这次的MixCheck是一个怀旧时刻。在80年代初，杰出的奎西·琼斯发布了一张名为The Dude的单曲专辑。那时他已经接近四十岁，几乎实现了音乐人和制作人所能梦想的一切，完全没有想到在接下来的一年，他会因为制作迈克尔·杰克逊的《颤栗》专辑而变得更加传奇。
分析当时A-Team的辛勤工作成果（奎西、布鲁斯·斯威迪恩、迈克尔·杰克逊、詹姆斯·英格拉姆、史蒂夫·汪达、罗德·坦普顿、帕蒂·奥斯汀、路易斯·约翰逊、约翰·罗宾逊、格雷格·菲林根斯、保林霍·达·科斯塔、迈克尔·博迪克等……）并将其与现代美学进行比较是非常有趣的。见证这些唱片对现代唱片的影响，那些借用的细节和被窃取的创意，更是令人着迷。
《The Dude》是专辑中的第二首曲目。首先引人注目的是它的时长：5.38分钟。在如今这是个稀有现象。请记住，这整张专辑都是在磁带和混音台上制作的，没有接触过节拍编辑或任何形式的调整。每一个效果都是通过硬件设置实现的，并且很可能在不同的轨道之间共享，更重要的是，您听到的所有内容实际上都是这样演奏的。这意味着那位鼓手、贝斯手和键盘手能够在没有电子帮助的情况下演奏出如此美妙的音乐。（这也是为何当您阅读那个时代的演奏者名单时，名字总是反复出现。如果您雇佣了那支团队，您就能拥有一个不需要费力就能流畅的记录）。这也意味着键盘手在整首歌中演奏了那个沃尔兹旋律，没有循环，没有任何飞速的东西。请带着这样的想法去听整首曲目，并反思我们是否真的有进步。
在这里收听：
iTunes： https://itunes.apple.com/us/album/the-dude/id353173
Spotify： http://open.spotify.com/track/77y6skfj4H6MyZz5ZO5eIy/a>
注意那些不同寻常的结构和对各部分的自由诠释。有两个前奏，每个段落由两个小段组成，还有一个乐器铜管打断多次以不同形式出现，副歌要么是唱的，要么是乐器演奏，或者两者都有，桥段则是史蒂夫·汪达的键盘独奏夹在女性合唱与段落之间，然后又自由即兴。几乎没有一种适合广播的传统结构。
段落由女性合唱引入，然后詹姆斯·英格拉姆演唱。每次，除了第三段，他没有温柔的启动（合唱部分在第四段前确实唱了一个像桥段的旋律，但部分不同）。第三段是第一段b的重复，但直接进入副歌，而没有经过铜管的间歇和另一段说唱。
歌曲结构
- 前奏。（吉他和填充）
- 前奏2（带段落的律动）
- 第一段a（女性合唱）
- 第一段b（詹姆斯·英格拉姆）
- 铜管打断
- 奎西的说唱段落
- 带伴声的副歌。
- 重新前奏
- 第二段a（女性合唱）
- 第二段b（詹姆斯·英格拉姆）
- 铜管打断2
- 说唱段落2
- 副歌（用次中音萨克斯代替主声）
- 桥段式的声乐旋律。
- 键盘独奏。谢谢你，史蒂夫。
- 铜管打断3（比之前的两倍长）
- 桥段式声乐
- 再次旋律
- 第三段（詹姆斯·英格拉姆）
- 带伴声的副歌和回应的副歌，詹姆斯·英格拉姆的即兴发挥
- 伴奏副歌，带有即兴和回应
- 渐弱
如果你仅仅是听而没有仔细注意，这似乎并不复杂，但它总是在演变，因此即便大部分是一种和弦的口袋乐段，它依然保持了趣味性。谁知道呢？
一些音乐上有趣的细节让我不断回到这首曲目的，除了极其出色的演奏和歌唱，还有那些松散的乐器部分。它们是部分，但演奏者们随机地进行演绎、即兴和点缀，这在我们几乎完全失去的复制粘贴时代留下了印记。专注于鼓的律动也非常有启发性。整个平衡实际上是通过牛铃来实现的。保林霍·达·科斯塔在几乎每个四分之一音符上都演奏着看似中等大小的牛铃（去验证一下，我会等你）。当他停止时，整首曲目的动感也随之停止。这不是很神奇吗？（在某些时刻你能听到他拨动八分音符，只是为了证明他依然活跃。你还会听到牛铃和小军鼓的轻击数次）。我还喜欢那低音的大立体钢琴音符，只有在开头和桥段中来一次，来点缀那个弹拨低音的旋律。让我想知道那个轨道上还有什么与钢琴一起合作的部分。此外，请记住，在那个时候，拍手确实是由人拍打而成的。写起来似乎简单，但要让一群音乐家在拍手间安静下来并得到恰到好处的声音并不容易。（试试在你的下一首歌中，而不是使用样本，给我寄张明信片），他们掌握得很好，无论是节奏还是声音。注意到它们从轨道一开始以较轻的方式出现（拍手的人较少），但在副歌中又变得强烈。
在此之际，研究副歌中主唱、背景和声、铜管、键盘旋律和弹拨低音之间的对比是个不错的主意。这是一个紧密的写作和编排，与完美的执行。
另外值得注意的细节是，在段落中使用了一个声码器（比达夫·庞克早了30年）作为回应，奎西在曲目中说唱。这是在1980年左右，嘻哈刚刚从纽约起步，绝对不是一种主流风格。奎西在一张主流专辑中这样做是很大胆的。这显示出奎西·琼斯在他职业生涯中对音乐趋势的敏锐把握和超前认识。
在音色上，第一件应该触动你的事是声音并不是特别浑厚，不是吗？（去和大攻击乐队的《Angel》比较一下，或是像Jay-Z的《Tom Ford》这样的现代曲目，我们再来谈谈）。
这是为什么呢？因为这些是真实的乐器，没有任何底音伪装的特效（那些效果在那个时候不存在，或者只是处于初期阶段）。真正的低音鼓不会录得像808低音鼓那样的磨厚，除非你使用技术来实现这一点。（去听听你在排练室的鼓手，报告一下。砰。砰。砰）。
在那个时代，低音吉他的声音通常比低音鼓更饱满，正如在这首曲目中一样，因为这是从真正乐器中得到的声音。顺便说一句，留意一下低音的音量。它是圆润而均衡的，是整首曲目的中心。这可能是那个时代最饱满的声音之一，这在当时的那支团队中显然是可以预见的。通过严格的演奏、压缩和跟随运动，低音的音量大得惊人。注意低音与低音鼓之间的关系，这与今天的混音将会有很大不同。这种关系可能会反转。
还要注意副歌部分的拍手声是多么响亮，而当打击乐演奏时，鼓的音色又是多么薄弱。所有这些都是时间戳的音色，但要充分理解混音的美学选择，最好在像“Auratones”这样的低音箱上进行收听。你会发现，所有东西在那里都显得合理。即使是低音。如果布鲁斯·斯威迪恩今天来混音，那将会大不相同。（不过在“Auratones”上可能依然好听）
在谈到级别时，请注意人声水平。在副歌的人声中尤其明显。注意到它们相比于现代标准是多么谦逊。几乎像是乐器部分的状态。女性合唱对主唱的回应也是如此。大多数人声被推得相当靠后。说唱稍微响亮些。也带有混响。这很有趣，尤其在今天很少听到。其实大多数人声共享那种长的板式混响，以及拍手声、次中音铜管和主吉他。可能是EMT140。去看看吧。（如果你有条件，可以试着在单声道下听混音，观察混响大幅减少）
吉他保持相当薄，而且移到两侧，以避免与瓦尔兹旋律的冲突。即使是立体声部分，比如前奏或桥段的准独奏也是实际上是单声道录音，并带有短的延迟，相位相反。这使得声音宽广，节省了一条磁带机的轨道（嘿，他们当时只需为那一次的钢琴部分留出空间），并在中间腾出了空间。旁边的其他乐器是铜管，非常接近地球、风和火的精神，恰好提升了副歌。它们非常响亮，声音甚至比人声更突出。有趣的是，他们在最后的两个副歌部分中并没有演奏，直到渐弱时才回归，并引入新的部分。很酷。
这首曲目的另一个有趣之处在于似乎发生了的拼接工作。在数字编辑之前，复制粘贴意味着把剪刀放在一段磁带上，按照想要的地方粘回去。经历过才会知其美（我预测，当你尝试在2英寸磁带母带上编辑时，你会少很多在DAW上的咒骂）。
听听第一个前奏（也就是段落律动进来之前的那段）。注意鼓声是多么不同（更黑暗）以及人声是多么不同。我猜这是歌曲的另一个部分（如果你听听吉他的声音，可能是桥段的一部分，或可能是另一首歌），并且是作为粗略或最终混音的部分混合到两条音轨中的。在另一个点上，有人把这部分切掉（可能是为了加入史蒂夫的独奏键盘），而那段磁带被修复，并最终作为第一个前奏加入。检查一下律动开始时的切入点。砰。
第一个铜管打断结束时的另一个有趣编辑是，混响的尾声突然消失。那真是个严肃的剪辑。如今这样可以吗？
另一处有趣的细节可以在曲目接近尾声时听到，当副歌重复而詹姆斯·英格拉姆加入即兴演唱时。听听“没人在外面”的“外面”这个词。那是什么？？我认为这是一个稍微晚了一拍的推进（磁带机并没有即时推进的能力，有时它们工作得有点懒惰，推进是一种艺术形式），所以在那一瞬间，你会听到原始录音和插入部分争夺注意力。因此你就得到了，一个在30年前就有的音调扭动。这些人显然选择保留这一点，因为他们觉得这并不重要。这其中也有一个教训。
总的来说，这首曲目是一个技能特宝库。需要仔细听十几遍才能完全理解节奏的来源，那种非常不寻常的平衡选择、疯狂的结构和声乐编排，以及试图将其与许多受其启发的曲目连接起来。
专辑中其他惊人的口袋乐段包括《Betcha Wouldn’t Hurt Me》和《Ai No Corrida》。每首仅需1.29美元，非常值得。
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