Usare campioni per migliorare i brani di batteria è una pratica comune in più generi musicali di quanto tu possa immaginare. Che il tuo pubblico sia vestito per una notte electro o stia sfoggiando braccialetti chiodati e giacche di pelle nera, parte della musica che ascolta conterrà tale tecnica di mixaggio, senza che nessuno se ne accorga.
E non c'è motivo per cui dovrebbero farlo, perché non importa quanto sia ambita questa tecnica, non ha nulla a che fare con il barare o con l'evitare l'uso di costosi microfoni e preamplificatori. Dal momento che ciò che conta alla fine è il suono finale del tuo disco, il triggering della batteria e i miglioramenti dei campioni possono essere esattamente ciò di cui hai bisogno per evitare catene infinite di EQ e compressori che non ti portano da nessuna parte.
Il motivo per cui volevo scrivere questo articolo deriva dal fatto che nell'ultimo anno ho visto questa tecnica utilizzata con un ritmo sempre crescente, specialmente da artisti e band che decidono di avventurarsi nella produzione autonoma del proprio disco. Metà delle sessioni che ho ricevuto nell'ultimo anno presentavano una miscela di brani acustici e campioni attivati per la sezione ritmica e praticamente tutte hanno sofferto di una serie di problemi che avrebbero potuto essere evitati se i produttori avessero seguito alcune semplici linee guida.
Raccolto in questo pezzo di carta virtuale c'è una raccolta di suggerimenti che mi hanno davvero aiutato nel corso degli anni. La mia idea è di scriverlo come una sorta di lista di controllo in modo che tu possa tenerla al tuo fianco ogni volta che la parola S viene pronunciata ad alta voce nella tua sala di controllo (“S” per Samples..).
1 - Usa MIDI, abbandona MIDI
Come pianista e tastierista, ho mangiato MIDI a colazione (ha un sapore terribile). All'epoca, il MIDI era uno delle grandi novità nella musica.. anche ora è senza dubbio sorprendente da usare e rende la vita più facile in diverse situazioni, ma - per me - è un incubo in qualsiasi sessione di mixaggio. Capisco di essere diventato molto scettico nel tempo perché ora registro i miei sintetizzatori hardware direttamente in audio senza preoccuparmi delle loro capacità MIDI. Il motivo di ciò è che, spesso, ciò che ho registrato non suonava come ciò che avevo suonato. Non è il luogo e il momento per approfondire i dettagli tecnici, ma è noto che il MIDI può diventare instabile, soprattutto quando vengono trasferiti molti dati (vale a dire, controller continui come i pedali del volume e i controller di respiro).
Il triggering della batteria non richiede una miriade di dati MIDI, ma siamo tutti d'accordo che rimuovere variabili indesiderate è un grande vantaggio. Gli strumenti virtuali sono sempre stati la causa principale dei crash delle DAW nel mio libro, con il loro streaming su disco, buffering della RAM, multi-sample, funzioni integrate, interfacce sofisticate, ecc. Inoltre, aggiungono dipendenze alla tua sessione: non ogni ingegnere del suono ha le stesse identiche librerie sonore che hai tu!
Ti suggerirei di utilizzare tutto il MIDI che vuoi durante la fase di produzione, perché è allora che devi essere in grado di portare le tue idee nella realtà nel minor tempo possibile. Poi, quando il tuo brano è prodotto, anche se non è ancora pronto per il mix, impegnati nelle tue scelte e registra quei campioni.
Il modo più semplice è creare una nuova traccia audio (mono o stereo a seconda delle tue esigenze) e poi impostare il suo input su un bus, poi instradare l'output del tuo strumento virtuale a quel bus. Fai questo per ogni strumento virtuale e sarai in grado di registrare efficacemente ognuno in una traccia separata, in un solo passaggio.
Nel caso non tu stia utilizzando una libreria sonora completa per i tuoi campioni di batteria e invece utilizzi plugin che effettuano la sostituzione in tempo reale, ti consiglio comunque questo passaggio prima di procedere al mixaggio. Il motivo è, di nuovo: è buona pratica eliminare qualsiasi dipendenza nella tua sessione per renderla facilmente apribile dall'ingegnere di mixaggio, senza rischiare strani messaggi di errore (che potrebbero farti perdere un'intera sessione in tempo!).
2 - Controlla di nuovo l'allineamento
Quindi, ora che ci sono rimaste solo tutte le tracce audio, siamo moderatamente al sicuro. Non dobbiamo più preoccuparci degli strumenti virtuali, delle interfacce MIDI, del buffering, dei picchi della CPU o dei gremlin audio, ma il viaggio davanti a noi ci porterà ancora in terre pericolose.
Sappiamo che i campioni di batteria sono ora scritti nella pietra (ossia in un file audio), ma non abbiamo informazioni su come il trigger ha deciso di posizionare il campione stesso. Poiché ogni colpo del tuo batterista è diverso, non c'è garanzia che il trigger posizioni il tuo campione nella stessa esatta posizione ogni volta. I produttori e gli ingegneri esperti imparano a lavorare con trigger specifici e si abituano a conoscerne il comportamento generale. Ma poiché nessuno nasce esperto, è più sicuro controllare di nuovo.
Niente batte semplicemente ascoltare le tue tracce acustiche E quelle attivate in solo. Diciamo che hai aggiunto due campioni alle tue tracce di batteria: uno per la grancassa e l'altro per il rullante. Metti sia la grancassa che il rullante (con i loro omologhi campionati) in solo e ascoltali:
- La grancassa suona "profonda", sempre allo stesso modo? Perde i suoi bassi in alcune parti (ad esempio quando il batterista suona più dolcemente)?
- Il tuo rullante suona incisivo, ogni volta? Ha lo stesso corpo?
- Le grancasse e il rullante hanno occasionali flams?
Se senti dei problemi, allora ci sono problemi.
“Ma…suonava bene quando abbiamo deciso sui campioni, settimane fa!” Beh, è pratica comune scegliere campioni basati su una parte specifica (come un ritornello) e poi dimenticare di controllare nuovamente l'intera sessione. Un trigger o uno strumento virtuale che “rileva” bene in un ritornello potrebbe perderlo in una parte diversa, come un breakdown più dolce.
I flams indesiderati sono chiaramente un problema, poiché introducono un colpo doppio artificiale e super veloce che non ha uso predefinito per te. Quando le differenze di allineamento si riducono, un ascolto attento rivelerà un cambiamento nel fondo o nel corpo degli strumenti, causato dalla cancellazione di fase.
Personalmente, non sono soddisfatto di un tale risultato e il motivo è semplice: se devo affrontare il fastidio di aggiungere qualcosa come campionamenti attivati alla mia sessione, deve essere buono e comportarsi esattamente come voglio: non ha senso spendere tempo a equalizzare e comprimere una grancassa per ottenere quel suono perfetto se la fonte stessa cambia di fase e carattere con ogni colpo o sezione della canzone.
Per nostra fortuna, le DAW moderne implicano variazioni del concetto di "tempo elastico" di Pro Tools, che ci permettono di adattare facilmente una traccia all'altra.
3 - Un piccolo affinamento serve molto
A questo punto abbiamo fatto del nostro meglio: abbiamo batteria che suona bene, buoni campioni, ci piace la relazione tra i due, ci siamo assicurati che non ci siano problemi principali con il nostro triggering. Quindi PENSIAMO di poter iniziare a mixare... il che significa che immediatamente abbiamo quella voglia di gate, high-pass, equalizzare e comprimere tutto con gli ultimi plugin del nostro arsenale (o hardware, se sei di quel tipo).
Imparare a resistere a questa voglia e concentrarsi invece su qualcos'altro è stato per me uno dei migliori miglioramenti personali come ingegnere del suono, senza dubbio. Invece di afferrare i miei plugin preferiti, ora di solito passo 5-10 minuti a concentrarmi su:
Allineamento temporale: ricordi quando ci siamo assicurati che tutti i campioni siano allineati alla fonte originale allo stesso modo? Quello è stato tempo ben speso, perché ora possiamo creare un offset con qualcosa come un plugin di delay molto semplice, impostato al 100% WET, senza feedback o cose particolari, solo un delay in millisecondi (ancora meglio se in decimi di millisecondo!). Prendi il campione della grancassa e inizia a ritardarlo in piccoli incrementi, anche 1-2 millisecondi possono essere tanti! Potresti trovare un punto in cui i due suoni non sono allineati ma generano un timbro che ti piace. Ora sai di avere un disallineamento sistematico che fornisce costantemente il risultato desiderato, invece di avere semplicemente qualcosa che “ci assomiglia”. Il tuo EQ ti ringrazierà!
Corrispondenza di fase: inizia a invertire la fase sui tuoi campioni… senti la grancassa diventare più profonda nel fondo? O più sottile? Ha un suono nasale? Perde un suono nasale?
Una volta che sei a posto con quanto sopra, aspetta prima di festeggiare: hai controllato tutto contro gli altri microfoni (overheads, microfoni per la stanza, ecc.)? Fai per controllare e, se senti che qualcosa sta tornando a essere rimbombante, nasale, fangoso, troppo profondo, troppo sottile e generalmente “non come lo desideri”, torna indietro e inizia a regolare le cose una alla volta, ascoltando tutti i microfoni.
Qualcosa di assolutamente brillante da cui non mi separerei mai in situazioni come queste è il Little Labs IPB Phase Alignment Tool, realizzato in forma di plugin da Universal Audio. Questo piccolo strumento ha tutto: puoi ritardare e invertire la polarità, ma puoi anche lavorare dolcemente da 0 (polarità normale) a 180 gradi (polarità invertita). È sorprendente ciò che puoi ottenere semplicemente spostando la fase di 10 gradi o giù di lì, e questo va ben oltre qualsiasi cosa tu possa ottenere equalizzando le tue tracce.
4 - Impara quando dividere e quando unire
Infine, come processi le tue batterie? Separatamente, ottenendo il meglio da ogni traccia? O come un insieme, elaborandole sul loro bus? Devi essere in grado di fare entrambi e discernere quando agire su elementi singoli e quando agire sull'insieme. Lascia che le tue orecchie ti dicano dove andare… e per lasciarle farlo.. devi allenarle:
Un ottimo modo per farlo è sperimentare e ascoltare: prendi ad esempio una grancassa composta da due tracce, una registrazione reale dell'interno della grancassa e un campione aggiunto. Quali sono i forti componenti di ognuna? Diciamo che l'interno è probabilmente lì per darti carne, un suono “pelle contro testa” di cartone reale e il campione è utilizzato per ottenere quel sub controllato e costante e quel bordo affilato che lo fa emergere in un mix affollato.
- High-pass i bassi sulla grancassa reale… senti il suono nel suo insieme diventare più profondo, più sub e più serrato sul fondo? O sta diventando più sottile?
- Scava i medi sul campione… la grancassa sta diventando più chiara, meno mascherata rispetto all'intero mix e più incisiva? O sta perdendo corpo e “altezza”?
Questi sono esempi di elaborazione su tracce singole. Non avere paura di lasciare le cose così se nessuno degli esperimenti ti soddisfa. Potresti essere perfettamente a posto con la grancassa così com’è!
Ora lavora sul bus della grancassa:
- Aumenta i medi-alti intorno ai 4-5 kHz… la grancassa guadagna un po' più di carattere e incisività? O diventa un po' troppo strana e artificiale?
- Comprimi il bus con il tuo compressore preferito… la grancassa suona più “insieme” e coerente? O perde profondità e presenza?
Con un po' di sperimentazione inizierai a capire cosa devi fare per risolvere un problema specifico nella tua sessione. E con il tempo, più mescoli e più saprai cosa fare in pochi secondi.
5 - Mettiamoci al lavoro.
Ecco un estratto da una sessione di registrazione che ho fatto al Fuseroom. La sessione originale presenta circa 10 microfoni sul set di batteria, ma ho deliberatamente rimosso tutti tranne l'interno della grancassa e la parte superiore del rullante. Poi ho anche portato gli overhead e un microfono mono per la stanza per dimostrare come i campioni possano essere ottimi per migliorare… ma non c'è niente di meglio di avere aria reale, batterie vere e microfoni veri.
I filtri RS W2377 e W2395 utilizzati nell'ultimo esempio
I passaggi sopra descritti mi hanno sempre aiutato a portare una sessione dipendente dai campioni a suonare “pronta” in un modo che prima non era possibile. Avere qualcosa che suona bene senza elaborazione (o con pochissima) è una sensazione fantastica per ogni ingegnere del suono... ma è anche fantastico per l'ascoltatore, poiché nulla batte l'armonia naturale di più parti che lavorano insieme senza sforzo. Quante volte hai impilato plugin uno sopra l'altro cercando di ottenere un suono specifico e fallendo miseramente dopo ore di tentativi? So di esserci passato.
Se puoi raggiungere il suono desiderato più velocemente e in modo più efficiente, sarai più felice, la tua DAW consumerà meno energia, il pianeta sarà più verde e, in ultima analisi, avrai più tempo per uscire e giocare a calcio con i tuoi amici!
Alberto.
Alberto Rizzo Schettino è un pianista, appassionato di sintetizzatori, ingegnere del suono e parte della famiglia Puremix dal 2013. È il proprietario del Fuseroom Recording Studio a Berlino e lavora anche come specialista di prodotto per alcuni dei migliori marchi di attrezzature audio di alta gamma.
Fuseroom Recording Studio: http://www.fuseroom.com
Sito Web di Alberto: http://www.albertorizzoschettino.net
