных MIDI, но все согласны, что удаление ненужных переменных - это большой плюс. Виртуальные инструменты всегда были главной причиной сбоев DAW в моем случае, с их потоковой передачей данных, буферизацией, мультиобразцами, встроенными функциями, шикарными интерфейсами и т. д. Более того, они добавляют зависимости к вашей сессии: не каждый звукорежиссер имеет такие же именно звуковые библиотеки, как у вас!
Я бы предложил вам использовать весь MIDI, который вам нравится, во время вашего производственного этапа, потому что тогда вам нужно реализовать ваши идеи в кратчайшие сроки. Затем, когда ваш трек будет готов, даже если он еще не готов к микшированию, зафиксируйте ваши выборы и отпечатайте эти образцы.
Легче всего создать новый аудиотрек (моно или стерео в зависимости от ваших нужд), а затем установить его вход на шину, а затем направить выход вашего виртуального инструмента на эту шину. Сделайте это для каждого виртуального инструмента, и вы сможете эффективно отпечатать каждый из них в отдельном треке с одного прохода.
Если вы не используете полноценную звуковую библиотеку для своих ударных образцов и вместо этого используете плагины, которые выполняют замену в реальном времени, я все равно бы рекомендовал этот шаг перед тем, как перейти к микшированию. Причина в том, что это хорошая практика - избавиться от любой зависимости в вашей сессии, чтобы облегчить её открытие звукорежиссером, не рискуя странными сообщениями об ошибках (которые могут привести к потере целой сессии на часах!).
2 - Дважды проверьте выравнивание
Теперь, когда у нас есть все аудиотреки, мы относительно в безопасности. Нам больше не нужно беспокоиться о виртуальных инструментах, MIDI интерфейсах, буферизации, пиках ЦП или аудио-гремлинах, но путь, который нас ждет, все равно приведет нас в опасные пустоши.
Мы знаем, что ударные образцы теперь написаны в камне (то есть в аудиофайле), но у нас нет информации о том, как триггер решил разместить сам образец. Поскольку каждый удар вашего ударника уникален, нет гарантии, что триггер поместит ваш образец на одно и то же место каждый раз. Опытные продюсеры и инженеры учатся работать с определенными триггерами и привыкли знать их общее поведение. Но поскольку никто не рождается экспертом, лучше дважды проверить.
Ничто не сравнится с прослушиванием ваших акустических И триггерных треков в соло. Скажем, вы добавили два образца к вашим ударным трекам: один для бас-барабана, а другой для малого барабана. Поставьте оба - и бочку, и малый барабан (с их образцами) в соло и прослушайте их:
- Звучит ли бочка "глубоко", всегда одинаково? Теряет ли она свою основу в некоторых частях (например, когда ударник играет мягче)?
- Звучит ли ваш малый барабан резким каждый раз? Имеет ли он одно и то же тело?
- Имеют ли бочка и малый барабан случайные фламы?
Если вы слышите проблемы, значит, проблемы и есть.
“Но... все звучало хорошо, когда мы выбрали образцы, несколько недель назад!” Что ж, это обычная практика - выбирать образцы на основе конкретной части (например, куплета), а затем забывать перепроверить всю сессию. Триггер или виртуальный инструмент, который “определяет” хорошо в куплете, может потерять это на другой части, такой как более мягкий переход.
Нежелательные фламы, безусловно, плохи, так как они вводят искусственный, очень быстрый двойной удар, который не имеет никакого намеренного использования для вас. Когда различия в выравнивании становятся меньше, внимательное прослушивание выявит изменение в нижней части или теле инструментов, вызванное отменой фазы.
Лично я не удовлетворен таким результатом, и причина проста: если я занимаюсь трудностями добавления таких вещей, как триггерные образцы в мою сессию, это должно быть хорошо и вести себя именно так, как я хочу: нет смысла тратить время на эквализацию и компрессию бас-барабана, чтобы получить идеальный звук, если сам источник меняется в фазе и характере с каждым ударом или разделом песни.
К счастью для нас, современные DAW подразумевают варианты концепции Pro Tools “упругого времени”, которые позволяют нам легко адаптировать один трек к другому.
3 - Небольшая настройка имеет большое значение
На этом этапе мы сделали все возможное: у нас хорошие звукозаписывающие ударные, хорошие образцы, нам нравятся их отношения, и мы убедились, что нет основной проблемы с триггерингом. Так что мы ДУМАЕМ, что можем начать микширование... что означает, что мы моментально испытываем желание оградить, высокочастотить, эквализировать и компрессировать все с помощью последних плагинов в нашем арсенале (или аппаратуры, если вы в этом роде).
Научиться противостоять этому желанию и сосредоточиться на чем-то другом было для меня одним из лучших личных улучшений как звукорежиссера, безусловно. Вместо того чтобы хвататься за свои любимые плагины, я обычно трачу 5-10 минут на то, чтобы сосредоточиться на:
Временное выравнивание: помните, когда мы убедились, что все образцы выровнены с оригинальным источником таким же образом? Это было время, потраченное с пользой, потому что теперь мы можем создать смещение с помощью чего-то вроде очень простого плагина задержки, установленного на 100% WET, без обратной связи или каких-либо наворотов, просто задержка в миллисекундах (еще лучше - в десятых долях миллисекунды!). Возьмите образец удара и начните добавлять задержка небольшими шагами, даже 1-2 миллисекунды могут иметь значение! Вы можете найти точку, где два звука не совпадают, но создают тон, который вам нравится. Теперь вы знаете, что у вас есть систематическое несоответствие, которое постоянно дает желаемый результат, вместо того чтобы просто ориентироваться на что-то “приблизительно так”. Ваш эквалайзер поблагодарит вас!
Корреляция фазы: начните изменять фазу своих образцов... слышите ли вы, как бас-барабан становится глубже внизу? Или тоньше? Имеет ли он носовой звук? Потерял носовой звук?
Как только вы убедитесь в следующем, подождите перед тем, как праздновать: проверили ли вы все в сравнении с другими микрофонами (овер-хады, микрофоны в комнате и т. д.)? Сделайте это, и если вы почувствуете, что что-то снова становится глухим, носовым, мутным, слишком глубоким, слишком тонким и, в общем, “не так, как хотите”, вернитесь назад и начните настраивать вещи по одной, слушая все микрофоны.
Что-то абсолютно блестящее, с чем я никогда не расстанусь в таких ситуациях, это инструмент выравнивания фазы Little Labs IPB, выполненный в форме плагина от Universal Audio. Эта маленькая утилита имеет все: вы можете добавлять задержку и изменять полярность, но вы также можете плавно изменять степень от 0 (нормальная полярность) до 180 градусов (обратная полярность). Удивительно, что можно достигнуть, лишь перемещая фазу на 10 градусов или что-то подобное, и это идет намного дальше, чем то, что вы можете достичь, эквализируя свои треки.
4 - Научитесь, когда разделять, а когда объединять
Наконец, как вы обрабатываете свои ударные? Отдельно, добиваясь лучшего из каждого трека? Или в целом, обрабатывая их на шине? Вы должны уметь делать то и другое и различать, когда действовать на отдельные элементы, а когда на целое. Позвольте своим ушам подсказать вам, куда идти... а чтобы они это делали… вам нужно их тренировать:
Отличный способ сделать это - экспериментировать и слушать: возьмите, например, бас-барабан, состоящий из двух треков, одной реальной записи внутренней части бас-барабана и добавленного образца. Какие сильные компоненты каждого? Скажем, внутренности предназначены для того, чтобы дать вам мясистый, картонный реальный "кожа против мембраны" звук, а образец используется, чтобы получить этот постоянный, контролируемый суб и этот резкий край, который пробивается через плотный микс.
- Высокочастотьте низкие частоты на реальном бас-барабане... чувствуете ли вы, что звук в целом становится глубже, более суббасовым и плотнее внизу? Или он становится тоньше?
- Выбирайте средние частоты на образце... становится ли бас-барабан яснее, меньшей маскировкой в звучании всего микса и более четким? Или он теряет тело и "верхнюю грудь"?
Это примеры обработки отдельных треков. Не бойтесь оставить все как есть, если ни один из экспериментов вас не устраивает. Возможно, вы вполне удовлетворены бас-барабаном таким, какой он есть!
Теперь поработайте над шиной бас-барабана:
- Увеличьте высокие середины около 4-5 кГц... становится ли бас-барабан немного резче и характернее? Или становится немного слишком странным и искусственным?
- Сожмите шину с вашим любимым компрессором... звучит ли бас-барабан более “вместе” и согласованно? Или теряет нижние частоты и присутствие?
С небольшим экспериментированием вы начнете понимать, что вам нужно делать, чтобы решить конкретную проблему в вашей сессии. И с течением времени, чем больше вы смешиваете, тем больше вы будете знать, что делать за считанные секунды.
5 - Давайте будем практичными.
Вот отрывок из записи, которую я сделал в Fuseroom. Оригинальная сессия включает около 10 микрофонов на ударной установке, но я намеренно удалил все, кроме внутренней части бас-барабана и верхней части малого барабана. Затем я также добавил оверхеды и моно микрофон комнаты, чтобы продемонстрировать, как образцы могут быть отличными для улучшения... но ничто не заменит настоящего воздуха, настоящих ударных и настоящих микрофонов.
Фильтры RS W2377 и W2395, использованные в последнем примере
Вышеуказанные шаги всегда помогали мне довести сессию с зависимостью от образцов до звучания “готово” так, как это было невозможно раньше. Иметь что-то, что звучит великолепно без обработки (или с минимальной) - это фантастическое чувство для каждого звукорежиссера... но это также здорово для слушателя, ведь ничто не заменит естественную гармонию множества частей, работающих вместе без усилий. Сколько раз вы накладывали плагины один на другой, стремясь достичь определенного звука и безнадежно проваливаясь после часов возни? Я знаю, что был в такой ситуации.
Если вы сможете быстрее и эффективнее достигнуть желаемого звука, вы будете счастливее, ваш DAW будет потреблять меньше энергии, планета станет зеленее, а в итоге у вас будет больше времени, чтобы выйти и поиграть в футбол с друзьями!
Альберто.
Альберто Риццо Скеттино - пианист, синтезаторщик, звукорежиссер и часть семьи Puremix с 2013 года. Он владелец Fuseroom Recording Studio в Берлине и также работает как специалист по продуктам для некоторых из лучших брендов в области аудиотехники высокого качества.
Студия звукозаписи Fuseroom: http://www.fuseroom.com
Веб-сайт Альберто: http://www.albertorizzoschettino.net
