Introduzione
Mettere l'ego da parte e restare affamati di imparare
Prima di tutto, permettetemi di dire che è un grande piacere essere qui, e che apprezzo e rispetto Puremix perché credo che ci sia sempre spazio per crescere, imparare e migliorare nella mia arte. Non voglio mai raggiungere un plateau. In nessun modo mi considero qualcuno che afferma they've "got it all figured out". Ho lasciato l'ego fuori dalla porta anni fa, dopo aver visto persone brillantemente talentuose perdere i loro lavori perché erano dei megalomani arroganti (per dirla con delicatezza).
Per chi è questo articolo: compositori, produttori e collaboratori nel cinema e nei dischi
Detto ciò, potrei avere qualche parola di saggezza da condividere con compositori/autori/produttori discografici che lavorano con orchestre, archi, ottoni, registi, produttori, tecnici/mixer e altro ancora, sia nell'industria del film sia in quella dei dischi (ovviamente parte di questa saggezza l'ho appresa facendo errori, sia miei che altrui).
Una voce personale e una promessa: lezioni imparate dagli errori
Se ti interessa la composizione per film/tv oltre all'arrangiamento di archi/ottoni per i dischi, spero che ti piaceranno queste parole scritte da un nerd un quarto ebreo-nativo americano della San Fernando Valley che ama Henry's Tacos (punti bonus se conosci il posto!). Ok, iniziamo con l'articolo.
Chi è questo tipo?
Perché parlare di se stessi sembra “sgradevole” nella cultura di studio
Qui è dove faccio fatica - odio assolutamente parlare di me stesso, mi sembra proprio sgradevole. Forse è perché sono cresciuto nel mondo degli studi assistendo ad alcuni dei peggiori megalomani sulla Terra. Forse è il mio sangue ebraico, o forse è perché invece di guardare ai miei risultati passati per darmi una rapida carica di ego, scelgo di guardare avanti verso il prossimo progetto, ammirando contemporaneamente i miei modelli e i loro percorsi di carriera. Tuttavia, per dare ai lettori un po' di contesto su chi sta scrivendo questo articolo, adesso vomiterò un po' del mio background.
Restare occupati e connessi, anche con progetti che non vedono la luce
Per essere chiari, il gioco in questo mestiere è restare occupati e connessi. Questo richiede di fare molti progetti anche se non vedono la luce del giorno. Anche se un progetto non ha un grande nome attaccato, c'è sempre qualcosa da imparare in ogni esperienza.
Crediti e punti salienti in film, TV e produzione musicale
Alcune delle mie migliori lezioni le ho imparate così. Ho avuto la fortuna di aver composto le musiche per numerosi film e progetti con registi vincitori di più premi Academy, come Robert Zemeckis (conosciuto per "Forrest Gump", "Back To The Future", "Cast Away"), Dame Helen Mirren (conosciuta per "The Queen", "Gosford Park", "Monsters University"), Robert Duvall (conosciuto per "The Godfather", "Apocalypse Now", "The Road"), Davis Guggenheim (conosciuto per "Training Day", "It Might Get Loud", "An Inconvenient Truth") e il candidato all'Oscar James Franco (conosciuto per "127 Hours", "Spider-Man", "The Disaster Artist"). Inoltre, ho avuto l'incredibile piacere di comporre per numerosi progetti e film per National Geographic, tutti estremamente divertenti e gratificanti - un vero sogno che si avvera per me. Nel 2018 sono stato incaricato di scrivere un album per Warner Chappell Production Music, che ha visto la meravigliosa Utah Symphony e che è stato concesso in licenza in numerosi film, programmi televisivi e pubblicità. Un punto culminante recente della mia carriera è stato lavorare a stretto contatto con il regista vincitore dell'Academy Award Chris Buck (conosciuto per "Frozen", "Frozen 2", "Surfs Up", "Tarzan") su un potente e ispirante audiolibro. Più di recente, sono stato incaricato di arrangiare gli archi per l'artista Kendrick Lamar, vincitore di 13 Grammy e del premio Pulitzer. Mentre scrivo questo, sto finendo un arrangiamento per archi per una splendida artista chiamata Kyd the Band, che è con Sony, e siamo molto entusiasti per la nostra seduta d'archi questa settimana!
Mentorship nel mondo reale: imparare con James Newton Howard
Ho trascorso tre anni con il compositore cinematografico vincitore di Grammy ed Emmy - nonché nominato all'Oscar per otto volte - James Newton Howard (conosciuto per The "Dark Knight", "The Hunger Games", "King Kong"). James mi ha davvero preso sotto la sua ala e mi ha insegnato molte cose incredibili sull'industria della colonna sonora, sulla composizione, sulla collaborazione, sulla psicologia dietro la creazione di musiche per film e altro ancora. Avanti veloce fino ad oggi, lui non è solo uno dei miei più grandi mentori a cui continuo a porre domande e da cui cerco consigli, ma è diventato anche un caro amico personale che in qualche modo riesce sempre a battermi a ping pong (ha un servizio micidiale).
Vedere diversi flussi di lavoro e costruire il proprio processo
Inoltre, ho passato del tempo con John Powell e Henry Jackman, altri due compositori cinematografici al top della scena. Tutte e tre le esperienze sono state incredibilmente illuminanti, perché ho visto tre compositori fare lo stesso lavoro - ma in maniera completamente diversa. Questo mi ha permesso di formare il mio modo di lavorare in studio: adottare questo, lasciare quello, ecc., così da poter diventare il mio compositore, prendere le mie decisioni e sapere perché le sto prendendo.
Comporre musica professionalmente
Se non ti diverti, rivaluta il privilegio del lavoro
Comporre musica è così divertente. Se non ti diverti, uh-oh. Sì, certo, ci sono richieste intense come scadenze, revisioni, riscritture, budget e persone "difficili" con cui devi lavorare. Ma se hai il privilegio di scrivere musica per vivere, per favore non darlo per scontato (prometto che non voglio sembrare predicatorio), e cerca di ricordarti di esserne grato. Io lo sono, e ho lividi sulle braccia per tutte le volte che mi sono pizzicato.
Il percorso della colonna sonora: incontri, spotting, temp score e demo-itis
Quando si tratta del processo di scoring per film/tv, non c'è un solo modo per farlo. Detto questo, spesso inizia incontrando le persone giuste, dove ci valutiamo a vicenda per vedere se pensiamo di essere compatibili. Poi parliamo di visioni creative e idee, poi si passa alla logistica come budget e tempi. Il passo successivo è che io legga la sceneggiatura o veda un rough cut, e poi se tutte le parti concordano che vogliono procedere, faremo una sessione di spotting (essenzialmente dove il compositore, il regista, il montatore e i produttori si siedono in una stanza con il film per discutere in quali punti serve la musica). Più spesso che no, il montatore e il regista hanno già montato il film su un temp score. Purtroppo, ci sono momenti in cui il cliente prende la "demo-itis", cioè si innamora del temp score, e non importa quanto siano bravi i tuoi brani, non c'è modo di soddisfarli, perché hanno convissuto con il temp score per così tanto tempo (a volte mesi).
La velocità conta: scadenze, revisioni e il “picture lock” che non lo è
Comunque, scriverò i temi principali e una volta approvati, cerco di mettermi subito al lavoro... velocemente. Molte volte a un compositore cinematografico non viene dato molto tempo per scrivere 60 - 100 minuti di musica. Penso sia molto importante saper lavorare in fretta - senza però compromettere la qualità della musica - perché ti vengono sempre date nuove informazioni, inclusi aggiornamenti delle scene man mano che i giorni passano (anche quando ti hanno mandato il "picture lock", ah). Inoltre ci vogliono tempo le revisioni che ti chiedono, mentre non hai ancora scritto i rimanenti 45 minuti di musica. E poi la colonna sonora deve ancora essere orchestrata, stampata, registrata e mixata entro una certa scadenza per arrivare in tempo alla fase di missaggio (dubbing). Il processo è così dinamico, impegnativo ed eccitante. Detto questo, ci sono sicuramente parti del processo che non sono divertenti o appaganti per me, ma che sono necessarie, e così va la vita. Personalmente, i pro sono di gran lunga superiori ai contro.
Team e collaboratori: assistenti, orchestratori, copisti e tecnici
Per gestire lo stress e il carico di lavoro, credo sia importante avere una squadra con cui lavorare, come un assistente, orchestratori, un copista e ovviamente tecnici/mixer. Un orchestratore incredibilmente talentuoso con cui ho collaborato in molti dei miei score è Cody McVey. Non posso raccomandarlo abbastanza, quindi assumetelo già, ok? Potrete ringraziarmi dopo.
Servire la visione del regista attraverso le scelte di produzione
In base al progetto e al suo genere musicale, scelgo un tecnico che ritengo più adatto a quel genere. Lo stesso vale per lo studio da prenotare e per i musicisti da assumere. Credo che si tratti di servire il film e la visione del regista; dopotutto è il loro film. Se vogliono che la colonna sonora suoni lo-fi e ruvida, lo dirò al mio tecnico e discuteremo le tecniche per soddisfare la visione del regista. Se vogliono qualcosa di più pulito e tradizionale, lo comunicherò anche al mio tecnico/mixer. Non c'è mai troppa informazione. Per un tecnico/mixer questo si traduce in cose come scelta dello studio, posizionamento dei microfoni, selezione dell'attrezzatura e tecniche/processi di mixing.
Tradurre un linguaggio non musicale in decisioni musicali
Comporre per film/tv significa spesso leggere tra le righe, tradurre la visione cerebrale di un cliente in termini musicali, il che implica molte conversazioni che spesso non hanno nulla a che fare con "fai che questo brano sia in tono maggiore e in 4/4". Molti registi non conoscono il linguaggio della musica, quindi oltre al mio lavoro di scrivere la colonna sonora, devo prima interpretare ciò che stanno dicendo come filmmaker io stesso. Bisogna sentirsi a proprio agio con questa fase del processo. In una band è più diretto: "la canzone è in La maggiore, il tempo è 115bpm e suoniamo in 6/8", ecc. Personalmente, un altro motivo per cui trovo divertente lo scoring cinematografico è che crea questa sfida in più oltre a scrivere la musica (che è già abbastanza difficile di per sé per chiunque, specialmente all'inizio quando ti trovi davanti a una pagina bianca o a una sessione vuota sul computer). Quindi, anche se non è scienza missilistica, può comunque essere abbastanza difficile a volte. Tuttavia, l'eccitazione di tradurre un'idea cerebrale di un regista nella musica che desidera (e che si adatta anche alla scena) è semplicemente estremamente appagante e significativa per me.
Come ottenere un ingaggio
Le relazioni sono il lavoro, e possono nascere da qualsiasi parte
Posso parlare solo per me stesso e per il percorso che sto facendo, quindi quando qualcuno mi chiede "come si ottiene un ingaggio", per me ci sono state molte vie. Prima di tutto, è ciò che probabilmente hai già sentito mille volte: le relazioni. Possono venire dall'infanzia, dal college, da un amico di un amico, da un annuncio online, ecc. Qualche anno fa ho persino contattato una supervisore musicale donna tramite un'app di incontri... non è successo nulla (in entrambi i sensi, ah), ma comunque, non sai mai quando o dove incontrerai qualcuno che potrebbe aiutarti a ottenere un ingaggio! La cosa importante per me è stabilire il contatto e poi far sì che quel contatto torni da te.
Manager, agenti, supervisor e la persona che cambia tutto
Altre vie per ottenere un progetto includono manager, agenti e supervisori musicali. Un supervisore musicale può davvero cambiare la tua carriera, come è successo a me. Joel Sill (vincitore del "Legacy Award" della Guild of Music Supervisors, oltre ad aver lavorato a innumerevoli film vincitori dell'Oscar e blockbuster) è stato quell'uomo per me. Ciò che ho trovato ancora più bello è che tra noi è nata una vera amicizia, quindi non si parlava solo di cinema/musica tutto il tempo. Come James, Joel è ancora oggi uno dei miei grandi mentori e un caro amico personale. Non posso ringraziarlo abbastanza per aver creduto in me e per tutto ciò che è venuto dalle nostre collaborazioni.
Pivotare durante il COVID e creare reddito arrangiando per i dischi
Infine, con il COVID che ha fermato Hollywood (per me personalmente, ho avuto sette progetti che sono stati tutti 'posticipati' - aka cancellati - in 72 ore), ciò che ho fatto per rimanere creativo, occupato e pagare le bollette sono stati molti arrangiamenti di archi/ottoni per dischi. Può essere costoso fare un album, ma fare un film è spesso ancora più costoso. Amo scrivere archi/ottoni per dischi per tanti motivi, alcuni dei quali sono che lavoro sulla canzone di qualcun altro e, in secondo luogo, ho una parte vocale/testo con cui lavorare (ricorda, sono abituato a scrivere musica strumentale per il 75% del tempo). Alcuni di questi ingaggi sono arrivati anche tramite i social media, credici o no. Non ho una grande following sui social, ma contatto letteralmente gli artisti che scopro e mi propongo, o a volte sono loro a trovarmi e mandarmi un messaggio. Il passo successivo è che scrivo e poi andiamo in studio a registrare.
La verità pragmatica: “A gig is a gig” e restare mentalmente aperti
La vita è pazza. Suppongo che il punto fondamentale che voglio dire sia che è cruciale restare aperti e non avere ego. A gig is a gig, e i soldi sono soldi. Non tutti i progetti sono con un vincitore dell'Academy o del Grammy. Per pagare l'affitto del mio appartamento e lo studio di registrazione, lavoro su una moltitudine di progetti, alcuni dei quali non sono affatto "sexy". Ma sai cosa è "sexy"? Poter pagare l'affitto, l'assicurazione dell'auto, la carta igienica e la spesa, tutto lavorando nella musica. Almeno questo è ciò che è "sexy" per me.
Ciò che i compositori cercano in tecnici di registrazione e mixer
Il tecnico può contare più dello studio e dell'attrezzatura
Proprio quanto è importante l'orchestratore, il copista, i musicisti e il direttore d'orchestra lo sono i tecnici di registrazione e i mixer. Una cosa cruciale da riconoscere quando si lavora con orchestre - specialmente orchestre più grandi - è l'importanza e il potere di un grande tecnico/mixer. In generale, credo fermamente che si possa avere uno studio di primo livello con una costosa console Neve/SSL/API e tutti i microfoni/attrezzature lussuosi immaginabili, ma se hai un incapace dietro la consolle che non sa quello che fa, allora staresti meglio con una console economica da 100$ con microfoni scadenti e un tecnico esperto che sappia il fatto suo. Il risultato finale sarà più musicale e piacevole dal punto di vista sonoro.
Pagare la persona giusta invece della stanza più bella
Sì, l'ho imparato sulla mia pelle con l'esperienza. A volte pago di più per il tecnico giusto che per uno studio appariscente in questo caso.
Restare nel proprio ruolo quando non sei tu a ingaggiare il team
Quando sono il compositore per un film o una serie TV, posso scegliere la mia squadra musicale. Tuttavia, quando un produttore discografico mi assume per orchestrare o arrangiare per lui, sono costretto a usare il tecnico che vuole lui. Ha senso, ed è del tutto giusto - in fondo sono il capo. A proposito, c'è stata una (o due) sessioni in cui sono entrato in studio con i miei arrangiamenti in mano, sono entrato nella live room e sono rimasto scioccato non solo dalla scelta dei microfoni, ma anche dal loro setup. Di nuovo, era la loro sessione, e io non sono il capo, quindi non è il mio compito né la mia posizione mettere in discussione le loro scelte. Cerco sempre di "restare nella mia corsia".
Le realtà della registrazione orchestrale
Ecco alcune perle di saggezza che ho imparato negli anni su come prepararsi per una sessione orchestrale:
- Assicurati che le partiture e le parti contengano quante più informazioni possibile, così non perdi tempo con i musicisti che ti fanno domande tipo, "Che dinamica vuoi qui?", "Cosa significa questo?", "Quando vuoi che il pizz smetta?", ecc. La notazione musicale potrebbe non essere il tuo forte (nessun gioco di parole), quindi semplicemente assumi un copista e lavora con lui per capire esattamente cosa vuoi, e poi etichettarà tutto alla perfezione.
- Fai stampare la tua partitura su carta fronte-retro, così non stai sfogliando le pagine ogni 4 secondi.
- Fai stampare le tue partiture su tabloid (11" X 17") e falla rilegare. Vai da Kinkos o in qualsiasi tipografia, e lo faranno per pochi euro.
- Stampa una copia extra per il tuo tecnico, perché ci sono alcuni tecnici che amano leggere la musica per cercare dinamiche e sezioni in cui certi strumenti sono più presenti in anticipo, così sono pronti con le dita sui fader.
- Metti tutte le parti sui leggii dei musicisti nell'ordine in cui le registrerai.
- Sii cortese e lascia un paio di matite temperate sui loro leggii (spesso portano le loro, ma ci sono sempre dei musicisti che se le dimenticano). Di nuovo, sono le piccole cose che contano.
- Arriva in studio in anticipo e ovviamente prepara le tue sessioni ProTools in anticipo. Se il primo tempo è alle 10, a me piace arrivare alle 9.
- Assicurati che i numeri delle battute sulla tua partitura corrispondano ai numeri delle battute in ProTools.
- Non dimenticare di portare un dannato hard drive.
- Rendi omaggio ai musicisti prima e dopo. Se li incazzi o li offendi, te lo faranno sapere. Non dico che devi letteralmente andare in giro per la sala a salutare tutti i 75 musicisti, ma fatti conoscere e ringraziali per essere venuti.
- Saluta il tuo concertino con gentilezza e umiltà. Se vuoi fare davvero la differenza, quando sei sul podio del direttore poco prima che la sessione inizi (anche se tu non stai dirigendo), presenta il tuo concertino alla sala - l'orchestra spesso applaudirà per loro. Dopo, presenta anche il tuo tecnico. Spesso, se hai un tecnico rispettato sulla data, i musicisti saranno ancora più contenti e sollevati, sapendo che la loro esecuzione verrà catturata magnificamente. Ogni piccolo gesto fa la differenza.
- Infine, una lezione che ho imparato dalla mia meravigliosa madre è di cercare sempre di lasciare una stanza facendo sentire le persone che c'erano meglio di come le hai trovate. Di nuovo, questo mestiere si basa sulle relazioni. Non essere uno stronzo, ce ne sono già abbastanza nell'industria.
Assumere un direttore d'orchestra o no
Un direttore abile e professionale può davvero aiutare a tirare fuori il meglio dai musicisti, oltre a mantenere la sessione scorrevole e nei tempi. In questo caso sono inestimabili! Detto ciò, personalmente credo che un direttore non sia sempre necessario per ogni sessione con musicisti orchestrali. La maggior parte dei sessionisti orchestrali di oggi è così abituata a registrare su click/track che spesso un direttore non è necessario. Quindi, a mio modestissimo parere, non c'è bisogno di un direttore quando si lavora con una sezione ridotta, come un quartetto fino a dire 11 musicisti, a meno che non ci siano cambi di tempo importanti, o non si registri su click. Alcuni anni fa ero a East West ad aiutare qualcuno con il suo album, e l'artista mi chiese di dirigere gli archi, a cui risposi, "Non sono un direttore professionista, e in realtà non ne hanno bisogno - stanno bene a registrare col click e la traccia". Beh, era la sua sessione e la sua musica, così decise di dirigere lui la piccola sezione di 6 musicisti (ho già detto che non aveva mai diretto
