有些乐队擅长自我重塑。尤其是当你长期成功时，这很难做到。保持对粉丝的认同感而不让他们感到惊讶的压力是巨大的。可能会有很多人依赖于持续的某种熟悉的声音的成功。这也是为什么当我第一次在驾车经过美国偏僻小路时，听到Madness这首歌时，我脑海中最后想到的是这是Muse的新单曲。它太好听了，以至于我当场在路边停下来，打开Soundhound我的手机，想在歌唱完之前弄清楚这是什么（开车请勿发短信）。
在这里收听：
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj
这是一首非常有趣的曲目，除了它听起来与通常的Muse作品不同。它是我所称的“压力锅”。它会在很长一段时间内酝酿，直到提供必要的释放心情。它的结构并不是常见的以广播为主的主歌/副歌-主歌/副歌，而是主歌/副歌，值得注意的是这种结构在广播歌曲中并不常见。如果你在第一次聆听时仔细听，你会注意到没有一个大的重复部分作为副歌，反而旋律钩子是贯穿始终的，并且频繁回归。在一个4小节的引子后，主歌由2个8小节完全相同的循环组成，随后是一个8小节的B段（以“你需要什么”结束）。吉他独奏取代了第3段主歌的前16小节（使用相同的和声循环），然后B段升华并最终发力。这个部分重复了8次，接着转变为一种桥段（同样的音乐伴奏，旋律和歌词不同）在两次循环后结束。最后是对主歌中最具标志性的部分的重复，那就是海滩男孩式的“mamamamamamaaaaa”。
背景信息：主歌/副歌的“副歌”部分通常是在主歌结束时重复的单行或单词。（去听听鲍勃·迪伦的《Blowing in the Wind》或《The Times They Are a-Changin'》）有时作曲者使用主歌副歌结构，但会在副歌的线条位置上做文章（去听听一支优秀的英国乐队——披头士的《Yesterday》.. 这会是一个明确的例子。提示：副歌是“yesterday”）如果你对主歌/副歌和主歌副歌的区别感到困惑，可以听听《Yesterday》，然后立刻听《Yellow Submarine》（同一支英国乐队，不同专辑）..这会帮助你。
在这首歌中，副歌是一种由“mamamamamamama”的海滩男孩风格和伴奏中节奏的头韵组合而成。很有趣。注意到旋律仅在歌曲的最后一段全方位响起“madness”这个词。这很棒。
从制作的角度来看，这里有很多皇后乐队的元素和乔治·迈克尔的风格（不相信我？去听听Faith和I Want To Break Free回顾一下）。我觉得制作的效果令人印象深刻，考虑到它的简单性。主歌是建立在几个合成器贝斯（立体声分布）的基础上，配上一个鼓声和拍手/小军鼓音效，当然还有副歌/旋律。在主歌的中间，一段单音、光亮的音效增强了这一段，并在它撤退时标志着这一段的结束。纯粹而优雅。这很难做到。没有细分，没有高帽，没有摇动器，只有两个鼓和贝斯（细分的感觉在贝斯中存在，但仍然）。
在第二首歌系统中（“歌曲系统”是指一个主歌/副歌的组合），吉他来双倍伴奏贝斯旋律，皇后乐队式的背景和声也进来，提升了整体效果。真正的和弦在数字马林巴合成器音色中以及时进入，我们在浏览音色预设时总是跳过的（在这里工作得很好）。注意逆向钢琴音符突然出现，标志着过渡到B段（又是一个皇后乐队的参考，去听听Another One Bites the Dust）。很酷的东西。
吉他独奏纯粹是布莱恩·梅的风格，近似《We Will Rock You》。它被完美地双重编排，这说明它是经过仔细创作的。注意一下左右声道之间声音和表现上的差异，这营造出了有趣的音质。同时注意到人声旋律仍然留在其中以娱乐你，同时吉他发挥其能量。当B段再次推出时，它基本上与之前的编排相同，只是细分加入了摇动器声和一些“oooooo”的人声来填充。花点时间在这段B段和之前的部分之间来回比对，看看细分的加入给音乐带来了多大的不同。很疯狂，不是吗？还要注意小军鼓的位置和角色的变化。看到音效层推着小军鼓从超明显的前置中心位置移到一个更为模糊的“背景位置”。重音保持不变。你喜欢这种变化吗？你注意到了吗？
B段通过新的声线和不同的情感释放出转变为桥段。（“来我这里...来救救我”），但音乐本质上保持不变。请注意在汤姆鼓填充后，左侧的高帽模式上升，标志着桥段的开始。
桥段瞬间转变为结束部分，只有副歌和期待已久的闭合。值得注意的是，大多数带有桥段的主歌/副歌歌曲通常将桥段用作暂停，以分隔第二和第三段主歌/副歌，以避免连续听到三个相同的歌曲系统。在这个特定的案例中，作曲者们拉长了第三段主歌的B段，并将其扩展为桥段，没有计划再回到另一段主歌。他们通过将其转变为吉他独奏来规避第三段主歌的单调。为什么不呢？这奏效了。在这段桥段之后再回到完整的主歌会显得过于冗余。而且他可能在那时已经说完了他想说的话。他本可以选择在一个主歌部分表达他在桥段中讲述的内容，但他可能觉得桥段的史诗般的音效更能传达他想传达的情感。（再听一遍）
在混音方面，看到斯派克·斯特恩在这里的工作是很有教育意义的。主歌感觉干净透彻。对吧？实际上，主唱的某种短延迟和两个贝斯的相互作用创造了空间，但没有延续感。与此形成对比的是，合成器音效显得湿润，让人感觉它被置于其余背景之下。小军鼓和重音干燥。（注意蹬鞋的混音并不特别响亮）。在第二段主歌中，吉他也是干燥的。背景和声同样如此。马林巴音效也显得干涩。这是有原因的。一切都显得非常亲密和真切。基调已定，压力正在增加。还有很多空间可以发挥。在第三段主歌/吉他独奏中发生了什么？没错，他对鼓声进行了开尾混响的处理。为即将到来的B段的声音场变化做准备。
然后当B段到达时，整个湿感与干燥的比例发生了变化。这是一个特别关键和困难的部分。当它被如此多的元素包围时，很难保持人声的干燥。因此，如果你仔细听，你会听到混响和延迟出现在人声上，但它们是非常微妙的，所以你不会被叙述拉出来，歌手的视角和情感不太改变。其他所有部分都占据了大量的空间（尤其是背景和声），保持主唱的干燥感。我觉得很惊人的是，即使是斯派克·斯特恩也无法在这个部分以与主歌相同的方式保持鼓声的显著性。当环境剧烈变化时，保持这种类型的鼓声的存在是非常困难的。围绕它们的持久元素吸走了所有空气，并使它们感觉更小、更弱，而增加混响以对抗这种感觉又将它们在混音中推到后面。这是至高无上的斗争，也是重层混音往往听起来不如轻薄、稀疏制作的原因。但斯派克·斯特恩是当今最优秀的混音师之一，那么你怎么看？这种音质变化是美学选择吗？还是这是一个“他能用给他元素中最好的处理方式”的情况？你会做什么不同的事情？
最后，这些都是很好的学习材料。整个专辑也很精彩，因为它为你提供了学习三位著名混音师之间的哲学和音效差异的机会。斯派克·斯特恩、克里斯·洛德·阿尔吉和里奇·科斯提（都由泰德·詹森掌控）。我建议你完整听一遍专辑，并记下你最喜欢的混音在你查找谁做了什么之前。不要作弊。这是一个很好的练习，也是形成品位的好方法。
干杯，
法布
