Das Verwenden von Samples zur Verbesserung von Schlagzeugtracks ist in mehr Musikgenres gängige Praxis, als man denkt. Egal, ob Ihr Publikum sich für einen Elektroabend herausgeputzt hat oder mit Stachelarmbändern und schwarzen Lederjacken prahlt, ein Teil der Musik, die es hört, wird solche Mischungstechniken enthalten, ohne dass es jemand bemerkt.
Und es gibt keinen Grund, warum sie das sollten, denn egal, wie begehrt diese Technik ist, sie hat nichts mit Betrug oder dem Vermeiden von teuren Mikrofonen und Vorverstärkern zu tun. Denn letztendlich zählt der endgültige Klang Ihrer Aufnahme, und das Triggern von Schlagzeug und die Verwendung von Samples kann genau das sein, was Sie brauchen, um endlose Ketten von Equalizern und Kompressoren zu vermeiden, die Sie nicht weiterbringen.
Der Grund, warum ich diesen Artikel schreiben wollte, stammt aus der Tatsache, dass ich im letzten Jahr gesehen habe, wie diese Technik in einem zunehmenden Tempo angewendet wurde, besonders von Künstlern und Bands, die sich entscheiden, ihre Aufnahmen selbst zu produzieren. Die Hälfte der Sessions, die ich im letzten Jahr erhalten habe, wiesen eine Mischung aus akustischen Tracks und getriggerten Samples für ihren Rhythmusbereich auf, und fast alle litten unter einer Reihe von Problemen, die hätten vermieden werden können, wenn die Produzenten einige einfache Richtlinien befolgt hätten.
In diesem virtuellen Dokument finden Sie eine Sammlung von Hinweisen, die mir über die Jahre wirklich geholfen haben. Meine Idee ist es, sie als eine Art Checkliste niederzuschreiben, damit Sie sie sicher an Ihrer Seite haben können, wann immer das S-Wort in Ihrem Kontrollraum laut ausgesprochen wird („S“ für Samples..).
1 - Benutze MIDI, verbanne MIDI
Als Pianist und Keyboardspieler habe ich MIDI zum Frühstück gegessen (schmeckt furchtbar). Damals war MIDI eines der großen Dinge in der Musik.. selbst jetzt ist es definitiv erstaunlich zu benutzen und erleichtert das Leben in einer Reihe von Situationen, aber - für mich - ist es ein Albtraum in jeder Mixing-Session. Ich verstehe, dass ich mit den Jahren überaus skeptisch geworden bin, weil ich jetzt meine Hardware-Synthesizer direkt in Audio aufnehme, ohne Rücksicht auf ihre MIDI-Fähigkeiten. Der Grund dafür ist, dass das, was ich aufnahm, oft nicht wie das klang, was ich gespielt hatte. Das ist nicht der Ort und die Zeit, um auf technische Details einzugehen, aber MIDI ist dafür bekannt, wackelig zu werden, insbesondere wenn eine große Menge an Daten übertragen wird (namens kontinuierliche Controller wie Volume-Pedale und Atemcontroller).
Das Triggern von Schlagzeugen erfordert keine Unmenge an MIDI-Daten, aber wir sind uns alle einig, dass das Entfernen unerwünschter Variablen ein großer Vorteil ist. Virtuelle Instrumente waren in meinem Buch immer der Hauptgrund für DAW-Abstürze, mit ihrem Disk-Streaming, RAM-Puffern, Multi-Samples, eingebauten Funktionen, ausgefallenen Schnittstellen usw. Zudem fügen sie Abhängigkeiten zu Ihrer Session hinzu: Nicht jeder Toningenieur hat exakt die gleichen Soundbibliotheken, die Sie haben!
Ich würde vorschlagen, dass Sie während Ihrer Produktionsphase so viel MIDI verwenden, wie Sie möchten, denn das ist die Zeit, in der Sie Ihre Ideen so schnell wie möglich in die Realität umsetzen müssen. Dann, wenn Ihr Track produziert ist, auch wenn er noch nicht mixbereit ist, entscheiden Sie sich für Ihre Optionen und drucken Sie diese Samples.
Der einfachste Weg ist, eine neue Audiospur zu erstellen (Mono oder Stereo, je nach Bedarf) und dann deren Eingang auf einen Bus festzulegen und den Ausgang Ihres virtuellen Instruments zu diesem Bus zu routen. Machen Sie dies für jedes virtuelle Instrument und Sie können jedes einzelne in einem Durchgang in eine separate Spur drucken.
Falls Sie keine vollwertige Soundbibliothek für Ihre Schlagzeug-Samples verwenden und stattdessen Plugins verwenden, die in Echtzeit ersetzen, würde ich dennoch diesen Schritt vor dem Mixen empfehlen. Der Grund dafür ist erneut: Es ist gute Praxis, jegliche Abhängigkeit in Ihrer Session zu verlieren, um es dem Mischingenieur einfach zu machen, ohne das Risiko ungewöhnlicher Fehlermeldungen (die Sie möglicherweise eine gesamte Session kosten könnte!)
2 - Überprüfen Sie die Ausrichtung
Jetzt, wo wir nur noch Audio-Tracks haben, sind wir moderat sicher. Wir müssen uns nicht mehr um virtuelle Instrumente, MIDI-Schnittstellen, Puffern, CPU-Spitzen oder Audio-Gremlins sorgen, aber die Reise, die vor uns liegt, wird uns dennoch in gefährliche Ödlande führen.
Wir wissen, dass die Schlagzeug-Samples jetzt in Stein gemeißelt (aka in einer Audiodatei) sind, aber wir haben keine Informationen darüber, wie der Trigger entschieden hat, das Sample selbst zu platzieren. Da jeder Schlag eines Schlagzeugers unterschiedlich ist, gibt es keine Garantie, dass der Trigger Ihr Sample jedes Mal an der exakt gleichen Position platziert. Erfahrene Produzenten und Ingenieure lernen, mit spezifischen Triggern zu arbeiten und gewöhnen sich daran, ihr allgemeines Verhalten zu kennen. Aber da niemand als Experte geboren wird, ist es sicherer, alles doppelt zu überprüfen.
Nichts schlägt es, Ihre akustischen UND getriggerten Spuren im Solo anzuhören. Nehmen wir an, Sie haben zwei Samples zu Ihren Schlagzeugtracks hinzugefügt: eines für die Bassdrum und das andere für die Snare. Legen Sie sowohl Kick als auch Snare (mit ihren gesampelten Gegenstücken) in den Solo-Modus und hören Sie sie:
- Klingt die Kick „tief“, immer gleich? Verliert sie in einigen Teilen ihren Bass (z.B. wenn der Schlagzeuger sanfter spielt)?
- Klingt Ihre Snare knackig, jedes Mal? Hat sie den gleichen Körper?
- Haben Kick und Snare gelegentlich Flams?
Wenn Sie Probleme hören, dann sind es Probleme.
„Aber... es klang gut, als wir die Samples vor Wochen ausgewählt haben!“ Nun, es ist gängige Praxis, Samples basierend auf einem bestimmten Teil (wie einem Refrain) auszuwählen und dann zu vergessen, die gesamte Session doppelt zu überprüfen. Ein Trigger oder ein virtuelles Instrument, das in einem Refrain „gut funktioniert“, könnte in einem anderen Teil, wie einem sanfteren Break, versagen.
Unerwünschte Flams sind eindeutig schlecht, da sie einen künstlichen, sehr schnellen Doppelstrich einführen, der für Sie keinen beabsichtigten Nutzen hat. Wenn die Unterschiede in der Ausrichtung kleiner werden, wird das sorgfältige Zuhören eine Änderung im Bass oder Körper der Instrumente offenbaren, die durch Phasenauslöschung verursacht wird.
Persönlich bin ich mit einem solchen Ergebnis nicht zufrieden, und der Grund ist einfach: Wenn ich den Aufwand betreibe, etwas wie getriggert Samples zu meiner Session hinzuzufügen, sollte es auch gut sein und sich genau so verhalten, wie ich es möchte: Es hat keinen Sinn, Zeit mit EQing und Komprimieren einer Bassdrum zu verbringen, um den perfekten Klang zu erreichen, wenn sich die Quelle selbst mit jedem Schlag oder Abschnitt des Songs in Phasenlage und Charakter ändert.
Glücklicherweise implizieren die heutigen DAWs Variationen des Pro-Tools-Konzepts „elastische Zeit“, das uns ermöglicht, einen Track leicht an einen anderen anzupassen.
3 - Ein wenig Feineinstellung kann viel bewirken
Bis zu diesem Punkt haben wir unser Bestes getan: Wir haben gut klingende Drums, gute Samples, wir mögen die Beziehung zwischen beiden, wir haben sichergestellt, dass es kein Hauptproblem mit unserem Triggern gibt. Also denken wir, dass wir mit dem Mischen beginnen können... das bedeutet, dass wir sofort das Verlangen verspüren, alles mit den neuesten Plugins in unserem Arsenal zu gates, hochpassieren, zu EQen und zu komprimieren (oder Hardware zu verwenden, wenn Sie dieser Typ sind).
Zu lernen, diesem Drang zu widerstehen und stattdessen auf etwas anderes zu fokussieren, war für mich eine der besten persönlichen Verbesserungen als Toningenieur, ohne Zweifel. Anstatt meine Liebling-Plugins zu schnappen, verbringe ich jetzt normalerweise 5-10 Minuten damit, mich auf Folgendes zu konzentrieren:
Zeitliche Ausrichtung: erinnern Sie sich daran, als wir sichergestellt haben, dass alle Samples auf die gleiche Weise mit der Originalquelle ausgerichtet sind? Das war eine gut investierte Zeit, denn jetzt können wir einen Offset mit etwas wie einem sehr einfachen Delay-Plugin erstellen, das auf 100% WET eingestellt ist, kein Feedback oder ausgefallene Dinge, nur ein Delay in Millisekunden (noch besser, wenn in Zehnteln von Millisekunden!). Nehmen Sie das Kick-Sample und beginnen Sie, es in kleinen Schritten zu verzögern, auch 1-2 Millisekunden können viel ausmachen! Sie könnten einen Punkt finden, an dem die beiden Klänge nicht mehr synchronisiert sind, aber einen Klang erzeugen, der Ihnen gefällt. Jetzt wissen Sie, dass Sie eine systematische Fehlanpassung haben, die ständig das beabsichtigte Ergebnis liefert, anstatt nur ungefähr etwas „dort“ zu haben. Ihr EQ wird es Ihnen danken!
Phasenkorrelation: beginnen Sie damit, die Phase Ihrer Samples umzuschalten... hören Sie, wie die Bassdrum unten tiefer wird? Oder dünner? Hat sie einen nasalen Klang? Verliert sie einen nasalen Klang?
Sobald Sie mit den folgenden Punkten einverstanden sind, warten Sie mit der Feier: Haben Sie alles im Vergleich zu den anderen Mikrofonen (Overheads, Raummikrofone usw.) überprüft? Tun Sie dies, und wenn Sie das Gefühl haben, dass etwas erneut dröhnend, nasal, matschig, zu tief, zu dünn und generell „nicht so, wie Sie es möchten“ wird, gehen Sie zurück und beginnen Sie, die Dinge eins nach dem anderen anzupassen, während Sie alle Mikrofone anhören.
Etwas absolut Geniales, von dem ich in solchen Situationen niemals Abstand nehmen würde, ist das Little Labs IPB Phase Alignment Tool, das in Plugin-Form von Universal Audio hergestellt wird. Dieses kleine Werkzeug hat alles: Sie können Verzögerung und Polarität umschalten, aber Sie können auch sanft von 0 (normale Polarität) auf 180 Grad (umgekehrte Polarität) arbeiten. Es ist erstaunlich, was Sie erreichen können, indem Sie die Phase nur um 10 Grad oder so bewegen, und das geht weit über das hinaus, was Sie durch EQing Ihrer Tracks erreichen könnten.
4 - Lernen Sie, wann zu teilen und wann zu vereinen
Wie verarbeiten Sie schließlich Ihre Drums? Separat, um das Beste aus jeder Spur herauszuholen? Oder ganzheitlich, indem Sie sie auf ihrem Bus verarbeiten? Sie müssen in der Lage sein, beides zu tun und zu unterscheiden, wann Sie auf einzelnen Elementen und wann Sie auf dem Gesamtwerk agieren müssen. Lassen Sie Ihre Ohren Ihnen sagen, wohin Sie gehen sollen... und um sie das tun zu lassen, müssen Sie sie trainieren:
Eine großartige Möglichkeit, dies zu tun, ist, zu experimentieren und zuzuhören: Nehmen wir beispielsweise eine Bassdrum, die aus zwei Tracks besteht, einer echten Aufnahme des Inneren der Bassdrum und einem hinzugefügten Sample. Was sind die starken Komponenten jedes einzelnen? Angenommen, das Innere dient wahrscheinlich dazu, Ihnen Fleisch, ein kartonartiges echtes „Haut vs Kopf“-Geräusch zu geben, und das Sample wird verwendet, um den konstanten, kontrollierten Sub und die scharfe Kante zu erhalten, die es durch ein volles Mix schneidet.
- Hochpassieren Sie die Tiefen der echten Bassdrum... fühlen Sie, dass der Klang insgesamt tiefer, subiger und unten straffer wird? Oder wird es dünner?
- Scannen Sie die Mitten des Samples... wird die Bassdrum klarer, weniger maskierend im gesamten Mix und kantiger? Oder verliert sie an Körper und „oberem Brustklang“?
Das sind Beispiele für die Verarbeitung einzelner Spuren. Scheuen Sie sich nicht, Dinge in Ruhe zu lassen, wenn keine der Experimente Sie zufriedenstellt. Vielleicht sind Sie mit der Bassdrum so, wie sie ist, vollkommen einverstanden!
Jetzt arbeiten Sie am Bassdrum-Bus:
- Heben Sie die hohen Mitten um 4-5 kHz an... gewinnt die Bassdrum ein wenig mehr Kante und Charakter? Oder wird sie ein wenig zu seltsam und unecht?
- Komprimieren Sie den Bus mit Ihrem Lieblingskompressor... klingt die Bassdrum mehr wie „zusammen“ und kohärent? Oder verliert sie an Bass und Präsenz?
Mit ein wenig Experimentieren werden Sie beginnen zu verstehen, was Sie tun müssen, um ein spezifisches Problem in Ihrer Session zu lösen. Und mit der Zeit, je mehr Sie mixen, desto mehr werden Sie wissen, was Sie in Sekundenschnelle tun müssen.
5 - Lassen Sie uns praktisch werden.
Hier ist ein Auszug aus einer Aufnahme-Session, die ich bei Fuseroom gemacht habe. Die ursprüngliche Session enthält etwa 10 Mikrofone am Schlagzeug, aber ich habe absichtlich alle bis auf das Innere der Bassdrum und die Oberseite der Snare entfernt. Dann habe ich auch die Overheads und das Mono-Raum-Mikrofon hinzugefügt, um zu demonstrieren, wie Samples großartig zur Verbesserung beitragen können... aber nichts schlägt echte Luft, echte Drums und echte Mikrofone.
Die im letzten Beispiel verwendeten RS W2377 und W2395 Filter
Die oben genannten Schritte haben mir immer geholfen, eine Sample-Süchtige Session in einer Weise „bereit“ klingen zu lassen, wie es vorher nicht möglich war. Etwas zu haben, das großartig klingt, ohne darauf verarbeitet zu sein (oder mit wenig bis keiner Verarbeitung), ist ein fantastisches Gefühl für jeden Toningenieur... aber es ist auch großartig für den Zuhörer, denn nichts schlägt die natürliche Harmonie von mehreren Teilen, die mühelos zusammenarbeiten. Wie oft haben Sie Plugins übereinander gestapelt, um einen bestimmten Klang zu erreichen und sind nach Stunden des Experimentierens kläglich gescheitert? Ich weiß, ich war da.
Wenn Sie Ihren gewünschten Klang schneller und effizienter erreichen können, werden Sie glücklicher sein, Ihre DAW wird weniger Energie verbrauchen, der Planet wird grüner und letztendlich haben Sie mehr Zeit, um mit Ihren Freunden Fußball zu spielen!
Alberto.
Alberto Rizzo Schettino ist Pianist, Synth-Fan, Tontechniker und seit 2013 Teil der Puremix-Familie. Er ist der Eigentümer des Fuseroom Recording Studio in Berlin und arbeitet auch als Produktspezialist für einige der besten Marken in der High-End-Audioindustrie.
Fuseroom Recording Studio: http://www.fuseroom.com
Albertos Webseite: http://www.albertorizzoschettino.net
