Моя дочь, которая растет в студии звукозаписи и, таким образом, имеет довольно веселую и необычную игровую площадку, на днях серьезно спросила меня, какая моя любимая песня.
Сложный вопрос.
“Любимая на каком уровне?” — спросил я. “На этапе написания, продюсирования, исполнения, записи, сведения, мастеринга?” Ей было все равно, ей просто хотелось узнать, какая моя любимая песня.
Я немного растерялся.
Как можно исключить все другие крутые песни, которые прекрасны по веским причинам, чтобы выбрать одну из них как Королеву всех песен? (Песни — это дамы, верно?)
Я мог бы назвать любую из песен, представленных в pureMix MixChecks, своей любимой по той или иной причине, но потом я бы подумал о других песнях, которые я люблю по другим причинам, и не мог бы выбрать.
Может быть, это одна из моих проектов? Может быть, это классика? Может быть, это инструментальная музыка? Может быть, это песня Бритни Спирс?
Как можно решить?
На самом деле, это очень важный и увлекательный вопрос. Не для ответа, конечно, а для принципов, которые подводят нас к ответу. Как мы оцениваем качество музыки, её влияние и ценность? Как создателям музыки важно осознавать, что заставляет наш мир двигаться.
Прежде всего, стоит отметить, что рейтинг и предпочтения в музыке у обычных людей (обычные люди — это те, кто не участвует в процессе создания музыки) работают совершенно иначе. Обычным людям абсолютно все равно на продюсирование, сведение и уж точно не на мастеринг. Им интересно, о чем поет человек (за исключением, может быть, инструментальной музыки), им важно, как это ощущается, а точнее, как это заставляет их чувствовать. Часто то, как обычный человек воспринимает песню, связано с тем, что он делал, когда впервые услышал эту песню. Есть много фанатов Хулио Иглесиаса, которые помнят свой первый поцелуй под мелодию «To All The Girls I’ve Loved Before», и они навсегда, так или иначе, будут связаны с этой песней. Удивительно, не правда ли?
Мы, находясь в trenches, имеем очень искаженную систему оценки музыки. Поднимите руку, если вы когда-либо слушали целую песню и не могли сказать, о чем она, потому что все три минуты сорок три секунды пытались разобраться, были ли там настоящие ударные или программируемые ударные. Вы можете опустить руки.
Можно с уверенностью сказать, что, слишком сильно сосредоточившись на всех отдельных элементах и деталях, которые составляют отличную запись, мы можем потерять из виду самую важную часть всего процесса:
что люди почувствуют, когда они услышат результат.
Хотя можно с уверенностью сказать, что каждый шаг процесса вносит свой вклад в окончательное воздействие на наших слушателей, включая мастеринг, я лично считаю, что есть основное качество у великого музыкального произведения, которое превосходит форму.
Поэтому, после первоначального шока от того, что меня поставили на место в знакомой обстановке музыкальных экспериментов, мой ответ на вопрос ребенка пришел ко мне легко:
“Павана для мертвой инфанты.”
Что? Спросила Лилу, inquisitor.
Тогда я включил ее на виниле, очень громко на больших колонках.
Ей понравилось.
Это действительно мое любимое музыкальное произведение. Не потому что оно французское. Ванесса Паради тоже французская, и мне совершенно все равно на ее музыку, так что вот. Павана — мое любимое музыкальное произведение, потому что, независимо от того, где я ее слышу или какую аранжировку, запись, версию я слышу, я чувствую что-то сильное. Не привязано ни к первому поцелую, ни к прекрасному пейзажу, ни к ностальгии по вдохновляющему музыкальному учителю. Она просто трогает меня сама по себе. Никакое другое произведение не может сравниться с генерацией таких сильных эмоций. Это мое любимое.
Мне это интересно с профессиональной точки зрения. Что делает его таким?
Позвольте мне рассказать вам об этом, и мы можем наблюдать силу версий в процессе. Если мы проанализируем версии, мы сможем предположить, в чем суть: что-то общее для всех версий — это то, что заставляет эту бомбу срабатывать. По крайней мере, так сказал мой учитель физики.
Павану написал Морис Равель в возрасте 24 лет. Он написал ее как произведение для фортепиано. Никому не было дела. Это была просто еще одна фортепианная композиция накануне двадцатого века. Она осталась совершенно незамеченной. Помните свою первую композицию?
Сообщается, что друг Равеля сыграл ее на концерте через пару лет, и люди в Париже сошли с ума.
В то время не было Nickelodeon или Игры Престолов, так что эмоции были трудно добываемы, но все же, кто-то, сев за фортепиано, вызвал столько эмоций, что новости об этом разнеслись. Ни Фейсбука, ни Твиттера, ни СМС, ни радио — ничего. Словом, из уст в уста. Органическое распространение.
Подумайте об этом.
Давайте немного послушаем. Для этой части нашей программы было бы лучше, если бы вы сосредоточились исключительно на музыке. Закройте все остальные вкладки и давайте сосредоточимся на несколько минут. Вы должны быть В этом, чтобы быть в этом.
Наушники и приглушенный свет — отличная идея. Кот, спящий у вас на коленях, тоже помогает сосредоточиться (если у вас нет на него аллергии).
Сначала версия оригинального фортепианного произведения Шуры Черкасского:
https://youtube.com/watch?v=MPZROBIFHWY
Что-то почувствовали? У вас был кот на коленях?
Разве это не фантастическая концентрация духа?
Вот версия, достаточно уныло исполненная самим Равелем. (Как они это сделали? Что ж, Равель играл, и сделали фортепианные ленточные записи пока он играл, а потом кто-то нашел эту запись и записал ее позже, когда запись была изобретена. Здорово.)
https://youtube.com/watch?v=tn6_yT9SKpM
Она бессильная и академическая, он делает ошибки, но все равно это работает. Ключевые моменты по-прежнему вызывают эмоции, даже если сам композитор играет так, будто читает ноты. Суть произведения так настроена на что-то в нас, что она преодолела время и культуры. Эта мелодия и аккордная комбинация трогают людей. Я не знаю, как насчет других видов, но вы могли бы спросить кота на ваших коленях. (У меня на него аллергия).
Поскольку эта версия менее эмоционально вовлечена, легче сосредоточиться на форме и написании, а не на их эффектах. Оказывается, это простая a/b/a/c/a мелодия.
В версии Равеля первая A длится с начала до 0:59, B до 2:05, где начинается вторая A. C появляется в 3:02, принося ультра импрессионистскую атмосферу (подумайте о лилиях Моне) до последней A в 4:34.
Обратите внимание на все параллельные квинты, которые в то время были воплощением табу (негатив в французском языке). Это было строго запрещено. И подумать только, он написал это, будучи студентом композитором у самого мастера: Габриэля Форе. Морис был настоящим бунтарем. Ололала.
Через десять лет после того, как эта песня сделала его знаменитым, Равель решил оркестровать свое собственное произведение. Он переписал его для 2 флейт, гобоя, 2 кларнета, двух фаготов, двух валторн, одной арфы и струнных.
Вот отличная версия, дирижируемая Баренбоймом:
https://youtube.com/watch?v=B45q0caSS0Y
Пролистайте видео вне рамки, чтобы вас не отвлекало движущееся изображение.
Или послушайте эту версию вместо этого (гобой немного громковат, и есть несколько неловких моментов, но это все равно работает достаточно хорошо):
https://open.spotify.com/track/6yqTnphKZO96WNareeFkav
Как вы себя чувствуете сейчас? Разве это не удивительно? Как это произведение воспринялось вами?
Как бы вы описали разные чувства, связанные с разными версиями?
Музыка одна и та же. Основное чувство — одно и то же, но цвета разные.
Интересно, не правда ли?
Для меня основное преимущество оркестровой версии — это способность оркестра окрашивать ту же мелодию по-разному каждый раз. Фортепиано не может этого сделать. Как вам флейта + гобой в начале второго A? Круто, правда?
Одно из вещей, которое лучше всего звучит в фортепианной версии, это два всплеска в середине секций A. Шура Черкасский делает это лучше всего в 0:36 и 3:00 в своей версии. Я чувствую, что арфа не добавляет то же ощущение восхода солнца к этой линии, что и оригинальная фортепианная версия. Но я придирчив, если честно, я не могу устоять перед оркестровой версией, особенно видением Баренбойма. Мне никогда не доводилось видеть Баренбойма дирижировать живьем, но несколько лет назад я был в Карнеги-Холле на концерте Орфея, и они сыграли это. Я был с друзьями. В конце семи минутного произведения (они играли это очень медленно) все мои друзья повернулись ко мне с обеспокоенными лицами и спросили, что со мной не так. Я не заметил, что я плакал почти всю его длину. Это было сильнее меня. Ужасно стыдно, но очень поучительно. Конечно, я немедленно вернулся к состоянию trenches и задал себе вопрос: Как я могу сделать так, чтобы это происходило чаще с музыкой, которую я создаю? Что делает это таким сильным?
Я все еще ищу окончательный ответ, но я думаю, что важно, чтобы нам, создателям музыки, помнить, что нужно забыть о новом LA12-34-STEREO или винтажном XYZ моно и сосредоточиться на том, есть ли у того, что только что вышло из наших динамиков, возможность заставить нас и нашу аудиторию плакать или смеяться, злиться, испытывать тревогу или дзен, или хотеть танцевать или чувствовать что угодно вообще.
Итак, какая ваша любимая песня?
- Фаб Дюпон
PS, Павана была адаптирована в разных вариантах. Некоторые адаптации были особенно выдающимися интерпретациями оригинальной сути с дикой инструментовкой. Некоторые были просто частью мелодии Паваны, превращенной в другие песни.
Например, песня The Lamp Is Low фактически заимствует мелодию B-части. И Равелю приписывают авторство. Вот версия от Дорис Дэй с изысканным вкусом.
https://youtube.com/watch?v=xyn7-f7fNC8
Могу поспорить, на эту песню были много первых поцелуев.
И вам стоит поискать мелодию, скрытую в потрясающей реармонизации в этой абсолютно безумной живой версии трио Оскара Питерсона. С немецким комментарием, не меньше:
https://youtube.com/watch?v=Z9Qi298TlQc
Как вы себя почувствовали, кроме желания пойти потренироваться?
