Mixanalyse von Fab Dupont
Der Track
Ein nostalgischer Moment
Dieser MixCheck ist ein nostalgischer Moment. In den frühen 80er Jahren veröffentlichte der großartige Quincy Jones ein Soloalbum mit dem Titel The Dude.
Zu diesem Zeitpunkt war er Ende 40, hatte so gut wie alles erreicht, wovon ein Musiker und Produzent träumen kann, und ahnte nicht, dass er im folgenden Jahr mit der Produktion von Michael Jacksons Thriller-Album noch legendärer werden würde.
Das A-Team der Ära
Es ist sehr interessant, das Ergebnis der harte Arbeit des A-Teams der damaligen Zeit (Quincy, Bruce Swedien, Michael Jackson, James Ingram, Stevie Wonder, Rod Temperton, Patti Austin, Louis Johnson, John Robinson, Greg Phillinganes, Paulinho Da Costa, Michael Boddicker usw. usw.…) zu analysieren und es mit der heutigen Ästhetik zu vergleichen.
Es ist auch faszinierend zu beobachten, wie sich diese Platten auf moderne Aufnahmen auswirken, welche Details übernommen und welche Ideen gestohlen wurden.
Hier anhören
Die Darbietung und der Kontext
Band, Konsolen und echtes Spielen
The Dude ist der zweite Track des Albums. Das erste auffällige Detail ist, wie lang er ist: 5:38 Minuten. Eine Seltenheit heutzutage.
Beachten Sie, dass dieses gesamte Album auf Bändern und Konsolen ohne Groove-Bearbeitung oder viel Tweaking jeder Art produziert wurde. Jeder Effekt war ein Stück Hardware und wurde wahrscheinlich auf verschiedenen Tracks geteilt, und, was noch wichtiger ist, alles, was Sie hören, wurde tatsächlich so gespielt.
Das bedeutet, dass der Schlagzeuger, der Bassist und der Keyboarder etwas spielen konnten, das sich so gut anfühlt, ohne elektronische Hilfe. (Das ist der Grund, warum immer wieder die gleichen Namen auftauchen, wenn Sie die Musiker-Credits aus dieser Ära lesen. Wenn Sie dieses Team engagierten, hatten Sie eine Aufnahme, die groovte, ohne sie zu überarbeiten).
Echte Musikalität
Das bedeutet auch, dass der Keyboarder dieses Wurlitzer-Riff das ganze Lied über gespielt hat, ohne Loops, ohne irgendwelche Tricks.
Hören Sie sich den gesamten Track mit diesem Gedanken an und reflektieren Sie, ob wir Fortschritte gemacht haben oder nicht.
Struktur
Ungewöhnliche Anordnung
Beachten Sie die ungewöhnliche Struktur und freie Interpretationen der Abschnitte.
Es gibt zwei Intros, jede Strophe besteht aus 2 Sub-Strophen. Es gibt einen instrumentalen Horn-Break, der mehrmals in verschiedenen Varianten vorkommt, die Refrains sind entweder gesungen oder instrumental oder beides auf irgendeine Art und Weise, die Brücke ist ein Keyboard-Solo von Stevie Wonder, das von Riffs des Frauenchors umrahmt wird, und dann geht es in die Ad-libs. Kaum eine radiofreundliche Struktur.
Die Strophen werden von einem Frauenchor eingeführt, und dann singt James Ingram seinen Teil. Jedes Mal, bis auf die 3. Strophe, wenn er ohne sanfte Einleitung einsetzt (Der Chor singt ein brückenähnliches Riff kurz vor Strophe 4, aber ein anderer Teil). Die 3. Strophe ist eine Wiederholung von Strophe 1b, springt aber direkt zum Refrain anstatt durch den Horn-Break zu gehen und dann einen weiteren Rap zu machen.
Songstruktur
- Intro. (Gitarre und Fills)
- Intro 2 (mit Strophen-Groove)
- Strophe 1a (Frauenchor)
- Strophe 1b (James Ingram)
- Horn-Break
- Rap-Strophe von Quincy
- Refrain mit Backing Vocals.
- Re-Intro
- Strophe 2a (Frauenchor)
- Strophe 2b (James Ingram)
- Horn-Break 2
- Rap-Strophe 2
- Refrain (mit Altsaxophon statt Lead-Vocals)
- Brücke-artiges vocal riff.
- Keyboard-Solo. Danke Stevie.
- Horn-Break 3 (zweimal so lang wie vorher)
- Brücke-artiges Vocals
- Riff erneut
- Strophe 3 (James Ingram)
- Refrain mit Backing Vocals und Antworten; Refrain mit badass Ad-libs von James Ingram
- Instrumentaler Refrain mit Ad-lib und Back-Antworten
- Fade
Wenn Sie einfach hören, ohne genau hinzuhören, scheint es nicht so elaboriert, aber es entwickelt sich ständig weiter. Es bleibt interessant, obwohl es größtenteils eine Ein-Akkord-Tasche ist, außer im Refrain. Wer hätte das gedacht?
Musikalische Details
Lässige Teile, menschlicher Groove
Weitere musikalisch interessante Details, die mich immer wieder zu diesem Track zurückgebracht haben, neben dem großartigen Spiel und Gesang, sind die lockeren Instrumentalparts. Sie sind Parts, aber die Spieler interpretieren sie und variieren und verzieren sie zufällig, etwas, das wir in der Copy-Paste-Ära fast vollständig verloren haben.
Es ist auch sehr aufschlussreich, sich auf den Drum-Groove zu konzentrieren. Das gesamte Gleichgewicht stammt tatsächlich von einer Cowbell.
Die Kraft einer Cowbell
Paulinho Da Costa spielt, was anscheinend eine mittelgroße Cowbell ist, die auf einem Ständer montiert ist, bei fast jedem Schlag vier viertel des Songs (Gehen Sie nachprüfen, ich warte).
Wenn er stoppt, hält die gesamte Bewegung des Tracks an.
Ist das nicht erstaunlich?
(Manchmal kann man hören, wie er einen Achtelnote spielt, nur um zu zeigen, dass er lebt und wohlauf ist. Man kann auch die Cowbell und das Snare-Flam ein paar Mal hören).
Piano und Klatschen
Ich liebe auch die großen Stereo-Piano-Tiefen, die nur zweimal auftauchen, um das Slap-Bass-Riff im Intro und in der Brücke zu akzentuieren. Es lässt mich fragen, was sonst noch mit dem Piano auf diesem Track zusammen war.
Bitte denken Sie daran, dass Klatschen zu dieser Zeit tatsächlich von Menschen gemacht wurde. Es scheint einfach zu sein in der Theorie, aber es ist nicht leicht, eine Gruppe von Musikern dazu zu bringen, den richtigen Groove zu haben und dazwischen leise zu sein und den richtigen Klang zu erzeugen.
(Probieren Sie es bei Ihrem nächsten Song anstelle einer Sample und senden Sie mir eine Postkarte)
Sie haben es perfekt gemacht, sowohl Groove als auch Klang. Beachten Sie, wie sie zu Beginn des Tracks in leichteren Weise präsent sind (weniger Menschen klatschen), aber dann für den Refrain anschwillen.
Wenn wir dabei sind, ist es eine gute Idee, den Refrain zu studieren.
Gegenspruch und Arrangement
Schichtete musikalische Konversation
Der Refrain ist ein Studium der Gegensatzmeisterschaft: zwischen den Leads, den Hintergrundgesängen, den Hörnern, dem Keyboard-Riff und dem Slap-Bass. Es ist ein so enges Stück Schreiben und Arrangieren mit fehlerfreier Ausführung.
Innovation und Stil
Frühe Verwendung von Vocoder und Rap
Weitere bemerkenswerte Details sind die Verwendung eines Vocoder für Antworten in den Strophen (30 Jahre vor Daft Punk) und die Tatsache, dass Quincy auf dem Track rappt.
Das war etwa 1980, Rap hatte gerade erst New York verlassen, es war definitiv kein Mainstream-Stil. Es war mutig von Quincy, dies auf einer Mainstream-Platte zu tun. Es zeigt, wie in Kontakt, und oft voraus, Quincy Jones hinsichtlich der musikalischen Trends während seiner Karriere war.
Sonic Perspective
Echte Instrumente, echte Dynamik
Sonisch sollte Sie das erste, was Ihnen auffällt, dass es nicht sehr fett klingt. Oder? (Gehen Sie vergleichen Sie es mit Angel von Massive Attack oder einem neueren Track wie Tom Ford von Jay-Z und lassen Sie uns sprechen).
Warum ist das so? Weil das echte Instrumente sind und keine besonderen Effekte für das Bottom-Faking verwendet werden (Sie existierten nicht oder waren in der Anfangsphase). Eine echte Bassdrum wird niemals so fett aufgenommen wie ein 808 Kick, es sei denn, Sie verwenden Technologie, um sie so zu machen. (Hören Sie sich Ihren Schlagzeuger im Probenraum an und berichten Sie. Pock. Pock. Pock).
Zu diesem Zeitpunkt war es üblich, dass die E-Gitarre fetter war als der Kick, genau wie in diesem Track, weil das das war, was Sie aus den tatsächlichen Instrumenten erhielten.
Beziehung zwischen Bass und Kick
Beachten Sie, wie laut der Bass ist, übrigens. Es ist rund und gleichmäßig und ist das Zentrum des gesamten Tracks. Das war wahrscheinlich einer der dicksten Tracks zu dieser Zeit, was von diesem Team zu diesem Zeitpunkt zu erwarten war. Eine ernsthafte Kombination aus kontrolliertem Spiel, Kompression und Riding ermöglichte es, den Bass so laut zu machen.
Beachten Sie die Beziehung zwischen dem Bass und der Bassdrum, sie ist sehr unterschiedlich von dem, was heute passieren würde, wenn das gemischt werden würde. Die Beziehung wäre wahrscheinlich umgekehrt.
Tönal- und Raumwahl
Vintage Lautsprecher Logik
Beachten Sie auch, wie laut die Klatschen in den Refrainabschnitten sind und wie dünn die Toms klingen, wenn sie gespielt werden. Alles sehr zeitlich abgestimmte Töne, aber um die ästhetischen Entscheidungen des Mixes vollständig zu verstehen, ist es wichtig, den Mix auf kleinen Lautsprechern wie Auratones zu hören oder ähnlichem. Sie werden hören, dass alles auf diesen Lautsprechern Sinn macht. Sogar das Bottom. Wenn Bruce Swedien es heute mischen würde, wäre es sehr anders. (Wahrscheinlich immer noch gut auf Auratones)
Vocallevels und Effekte
Subtile vokale Balance
Während wir bei den Levels sind, achten Sie auf die vokalen Levels.
Besonders auffällig sind die Chorgesänge.
Beachten Sie, wie bescheiden sie im Vergleich zu modernen Standards sind. Fast wie einer der instrumentalen Teile.
Das Gleiche gilt für den Frauenchor, der die Leads beantwortet. Die meisten Vocals sind ziemlich weit zurückgeschoben. Der Rap ist etwas lauter. Er hatte auch Reverb.
Das ist spaßig und heutzutage selten zu hören.
Gemeinsamer Reverb-Raum
Tatsächlich teilen sich die meisten Vocals den langen Platten-Reverb, zusammen mit Klatschen, Althorn und der Lead-Gitarre. Vielleicht ein EMT140. Überprüfen Sie das. (Wenn Sie die Möglichkeit haben, hören Sie sich den Mix in Mono an und sehen Sie, wie der Reverb einiges verschwindet)
Gitarren- und Hornbehandlung
Panning und Breite-Tricks
Die Gitarren sind recht dünn gehalten und an die Seiten verschoben, um nicht mit dem Wurly-Riff zu kollidieren.
Sogar die Stereo-Parts, wie das Intro oder das quasi-Solo der Brücke, sind wirklich Mono-Aufnahmen mit einem kurzen Delay, die gegensätzlich gepannt sind.
Es ermöglicht einen breiten Klang, spart einen Track auf der Bandmaschine (Hey, sie benötigten ihn für das eine Klavierpart) und schafft Platz in der Mitte.
Horn-Power
Die anderen Bewohner der Seiten sind die Hörner, sehr Erdwind und Feuer im Geiste, die hereinkommen, um den Refrain schön zu heben. Sie sind ziemlich laut, lauter und präsenter als die Vocals zum Beispiel. Interessant, oder? Beachten Sie, wie sie in den beiden Refrains am Ende nicht spielen und erst mit einem neuen Teil für den Fade zurückkommen. Nett.
Analoge Bearbeitungszauberei
Bandbearbeitungen von Hand
Ein weiteres interessantes Merkmal dieses Tracks ist die Montagearbeit, die anscheinend stattgefunden hat. Vor digitalen Bearbeitungen bedeutete Kopieren und Einfügen, eine Schere zu einem Stück Tape zu nehmen und es dort wieder zusammenzukleben, wo man es wollte. Es muss erlebt werden, um geschätzt zu werden (Ich prophezeie viel weniger Fluchen an Ihrem DAW, nachdem Sie einen Schnitt an einem 2 Zoll-Bandmaster versucht haben).
Finden Sie die Schnitte
Hören Sie sich das erste Intro an (das, bevor der Strophen-Groove kommt). Beachten Sie, wie die Drums anders (dunkler) klingen und wie die Vocals ganz anders sind.
Ich vermute, dass dies ein anderer Teil des Songs war (wahrscheinlich Teil der Brücke, wenn Sie den Gitarrensound hören, oder vielleicht ein anderer Song), und dass es als Teil eines groben oder finalen Mixes auf zwei Tracks gemischt wurde.
An einem anderen Punkt schnitt jemand diesen Teil heraus (vielleicht um Stevie am Solopiano hinzuzufügen), und dieses Stück Tape wurde gerettet und irgendwann als erstes Intro hinzugefügt.
Überprüfen Sie den Schnittpunkt, wenn der Groove startet. Boom.
Ein weiterer interessanter Schnitt ist am Ende des ersten Horn-Breaks. Beachten Sie, wie der Nachhall einfach ausfällt. Das ist ein ernsthafter Schnitt. Wäre das heute in Ordnung?
Kleine Mix-Überraschungen
Ein Tape Punch Easter Egg
Ein weiteres lustiges nerdiges Detail kann gegen Ende des Tracks gehört werden, wenn der Refrain wiederholt wird und James Ingram mit Ad-libs einsetzt. Beachten Sie das Wort 'out' in 'Ain't nobody out there'.
Was ist das??
Ich schlage vor, dass es ein etwas zu später Punch war (Bandmaschinen hatten nicht die sofortige Punch-Fähigkeit, sie waren manchmal ein bisschen faul und das Puncturing war eine Kunstform), und für einen kurzen Moment hörten Sie sowohl die Originalaufnahme als auch den Punch, die um Aufmerksamkeit kämpfen.
Da haben Sie es, Pitch-Twirling 30 Jahre vor T-Pain.
Sie entschieden sich offensichtlich, es beizubehalten, weil sie nicht fühlten, dass es wichtig war. Auch darin liegt eine Lektion.
Gesamtmeinung
Eine Meisterklasse in Musikalität
Insgesamt ist dieser Track ein Schatz an Fähigkeiten.
Es braucht einige Dutzend Anhörungen, um die Quelle des Grooves, die sehr ungewöhnliche Wahl der Balance, die verrückte Struktur und die Gesangsarrangements vollständig zu erfassen und um zu versuchen, ihn mit den vielen, vielen Songs zu verbinden, die durch ihn inspiriert wurden und ihm gefolgt sind.
Weitere herausragende Tracks
Weitere erstaunliche Grooves auf dem Album sind
-
“Betcha Wouldn’t Hurt Me”
-
“Ai No Corrida”
Beide sind jeden Cent wert und ebenso zeitlos.
Fab
