Die Verwendung von Samples zur Verbesserung von Schlagzeug-Tracks ist in mehr Musikgenres gängige Praxis, als man sich vorstellen kann. Egal, ob Ihr Publikum für eine Electro-Nacht schick gekleidet ist oder mit spitzen Armbändern und schwarzen Lederjacken angeht, ein Teil der Musik, die es hört, wird eine solche Mischungstechnik enthalten, ohne dass es jemand merkt.
Und es gibt keinen Grund, warum es das sollte, denn egal wie begehrt diese Technik ist, sie hat nichts mit Schummeln oder dem Vermeiden von teuren Mikrofonen und Vorverstärkern zu tun. Denn was am Ende zählt, ist der endgültige Klang Ihrer Aufnahme. Das Triggern von Schlagzeug und die Verbesserung mit Samples können genau das sein, was Sie brauchen, um endlose Ketten von EQs und Kompressoren zu vermeiden, die Sie nicht weiterbringen.
Der Grund, warum ich diesen Artikel schreiben wollte, ergibt sich aus der Tatsache, dass ich im letzten Jahr gesehen habe, wie diese Technik zunehmend verwendet wird, insbesondere von Künstlern und Bands, die sich entscheiden, ihre Aufnahmen selbst zu produzieren. Die Hälfte der Sessions, die ich im letzten Jahr erhalten habe, beinhaltete eine Mischung aus akustischen Spuren und getriggerten Samples für ihre Rhythmussektion, und fast alle litten unter einer Reihe von Problemen, die vermieden werden konnten, wenn die Produzenten einige einfache Richtlinien befolgt hätten.
In diesem Stück virtuellen Papiers habe ich eine Sammlung von Hinweisen zusammengetragen, die mir in den Jahren wirklich geholfen haben. Meine Idee ist es, dies als eine Art Checkliste aufzuschreiben, damit Sie es sicher neben sich haben können, wann immer das S-Wort laut im Kontrollraum gesagt wird („S“ für Samples..).
1 - Verwenden Sie MIDI, lassen Sie MIDI weg
Als Pianist und Keyboarder habe ich MIDI zum Frühstück gegessen (schmeckt schrecklich). Damals war MIDI eines der großen Dinge in der Musik... und auch jetzt ist es definitiv großartig zu verwenden und erleichtert das Leben in vielen Situationen, aber - für mich - ist es ein Albtraum in jeder Mixing-Session. Ich verstehe, dass ich im Laufe der Jahre extrem skeptisch geworden bin, da ich jetzt meine Hardware-Synthesizer direkt in Audio aufnehme, ohne auf deren MIDI-Funktionen zu achten. Der Grund dafür ist, dass oft das, was ich aufgenommen habe, nicht so klang wie das, was ich gespielt hatte. Dies ist nicht der richtige Ort, um in technische Einzelheiten einzutauchen, aber MIDI ist dafür bekannt, unzuverlässig zu werden, insbesondere wenn viele Daten übertragen werden (nämlich kontinuierliche Regler wie Volume-Pedale und Atemcontroller).
Das Triggern von Schlagzeug erfordert keine großen Mengen an MIDI-Daten, aber wir sind uns alle einig, dass das Entfernen unerwünschter Variablen ein großer Vorteil ist. Virtuelle Instrumente waren für mich immer der Hauptgrund für DAW-Abstürze, mit ihrem Disk-Streaming, RAM-Puffern, Multi-Samples, eingebauten Funktionen, schicken Schnittstellen usw. Darüber hinaus bringen sie Abhängigkeiten in Ihre Session ein: Nicht jeder Tontechniker hat dieselben Klangbibliotheken, die Sie haben!
Ich würde vorschlagen, dass Sie während Ihrer Produktionsphase so viel MIDI verwenden, wie Sie möchten, denn das ist der Zeitpunkt, an dem Sie Ihre Ideen in kürzester Zeit in die Realität umsetzen müssen. Wenn Ihr Track produziert ist, auch wenn er noch nicht mixfertig ist, halten Sie sich an Ihre Entscheidungen und drucken Sie diese Samples.
Der einfachste Weg ist, eine neue Audiospur (mono oder stereo, je nach Bedarf) zu erstellen und dann ihren Eingang auf einen Bus zu setzen, und den Ausgang Ihres virtuellen Instruments zu diesem Bus zu routen. Machen Sie dies für jedes virtuelle Instrument, und Sie werden in der Lage sein, jedes davon effizient in einer separaten Spur zu drucken.
Falls Sie keine vollwertige Soundbibliothek für Ihre Schlagzeug-Samples verwenden und stattdessen Plugins nutzen, die Echtzeit-Ersetzungen vornehmen, würde ich diesen Schritt trotzdem empfehlen, bevor Sie mit dem Mixing beginnen. Grund dafür ist: es ist eine gute Praxis, jede Abhängigkeit in Ihrer Session zu verlieren, um das Öffnen durch den Mixing-Techniker zu erleichtern, ohne das Risiko komischer Fehler-Pop-ups einzugehen (die dazu führen können, dass Sie eine gesamte Sitzung auf der Uhr verlieren!).
2 - Überprüfen Sie die Ausrichtung
Jetzt, wo wir alle Audio-Tracks haben, sind wir mäßig sicher. Wir müssen uns keine Gedanken mehr über virtuelle Instrumente, MIDI-Schnittstellen, Puffern, CPU-Spitzen oder Audio-Gremlins machen, aber die Reise vor uns wird uns dennoch in gefährliche Ödlande führen.
Wir wissen, dass die Schlagzeug-Samples jetzt in Stein gemeißelt sind (alias in einer Audiodatei), aber wir haben keine Informationen darüber, wie der Trigger entschieden hat, das Sample selbst zu platzieren. Da jeder Schlag Ihres Schlagzeugers unterschiedlich ist, gibt es keine Garantie, dass der Trigger Ihr Sample jedes Mal an genau derselben Stelle platziert. Erfahrene Produzenten und Ingenieure lernen, mit spezifischen Triggern zu arbeiten und gewöhnen sich daran, ihr allgemeines Verhalten zu kennen. Aber da niemand als Experte geboren wird, ist es sicherer zu überprüfen.
Es gibt nichts Besseres, als Ihre akustischen UND getriggerten Spuren im Solo zu hören. Angenommen, Sie haben zwei Samples zu Ihren Schlagzeug-Spuren hinzugefügt: eines für die Bassdrum und das andere für die Snare. Setzen Sie sowohl Kick als auch Snare (mit ihren gesampelten Gegenstücken) in den Solo-Modus und hören Sie sie an:
- Klingt die Kick „tief“, immer auf die gleiche Weise? Verliert sie in einigen Teilen ihren Körper (z. B. wenn der Schlagzeuger sanfter spielt)?
- Klingt Ihre Snare jedes Mal knackig? Hat sie den gleichen Körper?
- Haben Kick und Snare gelegentliche Flams?
Wenn Sie Probleme hören, dann sind es Probleme.
„Aber... es klang gut, als wir die Samples vor Wochen ausgewählt haben!“ Nun, es ist gängige Praxis, Samples basierend auf einem bestimmten Teil (wie einem Refrain) auszuwählen und dann zu vergessen, die gesamte Session zu überprüfen. Ein Trigger oder virtuelles Instrument, das in einem Refrain „gut funktioniert“, könnte in einem anderen Teil, wie einem sanfteren Breakdown, schwächeln.
Unerwünschte Flams sind eindeutig schlecht, da sie einen künstlichen, super schnellen Doppelanschlag einführen, der für Sie keinen beabsichtigten Nutzen hat. Wenn die Unterschiede in der Ausrichtung kleiner werden, wird sorgfältiges Hören eine Änderung im Körper oder in der Klangfarbe der Instrumente offenbaren, verursacht durch Phasenauslöschung.
Persönlich bin ich mit einem solchen Ergebnis nicht zufrieden, und der Grund ist einfach: wenn ich mir die Mühe mache, etwas wie getriggerte Samples zu meiner Session hinzuzufügen, dann sollte es auch gut klingen und sich genau so verhalten, wie ich es will: es hat keinen Sinn, Zeit mit EQing und Komprimieren einer Bassdrum zu verbringen, um diesen perfekten Klang zu erzielen, wenn die Quelle selbst mit jedem Schlag oder Abschnitt des Songs in Phase und Charakter wechselt.
Zum Glück implizieren die heutigen DAWs Variationen des Pro Tools „Elastic Time“-Konzepts, das uns ermöglicht, eine Spur leicht an eine andere anzupassen.
3 - Ein wenig Feineinstellung bewirkt viel
An diesem Punkt haben wir unser Bestes gegeben: wir haben gut klingende Drums, gute Samples, wir mögen die Beziehung zwischen beiden, wir haben sichergestellt, dass es kein Hauptproblem mit unserem Triggering gibt. Also denken wir, wir können mit dem Mixing beginnen... was bedeutet, dass wir sofort den Drang verspüren, alles mit den neuesten Plugins in unserem Arsenal zu gate, hochzupassen, zu EQen und zu komprimieren (oder mit Hardware, wenn Sie diesen Typ sind).
Diese Versuchung zu widerstehen und sich stattdessen auf etwas anderes zu konzentrieren, war für mich eine der besten persönlichen Verbesserungen als Tontechniker, ohne Zweifel. Anstatt meine Lieblings-Plugins zu greifen, verbringe ich jetzt in der Regel 5-10 Minuten damit, mich auf Folgendes zu konzentrieren:
Zeitliche Ausrichtung: Erinnern Sie sich, als wir sichergestellt haben, dass alle Samples in der gleichen Weise mit der ursprünglichen Quelle ausgerichtet sind? Das war gut investierte Zeit, denn jetzt können wir mit etwas wie einem sehr einfachen Delay-Plugin, das auf 100% WET, ohne Feedback oder fancy Zeug eingestellt ist, einfach eine Verzögerung in Millisekunden erzeugen (noch besser, wenn in Zehntelsekunden!). Nehmen Sie das Kick-Sample und beginnen Sie, es in kleinen Schritten zu verzögern; selbst 1-2 Millisekunden können viel sein! Sie könnten einen Punkt finden, an dem die beiden Klänge nicht ausgerichtet sind, aber einen Timbre erzeugen, das Ihnen gefällt. Jetzt wissen Sie, dass Sie eine systematische Fehlausrichtung haben, die konstant das gewünschte Ergebnis liefert, anstatt etwas „ungefähr dort“ zu haben. Ihr EQ wird Ihnen dankbar sein!
Phasenkorrelation: Beginnen Sie damit, die Phase Ihrer Samples zu wechseln... hören Sie die Bassdrum, die unten tiefer wird? Oder dünner? Hat sie einen nasalen Klang? Verliert sie einen nasalton?
Sobald Sie mit dem Folgenden einverstanden sind, warten Sie vor dem Feiern: haben Sie alles mit den anderen Mikrofonen (Overheads, Raummikrofone usw.) überprüft? Tun Sie dies, und wenn Sie das Gefühl haben, dass etwas wieder dröhnend, nasal, matschig, zu tief, zu dünn und im Allgemeinen „nicht so wie Sie es wollen“ wird, gehen Sie zurück und fangen Sie an, die Dinge nacheinander anzupassen, während Sie auf alle Mikrofone hören.
Etwas absolut Geniales, das ich in Situationen wie diesen niemals hergeben würde, ist das Little Labs IPB Phase Alignment Tool, erhältlich in Plugin-Form von Universal Audio. Dieses kleine Hilfsmittel hat alles: Sie können Verzögerungen hinzufügen und die Polarität wechseln, aber Sie können auch sanft von 0 (normale Polarität) auf 180 Grad (umgekehrte Polarität) wechseln. Es ist erstaunlich, was Sie erreichen können, indem Sie die Phase nur um 10 Grad oder so bewegen, und das geht weit über alles hinaus, was Sie durch das EQing Ihrer Spuren erreichen könnten.
4 - Lernen, wann man teilt und wann man vereint
Wie verarbeiten Sie schließlich Ihr Schlagzeug? Separat, um das Beste aus jeder Spur herauszuholen? Oder als Ganzes, indem Sie sie auf ihrem Bus verarbeiten? Sie müssen beides tun können und erkennen, wann Sie auf einzelne Elemente und wann auf das Ganze wirken müssen. Lassen Sie Ihre Ohren Ihnen sagen, wo es langgeht... und um das zu ermöglichen, müssen Sie sie trainieren:
Eine großartige Möglichkeit, dies zu tun, ist zu experimentieren und zuzuhören: Nehmen Sie als Beispiel eine Bassdrum, die aus zwei Spuren besteht, einer echten Aufnahme des Innenraums der Bassdrum und einem hinzugefügten Sample. Was sind die starken Komponenten von jedem? Angenommen, das Innere soll Ihnen Fleisch geben, einen kartonartigen, echten „Haut vs. Kopf“-Sound, und das Sample wird verwendet, um diesen konstanten, kontrollierten Sub und den scharfen Kanten, die es durch einen vollen Mix schneidet, zu erzielen.
- Höhen im Bereich um 4-5 kHz an der realen Bassdrum anheben... merken Sie, dass der Klang insgesamt tiefer, subiger und fester wird? Oder wird er dünner?
- Mittlere Frequenzen im Sample absenken... wird die Bassdrum klarer, weniger maskierend im Gesamtmix und kantiger? Oder verliert sie Körper und „oberen Brustbereich“?
Das sind Beispiele für das Verarbeiten einzelner Spuren. Fürchten Sie sich nicht davor, die Dinge ruhen zu lassen, wenn keine der Experimente Sie zufriedenstellt. Möglicherweise sind Sie mit der Bassdrum so, wie sie ist, perfekt einverstanden!
Jetzt arbeiten Sie am Bassdrum-Bus:
- Heben Sie die Höhen um 4-5 kHz an... gewinnt die Bassdrum an Kante und Charakter? Oder wird sie etwas zu seltsam und gefälscht?
- Komprimieren Sie den Bus mit Ihrem Lieblingskompressor... klingt die Bassdrum „zusammen“ und kohärent? Oder verliert sie den Bass und die Präsenz?
Mit ein wenig Experimentieren werden Sie beginnen zu verstehen, was Sie tun müssen, um ein spezifisches Problem in Ihrer Session zu lösen. Und mit der Zeit, je mehr Sie mixen, desto mehr werden Sie in der Lage sein, in Sekundenbruchteilen zu erkennen, was zu tun ist.
5 - Lassen Sie uns praktisch werden.
Hier ist ein Auszug aus einer Aufnahme-Sitzung, die ich im Fuseroom gemacht habe. Die ursprüngliche Session hatte etwa 10 Mikrofone am Schlagzeug, aber ich habe absichtlich alle außer dem Inneren der Bassdrum und dem Oberteil der Snare entfernt. Dann habe ich auch die Overheads und das Mono-Raum-Mikrofon hinzugefügt, um zu demonstrieren, wie Samples großartig zur Verbesserung beitragen können... aber der Einsatz von echtem Luft, echten Drums und echten Mikrofonen ist unerreicht.
Die RS W2377 und W2395 Filter, die im letzten Beispiel verwendet werden
Die obigen Schritte haben mir immer geholfen, eine sample-süchtige Session so „bereit“ klingen zu lassen, wie es vorher nicht möglich war. Etwas zu haben, das großartig klingt, ohne dass es verarbeitet wird (oder mit wenig mehr) ist ein fantastisches Gefühl für jeden Tontechniker... aber es ist auch großartig für den Zuhörer, da nichts die natürliche Harmonie mehrerer Teile, die mühelos zusammenarbeiten, übertrifft. Wie oft haben Sie Plugins übereinander gestapelt, um einen bestimmten Klang zu erreichen und sind nach stundenlangem Herumspielen kläglich gescheitert? Ich weiß, dass ich dort war.
Wenn Sie Ihren gewünschten Klang schneller und effizienter erreichen können, werden Sie glücklicher sein, Ihre DAW wird weniger Energie verbrauchen, der Planet wird grüner sein und letztendlich werden Sie mehr Zeit haben, um mit Ihren Freunden Fußball zu spielen!
Alberto.
Alberto Rizzo Schettino ist Pianist, Synthesizer-Liebhaber, Tontechniker und Teil der Puremix-Familie seit 2013. Er ist der Inhaber des Fuseroom Recording Studios in Berlin und arbeitet auch als Produktspezialist für einige der besten Marken im High-End-Audio-Bereich.
Fuseroom Recording Studio: http://www.fuseroom.com
Albertos Webseite: http://www.albertorizzoschettino.net
