Riconsiderare i mix per le cuffie
Una delle richieste più comuni che un ingegnere sente durante una sessione è: "Puoi alzarmi il volume nelle cuffie?" La maggior parte dei musicisti e dei cantanti è abituata a sentirsi molto più forte rispetto al resto delle tracce nel proprio mix di ascolto. Negli studi commerciali dotati di postazioni di monitoraggio personali, che permettono ai musicisti di controllare il proprio mix di monitor, puoi scommettere che la maggior parte delle persone si aumenta significativamente rispetto al resto della band.
La filosofia di Matt Ross-Spang sui mix per le cuffie
In questo estratto da Start To Finish: Matt Ross-Spang - Episode 7 - Recording Acoustic Guitar, Matt offre una prospettiva diversa sul tema dei mix per le cuffie. Mentre si prepara a registrare gli overdub di chitarra acustica di Eli "Paperboy" Reed, parla della sua filosofia sui cue mix.
Matt, che è un produttore molto pratico, aggiusta la posizione del microfono per la chitarra acustica a corde nylon di Eli "Paperboy" Reed.
Il contesto è tutto
Al Sam Phillips Recording Service, dove si svolge la sessione, non dispongono di postazioni di monitoraggio personali, solo di distribuzioni per cuffie. Questa semplicità va benissimo a Matt perché non pensa sia produttivo lasciare che musicisti e cantanti controllino i propri mix in cuffia. Ritiene che inevitabilmente si alzeranno troppo e, di conseguenza, non riusciranno a sincronizzarsi completamente col groove.
Mix per cuffie che favoriscono il groove
Dando loro mix in cuffia in cui tutti sono a livelli approssimativamente simili a quelli che avranno nel mix finale, Matt crea una situazione che descrive come "quasi come suonare senza cuffie." Questo costringe tutti a concentrarsi sul groove collettivo, rendendo molto più probabile che si sincronizzino e offrano una grande performance.
Dice che se qualcuno ha davvero bisogno di sentirsi di più, in questo studio ha a disposizione un secondo cue mix che può inviare a quella persona. Sottolinea che nessuno si è lamentato dei livelli del proprio mix durante la fase di tracking di questa sessione.
La sessione si svolge al Sam Phillips Recording Service a Memphis, TN.
Ascoltare come i musicisti
In control room, a Matt piace ascoltare lo stesso mix—o almeno uno molto simile—a quello che sentono i musicisti. Sentendo i vari elementi miscelati a livelli da “mix finale”, può valutare se la configurazione di registrazione che sta usando (microfoni, posizionamento, catene di ingresso ecc.) stia funzionando o se abbia bisogno di apportare modifiche.
Lo stile produttivo di Matt è tutto incentrato su groove, vibe e suoni autentici, quindi la sua filosofia sui mix per le cuffie ha perfettamente senso in questo contesto.
Piuttosto che dare a ogni musicista molto più di se stesso nelle cuffie, Matt fornisce un cue con livelli simili a quelli del mix finale.
Locked In
Il concetto di groove è interessante. Quando musicisti esperti registrano insieme, si ascoltano e adattano il proprio modo di suonare—quasi inconsciamente—così da risultare il più possibile sincronizzati. Quando tutto funziona, i risultati possono essere sublimi.
Uno dei talenti di Matt come produttore è creare un ambiente—attraverso la scelta degli studi e delle attrezzature e il suo atteggiamento rilassato—that mette in luce il meglio dai musicisti e dai cantanti con cui lavora.
A Matt piace ascoltare lo stesso cue mix in control room che sentono gli artisti.
Creare il groove nella musica organica
Anche in uno studio commerciale con un gruppo di musicisti navigati, non è scontato riuscire a catturare grandi performance. Ma se stai producendo musica organica come R&B all'antica, blues, Americana, indie-folk, rock'n'roll o qualcosa di simile nel tuo home studio, può essere davvero impegnativo.
È particolarmente difficile ottenere un feel autentico se devi usare il MIDI al posto di alcuni strumenti. Tuttavia, ci sono alcuni accorgimenti che puoi adottare per far suonare la tua musica naturale e con il miglior groove possibile nelle circostanze.
Mantieni gli arrangiamenti centrati sugli strumenti reali che hai a disposizione. Se devi usare loop di batteria (MIDI o audio) invece di un batterista reale, puoi registrare sopra della percussione a mano, o dei crash dal vivo (se ne hai accesso) per aiutare ad allentare il feel del brano.
E, naturalmente, segui il consiglio di Matt e non alzare troppo te stesso (o un altro musicista che stai registrando) nel mix di monitor quando fai overdub su tracce esistenti.
Prima questo poi quello: costruire il groove dalle fondamenta
Se stai sovrapponendo le tracce man mano che procedi, la batteria dovrebbe essere registrata per prima (salvo forse una traccia di riferimento accordale e una voce provvisoria). La parte di batteria fornisce una base ritmica e, quando registri chitarre, bassi e altri strumenti, darà qualcosa con cui sincronizzarsi. Se registri alcune di quelle tracce prima che la batteria sia pronta, non saranno altrettanto ritmicamente salde.
Anche se usi batterie MIDI, è comunque meglio averle in posizione prima di registrare altre tracce definitive. Per stili di musica organica, può essere molto efficace usare loop MIDI registrati da batteristi reali che suonano kit MIDI. Di solito non sono quantizzati, quindi hanno un feel molto più realistico. Molti strumenti virtuali per batteria offrono groove di questo tipo.
Pensare come un batterista
Un grande vantaggio delle batterie MIDI rispetto ai loop audio è che sono molto più facili da editare. Se hai accesso a loop MIDI di buona qualità e a un batterista virtuale dal suono autentico, avrai molta più flessibilità per costruire le parti di batteria per tutta la durata della canzone.
È meglio avere la parte di batteria in posizione, sia che sia live sia che sia uno strumento come Toontrack Superior Drummer 3, così i musicisti che fanno gli overdub hanno un groove a cui agganciarsi.
Detto ciò, mettere insieme una parte per tutta la durata della canzone e farla suonare autentica è una sfida, anche con una buona raccolta di loop—sia MIDI sia audio. Non puoi ripetere lo stesso loop all'infinito. La parte dovrà cambiare, almeno in modo sottile, per le diverse sezioni del brano. Fortunatamente molte collezioni di loop offrono diverse variazioni su ciascun groove di base.
Puoi anche introdurre cambi dinamici nei punti opportuni con l'automazione del volume. Anche se i loop audio possono suonare più autentici di quelli MIDI, sono molto più difficili da editare se devi apportare modifiche all'interno di un loop. Quindi ci sono vantaggi in entrambe le soluzioni.
Fill ‘Er Up: usare efficacemente le batterie virtuali
Quando lavori con i loop, fai attenzione a come usi i fill. I fill forniti con le raccolte di loop sono spesso troppo pieni di note. Nella maggior parte dei casi, meno è meglio, e cerca di non ripetere gli stessi fill in più punti della canzone.
Se usi Apple Logic Pro X, hai accesso alla funzione Drummer, che fornisce batterie virtuali dal suono autentico, facili da programmare e disponibili in molti kit diversi. Inoltre, se usi uno dei Producer Kit inclusi, puoi aprire ciascuna batteria su una traccia separata e mixarle come faresti con un kit reale.
La funzione Drummer di Apple Logic Pro X include Producer Kit che possono essere aperti in mixer con tutte le battute su canali separati.
Riesci a distinguere la differenza?
L'esempio audio seguente presenta tre brevi estratti di batteria, uno dopo l'altro. Uno proviene da un loop audio di un batterista famoso, uno dalla funzione Drummer di Apple Logic Pro X e uno da Toontrack Superior Drummer 3, un eccellente strumento virtuale per batteria che include molti groove. Sono stati tutti leggermente processati. Prima di guardare la risposta qui sotto, ascolta e vedi se riesci a dire quale dei tre è il batterista reale.
La risposta è il numero due. I loop provenivano dalla collezione di Simon Phillips di The Loop Loft.
Tutti i suoni di batteria nell'esempio suonerebbero piuttosto convincenti—supponendo che siano stati assemblati in parti autentiche per tutta la durata del brano—soprattutto con altri strumenti attorno in un mix.
