Alcune band sono brave a reinventarsi. È difficile farlo, specialmente quando si ha avuto successo per molto tempo. La pressione di non sorprendere troppo i propri fan da farli perdere è pesante. Ci possono essere molte persone che dipendono dal continuo successo di un certo suono familiare. È per questo che la prima volta che ho sentito la canzone Madness alla radio, mentre guidavo un po' troppo veloce su piccole strade deserte negli Stati Uniti, l'ultima cosa che avevo in mente era che fosse il nuovo singolo dei Muse. Era così accattivante che ho effettivamente fermato l'auto sul ciglio della strada e ho lanciato Soundhound sul mio telefono per capire di cosa si trattasse prima che la canzone finisse (non scrivere messaggi mentre guidi).
Ascolta qui:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj
È un brano molto interessante oltre al fatto che non suona come il solito materiale dei Muse. È quello che chiamo un 'pressure cooker'. Si cuoce a fuoco lento per un lungo periodo prima di offrire il sollievo necessario. La struttura non è la solita versetto/ritornello-versetto/ritornello. È un versetto/ritornello, il che di per sé è interessante per un brano destinato alla radio. Se presti attenzione al tuo primo ascolto, noterai che non c'è una grande parte ripetitiva che funge da ritornello, invece l'attacco è pervasivo e torna più frequentemente. Dopo un'introduzione di 4 misure, il versetto consiste in 2 cicli identici di 8 misure seguiti da una sezione B di 8 misure (che termina con 'What you need'). Un assolo di chitarra prende il posto delle prime 16 misure del terzo versetto (con lo stesso ciclo armonico), poi la sezione B viene elevata e infine decolla. Viene ripetuta 8 volte e poi si trasforma in una sorta di bridge (stesso bed musicale, melodia e testi diversi) dopo due cicli. La conclusione è una ripetizione della parte più iconica del versetto, il 'mamamamamamaaaaa' in stile Beach Boys.
Informazioni di base: La parte 'ritornello' di un versetto/ritornello è solitamente una singola linea o parola che si ripete alla fine del versetto. (Ascolta 'Blowing in the Wind' o 'The Times They Are a-Changin' di Bob Dylan). A volte gli autori usano la struttura versetto/ritornello ma giocano con la posizione della linea del ritornello (Ascolta "Yesterday" di una buona band britannica chiamata The Beatles... per un esempio chiaro. Suggerimento: il ritornello è 'yesterday'). Se sei confuso sulle differenze tra versetto/ritornello e verso ritornello, ascolta "Yesterday", poi ascolta subito "Yellow Submarine" (stessa band britannica, album diverso)... dovrebbe aiutarti.
Nella nostra canzone, il ritornello è una combinazione di quel 'mamamamamamama' in stile Beach Boy e dell’allitterazione del suo ritmo nella linea di basso. Divertente. Nota come il riff arriva fino alla parola completa 'madness' solo alla fine della canzone. Roba interessante.
Dal punto di vista della produzione, c'è molto dei Queen e molto di George Michael. (Non ci credi? Dai un'occhiata a Faith e I Want To Break Free per rinfrescarti la memoria). Penso che sia impressionante quanto sia efficace la produzione, considerando quanto sia semplice. Il versetto è costruito su un paio di bassi sintetici (panoramici in stereo), un kick e qualcosa di clap/snare, e ovviamente il ritornello/hook. A metà del versetto, un pad di singola nota glassata migliora la sezione e ne segna la fine con il suo ritiro. Pura ed elegante. Difficile da realizzare. Non ci sono suddivisioni, nessun hi-hat, nessun shaker, solo le due batterie e i bassi (la suddivisione è in parte fornita dai bassi ma comunque).
Nella seconda parte del brano (un 'song system' è una combinazione versetto/ritornello) entra una chitarra per raddoppiare il riff di basso, e i cori in stile Queen intervengono e sollevano tutto. I primi veri accordi entrano a metà su quel patch di marimba digitale che tutti abbiamo sempre saltato nella vita quando sfogliavamo le impostazioni (funziona bene qui). Nota la nota di pianoforte invertita che spunta dal nulla per segnare la transizione alla sezione B (Un altro riferimento ai Queen, dai un’occhiata a Another One Bites the Dust). Roba figa.
L'assolo di chitarra è puro Brian May in stile We Will Rock You. È stato raddoppiato perfettamente, il che è un segno che è stato scritto con attenzione. Fai attenzione alle differenze di suono e performance da sinistra a destra che creano una texture interessante. Nota anche come il riff vocale viene mantenuto per intrattenerti mentre la chitarra fa il suo lavoro. Quando la sezione B riparte, in sostanza è lo stesso arrangiamento di prima, tranne per la suddivisione che entra su quelli che sembrano shaker e alcuni vocal pad oooooo per riempirla. Prenditi un minuto per andare e tornare tra questa sezione B e quella precedente per vedere quanto fa la differenza l'aggiunta della suddivisione. Incredibile, vero? Nota anche come il rullante cambia posizione e ruolo. Vedi come la massa dei pad spinge il rullante dal suo posto super avanti e centrale in una posizione più diffusa 'dietro'. Il kick rimane lo stesso. Ti piace quel cambiamento? L'avevi notato?
La sezione B si trasforma nel bridge grazie alla forza delle nuove linee vocali e a un sentimento diverso che si libera su di noi. (Vieni da me... Vieni a salvarmi) ma la musica è essenzialmente la stessa. Nota il pattern dell’hihat a sinistra che emerge dopo il riempimento del tom che segna l'inizio del bridge.
Il bridge si trasforma istantaneamente nella parte finale, che non è altro che il ritornello e la sua attesa conclusione. È importante notare che la maggior parte delle canzoni 'versetto/ritornello con bridge' usano il bridge come una pausa per separare il 2° e il 3° versetto/ritornello in modo che tu non ascolti tutti e tre i «song systems» identici di seguito. In questo caso particolare, gli autori hanno allungato la sezione B del terzo versetto e l'hanno estesa in un bridge senza ulteriori intenzioni di tornare a un altro versetto. Hanno aggirato la monotonia del terzo versetto trasformandolo in un assolo di chitarra. Perché no? Funziona. Tornare a un versetto completo dopo quel bridge sarebbe stato troppo. Inoltre, probabilmente aveva già detto tutto ciò che aveva da dire a quel punto. Avrebbe potuto scegliere di dire quello che ha detto nel bridge su una sezione di versetto, ma probabilmente ha sentito che il suono più epico del bridge fosse un letto migliore per il sentimento che cercava di trasmettere. (Riscoltalo di nuovo)
Dal punto di vista del mix, è molto educativo vedere cosa ha fatto Spike Stent qui. Il versetto è asciutto come un osso. Giusto? In realtà c'è una sorta di breve ritardo sulla voce principale e l'interazione delle 2 linee di basso crea spazio ma senza coda. Il pad è abbastanza umido in contrasto, permettendogli di sentirsi dietro il resto. Il rullante e il kick sono asciutti. (Nota come il kick non sia mixato molto forte). Nel 2° versetto anche la chitarra è asciutta. Come i cori di sottofondo. Anche le marimbe seguono lo stesso schema. C'è un motivo per questo. Tutto sembra molto intimo e presente. Il tono è impostato e la pressione è alta. C'è molto spazio da sfruttare. Cosa succede nel terzo versetto/assolo di chitarra? Già, apre alcune reverberazioni sulle batterie. Ti sta preparando al cambio di palcoscenico sonoro che arriva nella sezione B successiva.
Poi quando colpisce la sezione B, l'intero rapporto umido/asciutto cambia. Questa è una parte particolarmente cruciale e difficile. È molto difficile mantenere una voce asciutta quando è circondata da così tante cose. Ecco perché, se presti attenzione, sentirai riverbero e ritardi apparire sulle voci, ma sono molto discreti in modo che tu non venga distratto dalla narrazione e il punto di vista del cantante non cambi troppo. Tutto il resto ha molto spazio (soprattutto i cori di sottofondo) mantenendo la sensazione di asciutto per il lead. La cosa che mi affascina è che anche Spike Stent non è riuscito a mantenere la presenza delle batterie nella stessa maniera in questa sezione come nelle strofe. È molto difficile mantenere la presenza di queste batterie quando l'ambiente cambia così drasticamente. Gli elementi sostenuti intorno a loro risucchiano tutta l'aria intorno e le fanno sentire più piccole e fragile; aggiungere riverbero per combattere questo le spinge indietro nel mix. È la battaglia definitiva e il motivo per cui i mix pesantemente stratificati tendono a non suonare bene come produzioni più leggere e sparse. Ma Spike Stent è uno dei migliori mixer in circolazione oggi, quindi tu che ne pensi? È stato un cambiamento di texture una scelta estetica? O era una situazione 'ciò che ha potuto fare con gli elementi a disposizione'? Faresti qualcosa di diverso?
Alla fine, questo è ottimo materiale di studio. Questo intero album è anche straordinario perché ti dà l'opportunità di studiare le differenze di filosofia e suono tra tre mixer di spicco. Spike Stent, Chris Lord Alge e Rich Costey (tutti masterizzati da Ted Jensen). Ti consiglio di ascoltare l'intero album e prendere appunti su quali sono i tuoi mix preferiti prima di scoprire chi ha fatto cosa. Non barare. È un buon esercizio e un buon modo per formare il tuo gusto.
Saluti,
Fab
