Nennen wir die Dinge beim Namen: 2016 war beschissen. Keine besonders gute Zusammenstellung von Monaten.
Wir verloren Prince, Maurice White, George Michael, Leonard Cohen, Keith Emerson, Glenn Frey, Gene Wilder, Carrie Fisher. Wir hatten Erdbeben, US-Wahlen, eskalierende Kriege, Fifth Harmony, globale CO2-Werte, die zu Zeiten des Jahres über 400 ppm lagen, die normalerweise mit den Mindestwerten verbunden sind, mehr Terroranschläge, als es Feiertage im öffentlichen Schulsystem des Bundesstaates New York gibt, und vor allem Plagen,
Wir haben Bowie verloren.
Wo ist die UNDO-Taste? Warum Bowie statt zum Beispiel Ted Nugent? Ich kann mir keinen guten Grund vorstellen. Abgesehen davon, dass Verluste wie dieser schmerzhafte Erinnerungen sind, jeden Tag zu nutzen, sind sie auch Gelegenheiten, darüber nachzudenken, was einen Künstler außergewöhnlich macht.
Im Fall Bowie war seine Fähigkeit, über Jahrzehnte musikalisch aktiv zu sein und stets den Strömungen und Moden voraus zu sein, ziemlich atemberaubend. Viele Generationen von Musikern, Produzenten und Ingenieuren entdeckten Bowie, der die Musik ihrer Zeit machte, egal wann ihre Zeit war. Nur wenige andere Künstler erreichten diese Leistung. Vielleicht die Stones, aber man könnte argumentieren, dass die letzten Alben nicht gerade weltbewegend waren. Bowie blieb bis zum Ende innovativ.
In diesem mit Spannung erwarteten Jahresende, das nebenbei bemerkt dadurch hervorsticht, dass Mariah Careys "All I Want For Christmas" wieder in den Billboard-Charts ist, dachte ich, es wäre interessant, die Bowie-Zeitmaschine zu befragen und darüber nachzudenken, was wahre Künstlerkraft ausmacht.
Wusstest du, dass David Bowies erste Platte aus dem Jahr 1967 stammt?
Wahrscheinlich nicht. Das ist ziemlich überraschend. Das ist der erste Song auf diesem Album, er heißt "Uncle Arthur"
Ist das nicht fantastisch? Hast du das Schlagzeug links und das Renaissance-Festival rechts ausgegraben?
Übrigens gibt es eine Monomix-Version genau dieses Takes:
Vergleich ruhig. Ist Stereo nicht wunderbar?
"Sell Me A Coat" ist auch ziemlich erstaunlich. Halb Weihnachtslied, halb "Eleanor Rigby".
Das ganze Album spiegelt sehr stark seine Zeit und die davor wider. Nichts wirklich vorausweisendes. Außer dass Bowie bereits Theatralik einfließen lässt ("We Are Hungry Men", "Join The Gang", "Please Mr Gravedigger") und seinen britischen Akzent durchscheinen lässt, was damals nicht selbstverständlich war und wohl Verhandlungen mit den Plattenbossen erforderte.
Man kann bereits Funken des zukünftigen Bowie-Gesangs und -Songwritings in Stücken wie "Little Bombardier" hören, doch insgesamt lernte Bowie noch, Songs zu schreiben, dachte aber bereits darüber nach, über die Grenzen dessen hinauszugehen, was innerhalb des damaligen Musikgeschäfts möglich war.
Und dann, nur zwei Jahre später, passierte das:
Boom. Das Schlagzeug ist noch links, aber der Rest ist Jahre vorausgesprungen. Man hört ernste Sergeant Pepper-Einflüsse, doch alles hat einen eigenartigen, persönlichen Ton. Es ist eine Odyssee mit vielen Teilen und Abschnitten, wilden Stereo-Mixes, verrückten Sounds und mutigen Moves wie dem Fade-in-Intro, mehreren Bridges, Tonartwechseln, gesprochenem Wort, Groove-Wechseln und Selbstharmonien.
Ist dir je das Saxophon gehaltene Note unter der Leadstimme in der ersten Strophe aufgefallen? Oder die Flötenfloskeln rechts und Violinenphrasen links während der ersten Bridge? Das verrückte Arp-Ensemble + Sax-Pads mono in der Mitte? Und diese Gitarren-Solo-Bridge mit dem Gitarrenriff — wie cool ist das?
Manche Leute würden einen ganzen Song nur auf so etwas aufbauen. (Keine Namen, Justin). Beachte die verrückt dröhnende/nah abgenommene Qualität der Gitarre. Und wie ist das Ende?
Das läuft immer noch täglich im Radio, 47 Jahre später. Von wegen voraus. Der Rest des Albums ist nicht so erreicht (außer vielleicht diesem), aber man hört, wie die Vision Form annimmt.
Ein Jahr später, und diejenigen von uns, die Platten unter Deadlines machen, wissen, wie aufwendig das sein kann, besonders vor der digitalen Technologie, schenkte uns Bowie dieses Album:
Beginnend mit einem 8-minütigen Song (Schlagzeug in Stereo, jawohl) und weiter zu experimentellen Sachen wie "All The Madmen" (scheint, als käme es direkt aus "Uncle Arthur" — mit mehr Drogen und weniger Kord).
Hör dir den drastischen Unterschied in der Präsenz des Schlagzeugs bei "Black Country Rock" an:
Und den geradezu modernen Bass-Drum-Sound bei "She Shook Me Cold".
Alles in allem war 1970 das Jahr von Led Zeppelin, und die meisten Songs auf Bowies drittem Album gingen in diese Richtung, wenn auch mit seinem Touch, mit einer Ausnahme, meiner Meinung nach: diese Perle "The Man Who Sold The World"
Es ist das "Space Oddity" dieses Albums. Es klingt, als hätten sie auf demselben Album stehen sollen.
Beachte die wilden Produktionstricks wie Phaser auf Vocals, ultra fette laute Bässe, in Hall getränkte Farfisa-Orgeln, verrückt mehrspurige Chöre. Das ist reiner Bowie. Und das Schlagzeug ist rechts.
Und dann, ein Jahr (!) später, 1971, das hier:
Und so entsteht eine Legende. Drei völlig außergewöhnliche Songs, drei Jahre in Folge. Bowie hätte dort aufhören können und einen bleibenden Eindruck in der Musik hinterlassen.
Einfache Instrumentierung und saubere, nicht durchgeknallte Produktion, aber der Song ist zu 100% Bowie, und niemand hätte danach etwas Vergleichbares machen können, ohne als Imitator abgestempelt zu werden. Beachte den Wechsel zum Klavier über der Gitarre als Hauptinstrument auf einem großen Teil des Albums. Und das Schlagzeug ist rechts.
Ein großartiger Song nach dem anderen, das ist auch einer meiner persönlichen Favoriten, obwohl er klingt, als wäre er vom Pianisten gemischt worden:
Behalte "Sell Me A Coat" im Hinterkopf und fühle die Kontinuität und Entwicklung seines Songwritings, lieb die Verzögerung auf der Snare auch.
Wenn wir von seinerzeitig voraus sprechen: Spiel jemanden dieses Intro vor und frag ihn, aus welchem Jahr es stammt:
Ist das nicht großartig?
Und dann ein Jahr später, weil, nun ja, er konnte:
Zurück zu Gitarren, Figuren und Theater.
Und das hier:
Man hört Elton John, Brian May, Led Zeppelin und andere zeitgenössische Einflüsse, aber vor allem hört man Bowie als völlig einzigartig.
Bemerke die unglaublichen Unterschiede im Ton von Song zu Song auf den Alben jener Ära. Sie mixten oft Songs schnell am Ende einer Tracking-Session, ohne Referenzen darauf, wie der Mix von gestern klang. Und manchmal waren sie auch nicht zu 100% bewusst.
Und dann, ein Jahr später, 1973, nicht ein, sondern ZWEI vollständige Alben:
Aladdin Sane ist eher für sein Cover-Artwork bekannt als für die Songs, außer vielleicht diesem hier:
PinUps klingt deutlich besser, aber die Songs haben nicht Bowies ganz besondere Note. Sie klingen wie Bowie, sehen aus wie Bowie, aber für mich fühlen sie sich nicht wie Bowie an.
Meiner (zumindest überwiegend eigenen) Meinung nach wirken diese Platten, abgesehen von "The Jean Genie", wie sehr gute verworfene Tracks vom The Ziggy Stardust-Album. Könnte das der Grund sein? Verlor Bowie seine magische Vision der Neuerfindung?
Nein. Keineswegs.
Als großer George-Orwell-Fan bin ich besonders verliebt in Diamond Dogs. Das erschien, ja, ein Jahr später, 1974.
Das ganze Album lohnt sich, aber du kennst sicherlich diesen Track:
Wenn du das Originalmaster findest, nimm das. Das Master von 1999 hat eine Anhebung bei 3 kHz, die dort definitiv nicht hin gehört. Diamond Dogs ist eher ein lyrisch tiefgründiges Album.
Bowie bereitete sich auf Folgendes vor, rate mal, ein Jahr später, 1975:
Beachte das erstaunliche Feature von niemand geringerem als der zweiten Ankunft von Jesus Saxophone Christ: David Sanborn. Ich kann mir kaum vorstellen, wie es für Bowie gewesen sein muss — selbst Alt-Sax-Spieler (denk an "Space Oddity") — Sanborn auf einem seiner Songs spielen zu hören.
Beachte außerdem die wahnsinnig verstimmte Gitarre im Breakdown. Glaubst du, das würde heute durchgehen?
Auf diesem Album ließ Bowie die experimentellen Rock- und Folk-Einflüsse endgültig hinter sich. Viele Gospel-Chöre, viel Funk und R&B der 70er.
Und dann, dann, dann gibt es DAS HIER:
Genug gesagt.
Und dann (ein Jahr später, 1976):
Übrigens, hier ist eine 1999 remasterte Version:
Welche magst du am liebsten?
Lass mich das umformulieren: Welche magst du am liebsten, wenn du auf gleiche Lautstärke pegelst?
Du solltest dir auch die über 10-minütige "Station to Station" anhören.
Und dann, weil er offenbar Freizeit übrig hatte, veröffentlichte Bowie 1977 nicht ein, sondern zwei Klassiker: Low und Heroes.
Natürlich kennst du das hier:
Und das hier ist seiner Zeit sehr voraus, findest du nicht auch:
Es klingt, als hätte das letzte Woche jemand in Brooklyn in einem Café in Ableton Live auf seinem Laptop gemacht, während er seine vielen Status-Updates aktualisierte (natürlich mit Cold Brew Coffee dabei).
Nur hatten Bowie und Tony Visconti ein Bandgerät. Und ich habe das Gefühl, sie tranken mehr als Kaffee. Und das Label brachte es raus. Und wir hören es bis heute.
Hör dir es plus "Moss Garden" + "Neukoln" hintereinander mit ausgeschaltetem Licht an.
Viel wurde über den Snare-Sound auf "Low" diskutiert, hör dir das hier an:
Hat Eventide viel Geld eingebracht. Erinnere dich: keine Samples. Live-Drums. 1977.
Wann hat David Bowie geschlafen? Woher kam all dieser Input? (Weil das eine Menge Output ist. Selbst Prince konnte nicht jahrelang ein Album nach dem anderen herausbringen und dabei frisch bleiben und die Dinge vorantreiben.)
Ich werde ehrlich sein. Ich habe ein paar dunkle Bowie-Phasen. Es gibt einen Suite von Platten, mit denen ich nicht klarkomme. Das tut mir leid, denn als Fan sollte ich eigentlich alles mögen, was Bowie gemacht hat. Tue ich aber nicht.
1979 Lodger, 1980 Scary Monsters (außer diesem, das absolut genial ist und nie alt wird), 1984 Tonight, 1986 Labyrinth, 1987 Never Let Me Down, 1993 Black Tie White Noise, 1993 Buddha of Suburbia, 1995 Outside, 1999 Hours (das Tief hier ist allerdings ziemlich gut), 2002 Heathen, 2003 Reality.
Ich werde mich ewig dafür schämen, aber so ist es. Ich habe nie Lust, diese Platten zu hören. Wenn mir jemand helfen kann, den Wert zu sehen, den ich in diesen Songs übersehe, bitte schickt mir eine ausführliche Postkarte — ich bin lernbegierig. Ich habe das Gefühl, Bowie fühlte sich auch gefangen, sonst warum Tin Machine?
ABER es gibt zwei Alben, die so unglaublich gut sind, dass ich sie nur als zwei große, solide Blöcke von Musik betrachten kann.
1984 Let's Dance:
Hör dir das ganze Album an. Mach es. Es ist perfekt. Nile Rodgers auf dem Höhepunkt, sogar besser als mit Chic — etwas, das niemand (in meinem Stuhl) für möglich gehalten hätte.
Die 1999 remasterte Version tut meinen Zähnen weh, aber das ist, was wir teilen können, also schnall dir einen Mundschutz an und genieße das Songwriting, die Produktion, den Gesang, einfach alles. Und Bowie spielt wieder Alt, also lohnt es sich allein deswegen.
Meiner Meinung nach war Let's Dance so wundersam perfekt, dass es Bowies Fähigkeit behinderte, etwas anderes genauso Gutes zu machen, bis in die späten 1990er (daher der zweite dunkle Abschnitt in meinem Buch).
Aber dann:
1997 Earthling
Zu der Zeit war es unmöglich, so etwas zu machen. Zumindest für mich. Ich machte sehr verschachtelte und komplizierte Platten mit vielen Schichten, alles mit Technologie von 1999. Als Earthling herauskam, musste ich mich kurz hinlegen. Es klingt für mich nicht großartig (es ist in Ordnung, nur nicht großartig), aber die Produktion ist wieder einmal so lächerlich ihrer Zeit voraus und das Songwriting, der Gesang, alles. Es ist 1970er-Bowie mit modernen Klängen und wieder absoluter Bewegungsfreiheit. 9 perfekte Tracks, ohne Kompromisse, ohne Entschuldigungen, keine Single. Außer vielleicht dieser hier:
Definitiv kein Top-40-Material, aber höllisch eingängig.
Also, hier sind wir. Heute.
Wegen verrückter Zeitpläne und weil ich gezwungen war, mehr Musik zu machen als sie zu hören, habe ich leider nicht bemerkt, dass das hier erschienen ist, als es rauskam:
Ich werde nicht darüber reden, weil ich nicht genug damit vertraut bin, um hier nützlich zu sein. Vielleicht später, nachdem wir das alles verdaut haben:
2016: Blackstar
Jeden Morgen, bevor der Tag beginnt, setze ich mich an meinen Mischplatz und höre mir etwas Neues an. Es hilft, aus dem eigenen Kopf herauszukommen und inspiriert zu experimentieren.
Am Morgen des 10. Januar, dem Tag, an dem er starb, hörte ich Blackstar, kurz bevor mich die Nachricht erreichte, und ich dachte, es erinnere mich an Mozarts Requiem. Ohne guten Grund. Ein sehr eigenartiges Gefühl bei einem Stück moderner Musik.
Und dann hörte ich. Und dann musste ich aufhören zuzuhören. Schau dir die Texte von "Lazarus" an. Woher nimmt man die Energie, ins New Yorker Studio zu laufen und das zu machen, wenn man weiß, dass es vorbei ist? Wie viele von uns würden im Bett bleiben oder irgendwo auf der Welt etwas Schönes suchen und den Sonnenuntergang anschauen?
Nein, Bowie ging in das Studio die Straße runter und machte ein 27. Album. Erstaunlich.
Blackstar ist dicht und üppig, traurig und schwer zu hören, aber es ist wunderbar, und ich glaube, ich höre David auf einigen Stücken Alt spielen. Was könnte besser sein?
Fab Dupont
