Nennen wir es, wie es ist: 2016 war schrecklich. Da waren keine guten Monate dabei.
Wir haben Prince, Maurice White, George Michael, Leonard Cohen, Keith Emerson, Glenn Frey, Gene Wilder und Carrie Fisher verloren. Wir hatten Erdbeben, US-Wahlen, eskalierende Kriege, Fifth Harmony, Globale CO2-Werte, die zu den Zeiten des Jahres, die normalerweise mit Minimalwerten verbunden sind, zeitweise über 400 ppm lagen, mehr terroristische Angriffe als Feiertage in dem öffentlichen Schulsystem des Bundesstaates New York und vor allem Plagen,
Wir haben Bowie verloren.
Wo ist der UNDO-Button? Warum Bowie anstelle von Ted Nugent, zum Beispiel? Mir fällt kein guter Grund ein. Abgesehen davon, dass Verluste wie diese schmerzhafte Erinnerungen sind, um den Alltag zu schätzen, sind sie auch Gelegenheiten, darüber nachzudenken, was einen Künstler außergewöhnlich macht.
Im Fall von Bowie war seine Fähigkeit, jahrzehntelang musikalisch aktiv zu sein und immer den aktuellen Strömungen und Moden voraus zu sein, einfach beeindruckend. Viele Generationen von Musikern, Produzenten und Tontechnikern entdeckten Bowie und die Musik ihrer Zeit, egal wann ihre Zeit war. Nur wenige andere Künstler schafften dieses Kunststück. Vielleicht die Stones, aber man könnte argumentieren, dass die letzten Alben nicht unbedingt lebensverändernd waren. Bowie hörte nicht auf, bis zum Ende zu innovieren.
In diesem lange erwarteten Jahresende, das abgesehen davon, dass Mariah Careys „All I Want For Christmas“ wieder in den Billboard-Charts ist, sehr erwartet wurde, fand ich es lustig, einen Blick auf die Bowie-Zeitmaschine zu werfen, um zu reflektieren, was wahre Kunstfertigkeit ist.
Wusstest du, dass David Bowies erste Platte aus dem Jahr 1967 stammt?
Wahrscheinlich nicht. Es ist wirklich beeindruckend. Dies ist das erste Lied auf diesem Album, es heißt „Uncle Arthur“
Ist das nicht fantastisch? Hast du die Drums auf der linken Seite und die Renaissance-Messe auf der rechten Seite gehört?
Übrigens gibt es eine Mono-Mix-Version dieser Aufnahme:
Mach den Vergleich. Ist Stereo nicht wunderbar?
„Sell Me A Coat“ ist auch ziemlich erstaunlich. Hälfte Weihnachtslied, Hälfte „Eleanor Rigby“.
Die ganze Platte ist sehr viel ein Spiegel ihrer Zeit und der Zeiten davor. Nichts ist da drüber. Außer dass Bowie bereits einige theatralische Elemente („We Are Hungry Men“, „Join The Gang“, „Please Mr Gravedigger“) einbrachte und seinen britischen Akzent durchdringen ließ, was zu der Zeit nicht ohne Verhandlungen mit den Plattenverantwortlichen geschah.
Wir hören bereits einige Funken der zukünftigen Sing- und Schreibweise von Bowie in Songs wie „Little Bombardier“, aber insgesamt lernte Bowie noch, wie man Songs schreibt, dachte aber bereits darüber nach, die Grenzen dessen, was innerhalb des Musikgeschäfts der Ära möglich war, zu überschreiten.
Und dann geschah nur zwei Jahre später dies:
Bumm. Die Drums sind noch auf der linken Seite, aber der Rest ist Jahre voraus. Man hört einige ernsthafte Sergeant Pepper-Einflüsse, hat aber einen wirklich eigenartigen und persönlichen Klang. Es ist eine Odyssee mit vielen Teilen und Abschnitten, wildem Stereo-Mixing, verrückten Klängen und mutigen Entscheidungen wie dem Fade-in-Intro, mehreren Übergängen, Tonartenwechseln, gesprochenem Wort, Groove-Wechseln und Selbstharmonisierung.
Hast du jemals den gehaltenen Saxophon-Ton unter dem Hauptgesang in der ersten Strophe bemerkt? Oder die Flötenwirbel auf der rechten Seite und die Violin-Phrasen auf der linken Seite während des ersten Übergangs? Die verrückten Arp-Ensambles + Saxophon-Pads in Mono in der Mitte? Und dieser Gitarrensolo-Übergang mit dem Gitarrenriff, wie cool ist das?
Einige Leute würden einen Song nur darauf aufbauen. (Keine Namen, Justin). Beachte den verrückten, dröhnenden/nahe Mikrofon-Sound der Gitarre. Und das Ende?
Das wird auch 47 Jahre später immer noch im Radio gespielt. Von vorne dran. Der Rest der Platte ist nicht so herausragend (Außer vielleicht dies), aber man kann schon die Vision hören, die Gestalt annimmt.
Im Jahr darauf, und diejenigen von uns, die Platten mit Fristen machen, wissen, wie aufwendig das sein kann, besonders vor der digitalen Technologie, gab uns Bowie dies:
Beginnen mit einem 8-Minuten-Song (Drums in Stereo, ja Sir) und experimentellen Sachen wie „All The Madmen“ (scheint direkt aus „Uncle Arthur“ zu stammen, mit mehr Drogen und weniger Cordhose, oder?)
Schau dir die drastische Veränderung der Präsenz in den Drums in „Black Country Rock“ an:
Und den absolut modernen Kickdrum-Sound in „She Shook Me Cold“.
Alles in allem war 1970 das Jahr von Led Zeppelin und die meisten Songs auf Bowies drittem Album gingen in diese Richtung, wenn auch mit seinem Touch, außer meiner Meinung nach für dieses Juwel „The Man Who Sold The World“
Es ist das „Space Oddity“ dieses Albums. Es klingt, als sollten sie auf demselben Album sein.
Schau dir die wilden Produktions-Tricks an wie Phasern auf den Vocals, ultra dicken und lauten Bass, hallgetränkte Farfisa-Orgeln, verrückte mehrstimmige Chöre. Es ist reinster Bowie. Und die Drums sind auf der rechten Seite.
Und dann, ein Jahr (!) später, 1971, kam dies:
Und so entsteht eine Legende. Drei völlig außergewöhnliche Songs drei Jahre in Folge. Bowie hätte dort aufhören und einen bleibenden Eindruck in der Musik hinterlassen können.
Einfache Instrumentation und saubere, nicht verrückte Produktion, aber der Song ist 100% Bowie und niemand konnte etwas Ähnliches danach machen, ohne als Nachahmer abgestempelt zu werden. Beachte den Wechsel zum Klavier über die Gitarre als Hauptinstrument auf einem großen Teil des Albums. Und die Drums sind auf der rechten Seite.
Großartiger Song nach großartigem Song, dieser ist auch einer meiner persönlichen Favoriten, auch wenn er klingt, als wäre er vom Pianisten gemischt worden:
Behalte „Sell Me A Coat“ im Hinterkopf und fühle die Kontinuität und Evolution seines Songwritings, liebe auch die Verzögerung auf der Snare.
Da sind wir wieder, dem Voraus sein. Spiele dieses Intro jemandem vor und frage sie, in welchem Jahr es gemacht wurde:
Ist das nicht großartig?
Und dann ein Jahr später, weil, du weißt, er konnte:
Zurück zu Gitarren, Charakteren und Theater.
Und dies:
Man kann Elton John, Brian May, Led Zeppelin und andere zeitliche Einflüsse hören, aber vor allem kann man hören, wie Bowie völlig einzigartig ist.
Beachte die unglaublichen Unterschiede im Klang von Song zu Song auf Platten dieser Ära. Oft wurden Songs am Ende einer Tracking-Session schnell gemischt, ohne Bezug darauf, wie der Mix von gestern klang. Und manchmal waren sie auch nicht 100% bewusst dabei.
Und dann, ein Jahr später, 1973, nicht nur EIN, sondern ZWEI vollständige Alben:
Aladdin Sane ist mehr für sein Cover-Art bekannt als für die Songs darauf, außer vielleicht diesem hier:
PinUps klingt merklich besser, aber die Songs haben nicht Bowies besonderen Touch. Sie klingen wie Bowie, sie sehen aus wie Bowie, aber sie fühlen sich für mich nicht wie Bowie an.
Meiner Meinung nach (und ich teile sie hauptsächlich mit mir selbst) fühlen sich diese Alben abgesehen von „The Jean Genie“ wie wirklich gute verworfene Tracks vom The Ziggy Stardust-Album an. Könnte das sein? Verliert Bowie seine magische Vision der Neuerfindung?
Nein. Überhaupt nicht.
Als großer Fan von George Orwell bin ich besonders begeistert von Diamond Dogs. Das wurde, ja, ein Jahr später, 1974, veröffentlicht.
Das ganze Album ist es wert, angehört zu werden, aber diesen Track wirst du kennen:
Wenn du das Original-Master finden kannst, nimm das. Das Master von 1999 hat einen 3kHz-Push, der dort definitiv nicht sein sollte. Diamond Dogs ist jedoch mehr ein lyrikbasiertes Album von tiefen Cuts.
Bowie bereitete sich darauf vor, rat mal was, ein Jahr später 1975:
Beachte das erstaunliche Feature von nichts anderem als der Wiederkunft von Jesus Saxophon Christus: David Sanborn. Ich kann mir nicht vorstellen, wie es für Bowie war, der selbst ein Altsaxophonist ist (siehe „Space Oddity“), Sanborn auf einem seiner Songs spielen zu hören.
Beachte auch die wahnsinnig verstimmte Gitarre im Break. Denkst du, das würde heute funktionieren?
Auf diesem Album ließ Bowie die experimentellen Rock- und Folk-Einflüsse für immer hinter sich. Viele Gospel-Chöre, viel Funk und R&B der 70er.
Und dann, dann, dann gibt es DAS:
Genug gesagt.
Und dann (ein Jahr später, 1976):
Übrigens, hier ist eine Version, die 1999 remastert wurde:
Welche gefällt dir am besten?
Lass mich umformulieren: Welche gefällt dir am besten, wenn du bei gleichen Pegeln hörst?
Du solltest dir auch das 10+ Min. „Station to Station“ anhören.
Und dann, weil er zusätzlich freie Zeit hatte, veröffentlichte Bowie 1977 nicht nur einen, sondern zwei Klassiker: Low und Heroes.
Natürlich kennst du dies:
Und das hier ist deiner Meinung nach sehr voraus, oder?
Klingt wie etwas, das jemand gemacht hat, der ein T-Shirt mit einer sarkastischen selbstironischen Botschaft trägt, letzte Woche in Brooklyn, in einem Café, in Ableton Live auf seinem Laptop, während er seine vielen Status aktualisiert (natürlich bei einem kalten Kaffee).
Außer, dass Bowie und Tony Visconti ein Tonbandgerät hatten. Und ich fühle, dass sie mehr als nur Kaffee tranken. Und das Label brachte es raus. Und wir hören es bis heute.
Hör es dir an + „Moss Garden“ + „Neukoln“ hintereinander bei ausgeschaltetem Licht.
Über den Snare-Sound auf Low wurde viel diskutiert, schau dir das an:
Hat Eventide viel Geld eingebracht. Denke daran, keine Samples. Live-Drums. 1977.
Wann hat David Bowie geschlafen? Woher kam der Input? (Denn das ist eine Menge Output. Selbst Prince konnte nicht so lange ein Album pro Jahr veröffentlichen und frisch bleiben und die Dinge in Bewegung halten)
Ich werde ehrlich sein. Ich habe ein paar dunkle Perioden in Bezug auf Bowie. Es gibt eine Reihe von Alben, die ich nicht ganz nachvollziehen kann. Es tut mir leid, weil ich als Fan alles, was Bowie gemacht hat, mögen sollte. Aber das tue ich nicht.
1979 Lodger, 1980 Scary Monsters (Außer für dieses, das absolutes Genie ist und niemals alt wird), 1984 Tonight, 1986 Labyrinth, 1987 Never Let Me Down, 1993 Black Tie White Noise, 1993 Buddha of Suburbia, 1995 Outside, 1999 Hours (das Tiefpunkt hier ist ziemlich gut), 2002 Heathen, 2003 Reality.
Ich werde für immer in Scham leben, aber so ist es nun einmal. Ich habe nie das Verlangen, diese Alben zu hören. Wenn mir jemand helfen kann, den Wert zu sehen, den ich in diesen Songs vermisse, bitte schickt mir eine detaillierte Postkarte, ich bin eager to learn. Ich denke, Bowie fühlte sich auch gefangen, sonst warum Tin Machine?
ABER es gibt zwei Alben, die einfach so unglaublich gut sind, dass ich sie nur als zwei große solide Musikblöcke betrachten kann.
1984 Let's Dance:
Hör einfach die ganze Sache. Mach es. Es ist perfekt. Nile Rogers auf dem Höhepunkt, sogar besser als mit Chic, was niemand (jemand in meinen Schuhen) für möglich hielt.
Die remasterte Version von 1999 tut meinen Zähnen weh, aber es ist das, was wir mit dir teilen müssen, also trag einen Mundschutz und genieße das Writing, die Produktion, das Singen, alles. Und Bowie spielt wieder Altsaxophon, also lohnt sich das alles.
Meiner Meinung nach war Let's Dance so wunderbar perfekt, dass es Bowies Fähigkeit, irgendetwas anderes so gut zu machen, bis Ende der 1990er Jahre hemmte (daher die dunkle Periode #2 in meinem Buch).
Aber dann:
1997 Earthling
Zu der Zeit war es unmöglich, so etwas zu machen. Zumindest für mich. Ich machte wirklich komplizierte Platten mit vielen Schichten, alles mit der Technologie von 1999. Als Earthling herauskam, musste ich mich kurz hinlegen. Es klingt für mich nicht großartig (es ist in Ordnung, nur nicht großartig), aber die Produktion ist so absurd ihrer Zeit voraus (wieder) und das Schreiben, das Singen, alles. Es ist der Bowie der 1970er Jahre mit modernen Klängen und absoluter Bewegungsfreiheit. 9 perfekte Tracks, kein Kompromiss, keine Entschuldigungen, kein Single. Außer vielleicht dies:
Definitiv kein Material für die Top 40, aber fesselnd wie die Hölle.
Und hier sind wir. Heute.
Aufgrund verrückter Zeitplankontraste und gezwungen, mehr Musik zu machen als sie zu hören, habe ich leider nicht bemerkt, dass dies herauskam, als es das tat:
Ich werde nicht darüber sprechen, weil ich nicht genug damit vertraut bin, um hier nützlich zu sein. Vielleicht in einer Weile, nachdem wir alle diese verarbeitet haben:
2016: Blackstar
Jeden Morgen, bevor der Tag beginnt, sitze ich an meiner Mixing-Position und höre etwas Neues. Es hilft, nicht in seinen eigenen Gedanken gefangen zu sein und inspiriert zu werden, Neues auszuprobieren.
Ich hörte Blackstar am Morgen des 10. Januar, dem Tag, an dem er starb, kurz bevor ich die Nachricht erhielt, und ich erinnere mich, dass ich dachte, dass es mich an Mozarts Requiem erinnerte. Ohne guten Grund. Ein sehr seltsames Gefühl für ein Stück moderne Musik.
Und dann hörte ich es. Und dann musste ich aufhören zu hören. Schau dir die Texte zu "Lazarus" an. Woher nimmt man die Energie, um ins Studio in NYC zu gehen und dies zu tun, wenn man weiß, dass man fertig ist? Wie viele von uns würden im Bett bleiben oder irgendwo auf dieser Welt an einem wunderschönen Ort den Sonnenuntergang anschauen?
Nein, Bowie ging ins Studio um die Ecke und machte ein 27. Album. Unglaublich.
Blackstar ist dick und üppig, es ist traurig und schwer zu hören, aber es ist wunderbar und ich glaube, ich höre David auf einigen Tracks Altsaxophon spielen. Was könnte besser sein?
Fab Dupont
