L'attuale modo di scrivere canzoni nella musica Pop consiste in ‘toplines’ su ‘beats’. Nella pratica significa che un gruppo di persone gioca con i computer in studi, camere da letto, stanze d'albergo o bus da tour, mettendo insieme il maggior numero possibile di idee usando plugin e qualsiasi altra cosa catturi la loro fantasia, portando i brani il più vicino possibile a un disco finito, per poi consegnare le strumentali a qualcuno bravo a inventare melodie e testi orecchiabili. E boom: successo. A volte. Questo processo leggermente disgiunto (è lunga strada da qualcuno che piange sulla propria chitarra per esorcizzare il dolore della sua ultima rottura, ad esempio) tende a produrre musica più lineare e formulaica. È difficile scegliere una tonalità quando non si sa chi canterà la canzone, o è difficile scrivere un bridge che sembri un bridge se non sai quale parte del brano sarà il ritornello subito prima di esso. Nel complesso, a mio parere, tende a produrre musica piuttosto generica.
A meno che il team non sia buono. Molto buono. Come, per esempio, il team di Diplo.
Il brano di oggi è una collaborazione tra Diplo, sotto il nome Major Lazer, DJ Snake e presenta Mø alla voce, si chiama (Somebody to) Lean On.
Ascolta qui:
iTunes: https://itunes.apple.com/de/album/lean-on-feat.-m-dj-snake-single/id970116761
Spotify: https://play.spotify.com/album/1SI0AMK6rb2J8S0Jazli9D
La cosa numero uno che trovo fantastica riguardo al brano è che la prima volta che l'ho sentito, sapevo che Diplo era coinvolto nella produzione entro 4 battute del ritornello. È impressionante vedere qualcuno sviluppare un suono distintivo attraverso diversi stili musicali. È abbastanza raro al giorno d'oggi. Puoi sentire trucchi di trattamento vocale in tutto il brano che ricordano ‘Turn Down for What’ di DJ Snake (soprattutto nel ritornello e nel bridge), ma il suono centrale del brano sembra molto Diplo per me. Dal punto di vista della struttura, questa canzone è un buon esempio di dove è andata la radio da quando l'EDM ha preso piede, che il brano sia EDM o meno. In questo caso, lo stesso loop di 4 accordi sostiene i versi, i ritornelli e i bridge; l'intro è semplicemente il primo accordo ripetuto 4 volte (Questo è un segnale rivelatore che è partito come un'idea di beat strumentale, probabilmente in Ableton Live, sul laptop di qualcuno).
Il verso ha due parti, 8 barre ciascuna. Le prime 8 barre non hanno batterie e poi la cassa entra per le seconde 8 barre. Quella seconda parte sembra un po' un ritornello, ma non si solleva molto, quindi alla prima ascolto funge quasi da pre-chorus che porta al ritornello strumentale in stile EDM. Quella sezione è anch'essa di 8 barre, con gli stessi accordi ma con lo strumento principale che è un campione vocale invece che il cantante reale che ci racconta una storia da ricordare. Molte canzoni attuali fanno questo oggi, viene da strutture adatte al dance floor. Molti produttori/autori attuali hanno formato i loro gusti suonando dischi per il pubblico dei club e hanno portato quel modo di creare emozioni nel mondo della musica pop. Diplo è sicuramente uno di questi.
Il 2° verso torna giù di energia e si sviluppa perfettamente simmetricamente rispetto al primo verso. 'Verso poi pre-chorus poi ritornello'. Immagine speculare. Poi arriva la parte di rottura/bridge. Finora una struttura molto classica, non così diversa da un formato radiofonico standard, tranne per il ritornello strumentale. Abbiamo una pausa di 2 barre dal loop di accordi e poi affrontiamo il bridge che è un'estensione/sviluppo del concetto del ritornello con il campione vocale. Poi torniamo alla parte del pre-chorus che ora sembra quasi un ritornello dato che l'abbiamo sentito tre volte. Quindi, qual è il ritornello?
La parte ‘Blow A Kiss’ o la parte ‘Wheee ahh whheee ooo’? Decidi tu. Forse dobbiamo inventare un nuovo nome per questi tipi di sezioni. In generale la canzone dura 2 minuti e 57 secondi. Avrebbero potuto aggiungere un altro ritornello strumentale dopo quell'ultimo pre-chorus, ma hanno deciso di no. Probabilmente è stato difficile rinunciare a quella fine brusca e alla frase da inno cantata da Mø ‘Somebody to lean on!’. Sarebbe suonata artificiale aggiungere quella frase alla fine di un ritornello strumentale e avrebbe significato caos per il resto della struttura per riorganizzare tutto per adattarsi a quell’ulteriore strumentale senza che la canzone durasse un minuto in più. Questi tempi sono difficili da gestire. Questi sono tempi per jam reggae sballati non per pop hit iper curati. Probabilmente questo è stato il modo più efficiente di farlo. Funziona alla grande.
In questi tipi di brani, la produzione e il mix tendono a svolgersi contemporaneamente, il che significa che la canzone è praticamente finita, mix incluso, prima che la voce venga persino registrata (il mix viene ritoccato dopo che le vocali sono pronte, ma ho visto brani passare così com'erano). Questo crea sfide interessanti. Chiunque abbia mixato un intero brano e ha riattivato le voci per ultime saprà quanto sia difficile lasciare spazio per lo strumento più importante nel mix quando non sai cosa sia. È una forma d'arte e nel team di Diplo qualcuno sembra essere molto bravo a farlo. Come ci riescono? Prima di tutto, nota come lo stesso loop di 4 barre sostiene l'intero brano ma il suo suono cambia nel corso.
C'è un filtro di tipo Moog che si apre e si chiude costantemente all'interno delle sezioni. Prova a prendere nota tra il primo ritornello e il secondo verso, per esempio (la transizione tra i due è super ovvia). Questo aiuta a mantenere il brano vivo senza dover inventare nuovi elementi e occupare troppo spazio. Cerca di seguire il tono di quel loop di accordi durante tutta la canzone. Vedi se riesci a sentire i transienti diventare più netti in alcune sezioni. Questo elemento fa il brano. È lo scheletro di tutto. È difficile costruire 3 minuti di musica su un loop di 4 barre e mantenerla interessante in ogni momento. Grande ispirazione lì. Dal punto di vista delle batterie, questo brano è molto interessante. Diplo ha una fascinazione per tutto ciò che è Reggae e Dance Hall e si nota qui e in tutti gli altri dischi dei Major Lazer. La cassa è una cosa interessante da osservare. Sembra piena, ma in realtà non è così spessa. Se presti molta attenzione, sentirai che il fondo del brano proviene da un suono sintetico di sub-bass, probabilmente un semplice seno, che si trova appena sotto il kick permettendo al kick di essere snello e deciso. Controllalo. Potresti aver bisogno di cuffie per questo. Il sub-bass suona note lunghe per barre intere, nessun groove laggiù tranne che per una o due barre nel 2° verso. Questo lascia tutto lo spazio per i pattern di cassa per fare ciò che devono. Penso sia davvero interessante vedere che la cassa non fa semplicemente il classico quattro-on-the-floor. Dai un'occhiata al 2° verso e al bridge. Cool groove spezzato lì.
La mia parte preferita è il groove della hi-hat/side stick brutto sul ritornello strumentale. Vale la pena ascoltarlo più e più volte. Penso che faccia il brano. È così sporca e grezza e fa ondeggiare magicamente il groove. Il leggero swing è fondamentale. Nota anche tutti i piccoli colpi di hi-hat in sedicesimi che aumentano il groove nel ritornello. Nota l'effetto dei fill dritti rispetto al pocket swingato. È tutto nei dettagli. Molti di questi elementi sono riciclati con gusto. Ad esempio, i clicks del 2° verso sono utilizzati nell'ultimo pre-chorus. Il team ha usato le percussioni per contrastare le sezioni dato che gli accordi sono gli stessi in tutto. È un buon esercizio rivedere ogni sezione e vedere quale suono di batteria accompagna quale parte e come si relazionano. Ad esempio, il suono della cassa del primo pre-chorus e quello del primo ritornello non suonano allo stesso modo. Quella del ritornello è più pesante. Aiuta il brano a crescere. Le poche casse nel 2° verso sono le stesse di quelle del 1° ritornello, ma suonano un pattern diverso, quindi non rubano alcun sfondo. Poi il 2° pre-chorus colpisce con lo stesso pattern e il suono della cassa del 1° ritornello. Questi sono aggiustamenti sottili, ma rendono il brano molto fluido. Il beat del bridge è completamente diverso da ogni altra sezione, ma i suoni sono gli stessi. Poi ritorniamo al beat dritto con un backbeat aggiunto nel forma dei clicks riciclati del 2° verso. Tutto molto elegante e moderno. Difficile da fare bene.
Hanno fatto un lavoro eccellente. L’altro modo in cui hanno costruito le sezioni è utilizzando trattamenti vocali straordinari ovunque. Si potrebbe spendere ore cercando di capire cosa suona dove. Prova ad ascoltare il brano in tre passaggi con grande attenzione a tutto quello che sta sopra la linea del beat. Ti garantisco che sentirai nuovi frammenti vocali ad ogni passaggio. Usano le vocali come le loro principali trame, come il oooh-ooohhh nei pre-chorus, l'allegro ‘hey’ nei ritornelli strumentali, il lungo ‘heeeeeeooooo’ nel secondo, ecc., ecc... L'oooh-ooohhh nei pre-chorus viene raddoppiato con una sorta di suono simile a una campana un'ottava sopra, ma la trama è principalmente vocale e sembra sintetica. L'allegro ‘hey’ nei ritornelli strumentali è un po' come un backbeat della chitarra reggae, ma è basato su vocali.
È divertente cercare di tenere traccia di tutti i piccoli scream immersi in riverbero o delay e di tutti i trucchi di transizione in reverse reverb. Ti terrà occupato per un po'. Per i trucchi vocali più ovvi, dai un'occhiata a quello basso nella sezione intro, vedi come si collega alla lead del bridge. Ascolta attentamente anche le differenze tra il primo e il secondo ritornello strumentale per alcune interessanti interazioni vocali trattate (con testi) che si verificano solo la seconda volta. Cool, vero? La voce principale riceve la sua giusta dose di trattamenti e trucchi. Dai un'occhiata ai raddoppi di linee singole, ai costantemente variabili riverberi e delay, agli effetti di stutter. Fanno anche un buon lavoro nel contrastare le posizioni vocali. Dai un'occhiata ai pre-chorus: la chiamata, ‘Blow a Kiss, fire a gun’ è centrata e diffusa usando molti raddoppi e armonie, la risposta ‘We all need somebody to lean on’ è molto localizzata in stereo, molto più focalizzata. Vedi come si sente. Molto tempo è stato speso per costruire questo brano e questi trattamenti vocali. Parlando di vocali trattate, è giusto dire che il suono principale del bridge è molto unico e interessante. Sicuramente non è un preset. Questi ragazzi creano da zero. Come pensi che l'abbiano fatto? Scoprilo e inviaci una cartolina. Dovremmo probabilmente girare un video su questo tipo di trattamento.
Ultimo ma non meno importante, è illuminante prestare attenzione alle poche altre trame sintetiche che non sono vocali. Nota il ‘swoosh’ usato per passare dal verso 1 al pre-chorus 1. È roba di filtro sweep classica, ma è sufficientemente discreta da fare il suo lavoro senza essere sdolcinata. Vedi come usano quel trucco ripetutamente in varie transizioni. Sono anche particolarmente affezionato al ‘shank’ simile al reggae che entra nel pre-chorus 2. C'è anche un pad ad alta frequenza che arriva nei ritornelli strumentali, è debole, vedi se riesci a distinguerlo. Sonicamente, il mix potrebbe essere un po' più luminoso e più compresso di quanto si possa apprezzare, ma probabilmente è una vittima del processo discusso sopra. È anche masterizzato abbastanza forte, il che non aiuta. Gli equilibri sono comunque ottimi. Quindi, mentre questo potrebbe non finire nella tua cartella di 'brano di riferimento sonico', non è nella mia, dovrebbe sicuramente trovarsi nella tua cartella di 'brano di produzione badass'. Per ulteriori cose da questi ragazzi, dai un'occhiata a ‘Where are You Now’ sotto il nome Jack U, e trascorri del tempo a sfogliare l'album Free the Universe dei Major Lazer. Diplo si è tenuto occupato.
Rewiiiiiiiiiiind!
Fab Dupont
