Jay-Z “Tom Ford” — Analisi del mix: la produzione hip‑hop minimalista di Timbaland spiegata

Ogni tanto, mentre sei in fila per pagare formaggi e affettati, pensi ai fatti tuoi e all’improvviso dal sistema audio parte una canzone così strana/fica/particolare/sconvolgente ecc. che devi mettere giù il cestino, frugare veloce nella tasca per prendere il telefono, accenderlo, scorrere rapidissimo tra le app per shazam/soundhound la traccia prima che finisca. A me è successo così: finito di fare la figura dello scemo con il telefono alzato sopra la testa, lo guardo e sullo schermo c’era scritto: Jay-Z / Tom Ford.

Perché questo brano funziona

Hip hop come campo di gioco

L’hip hop è divertente. È divertente perché non ci sono regole musicali o sonore rigide. È una corsa libera per trovare qualcosa di nuovo e interessante. A volte genera caos e a volte consente grande creatività. Timbaland ha prodotto questo pezzo e, di solito, significa creatività eccezionale.

Una costruzione minimalista e intelligente

Il brano è breve, circa 3 minuti. È ingannevolmente semplice e piuttosto intelligente nella costruzione. La spina dorsale del beat, il motore della canzone, sono quei tre tom discendenti in levare (doo doo doo) e il calcio della cassa sull’“and” del beat due. Su quello scheletro Timbaland ha articolato due scene semplici: una di 4 battute con quella percussione tipo bongo reverberata e una di 4 battute con la texture alla Nintendo. Fine. A parte l’outro, ma ci arriviamo dopo. Può sembrare facile costruire una canzone con un solo groove e 2 scene da 4 battute… ma non lo è. Primo: bisogna inventare qualcosa di abbastanza nuovo e orecchiabile da meritare attenzione. Secondo: bisogna saper fare molto con pochissimo materiale senza cedere alla tentazione di aggiungere sempre più roba per “riempire”.

La difficoltà della semplicità

A mio avviso la musica semplice è la più difficile da realizzare. Proprio come l’inferno del tempo è un lento 68 bpm, non un veloce e appariscente 168 bpm, l’inferno della produzione è una sessione Ableton Live a 8 tracce con 2 scene da 4 battute e la pressione di creare qualcosa di veramente nuovo e grande, più di una disposizione a 100+ tracce con tutto stratificato 18 volte.

Come ci riescono in questo brano? Bella domanda, grazie per averla fatta. Una risposta semplice: permutazioni.

Analisi strutturale

Due scene, un unico beat

Nota come abbinino astutamente ogni “look” a sezioni diverse del brano. L’intro è solo il groove, ma con il colpo di basso sull’“and” del beat due. Jay‑Z entra subito. Poi sentiamo il ritornello vocale, “Tom Ford”, sulla scena bongo. Che cos’era quello? Intro, ritornello in apertura? Verso? Non lo sappiamo ancora.

Verso / Pre‑ritornello / Ritornello tramite permutazioni

Dopo, le 2 scene principali si alternano senza sosta ma le sezioni liriche sono sfalsate, guarda: le prime 4 battute del verso sono sulla scena Nintendo. Poi le successive 4 battute del verso tornano sulla scena bongo. Poi le successive 4 battute del verso di nuovo sulla scena Nintendo.

Intelligente ripetizione su scala ampia

(Nota come le parole iniziali della canzone vengono ripetute ma ora suonano molto diverse con il sample sotto, uso intelligente di allitterazione e ripetizione a livello macro) La successiva scena bongo porta il pre‑ritornello per 4 battute e poi arriva il ritornello. Il ritornello è solo le parole “Tom Ford” sulla scena Nintendo. Tutto qui. Abbiamo già sentito quegli elementi prima, ma non in questa combinazione e la ripetizione li fa percepire come un ritornello.

Perché l’alternanza funziona

Riavvolgi, torna all’inizio della canzone e nota come l’intro imposti tutta l’alternanza delle scene per arrivare precisamente a questo punto. Intelligente.

Variazione nel secondo sistema

Per il secondo sistema del brano ripetono l’operazione ma con un verso più corto. Il motivo è che mantengono perfetta l’alternanza bongo/Nintendo ma hanno bisogno di una scena Nintendo in meno per far accadere il ritornello Tom Ford + Nintendo (nessun intro con cui competere). Non lo so con certezza, ma dal contenuto lirico immagino che le prime 4 battute del primo verso siano state aggiunte proprio per permettere quella magica alternanza, consentendo di colorare il testo con gli stati d’animo alternati delle due scene e di modellare le diverse sezioni del brano esclusivamente con trucchi di mix & match.

Il cambio nell’outro

L’outro è la prima rottura della struttura A/B. È ancora basato su una versione dei tom discendenti e su qualche versione riciclata del sample Nintendo e su liriche riciclate dal brano, ma suona completamente fresco per via di come quegli elementi sono trattati. Principalmente time stretch e pitch shifting. Qualcuno si è divertito con Melodyne lì. L’unica cosa davvero nuova è la voce femminile, probabilmente Beyoncé, ma tutto il resto è una versione 'tritata' di qualcosa che avevamo già sentito, anche se a volte è difficile capirlo. Minimalista e molto efficiente. Come il resto del pezzo.

Analisi sonora

Un basso spesso e controllato

Sonoramente questo è un pezzo che suona grosso. La chiave per far suonare un disco pieno è limitare il numero di tracce. L’hip hop è perfetto per questo se il team sa il fatto suo. Il team di Timbaland lo sa. Questo è un ottimo riferimento per controllare il fondo nei propri mix o per verificare il basso in stanze che non conosci (un buon abbinamento con Angel by Massive Attack).

Tracce minimali = impatto massimo

Direi che la session non mixata doveva essere così: traccia riff di tom, traccia cassa/clap, traccia sequenza hat, traccia risposta di basso, traccia sample bongo, traccia sample Nintendo, traccia risposta di basso del sample Nintendo, traccia vox principale. Fatto. Il resto sono una serie di piccole aggiunte: vocali che fanno “aw!!”, qualche doppia della voce principale qua e là, piccoli clap e Beyoncé alla fine, tutto a scopo decorativo. La parte principale della canzone sta in 8 tracce con altre 10 per gli incidentali. Quel tipo di session permette al mixer di passare del tempo a rendere ogni cosa speciale. Meno tracce significano più tempo e più spazio per lavorare.

Trattamento vocale e contrasto

Nota come il trattamento e i livelli della voce cambino continuamente. Il livello dell’intro e il primo livello di “Tom Ford” sono diversi. Poi il verso è a un altro livello. Aiuta a far crescere il pezzo dato che tutto il resto è statico. La voce è per lo più asciutta, con qualche piccolo delay qua e là per enfatizzare certe parole, ma la sensazione del pre‑ritornello è creata aggiungendo solo un piccolo slap di delay sulla voce principale. Ascolta. E poi viene aggiunto un leggero riverbero per il ritornello “Tom Ford”. Tutto qui. Poi si torna super asciutti per il verso. Risciacqua e ripeti.

Dinamicità e palcoscenico sonoro

Il brano è piuttosto dinamico per l’hip hop con fino a 8 dB di crest factor in alcune sezioni. Per questo suona bene. Nota quanto sia ampia la soundstage e come il riverbero sui sample bongo e Nintendo crei un effetto “davanti‑dietro” rispetto ai tom e alla cassa asciutti, con la voce che si colloca giusta al centro.

Micro‑dettagli nascosti nel mix

Infine, vedi se riesci a cogliere tutti i piccoli dettagli che sono mixati abbastanza in basso per tenerti attento. Probabilmente ascolti questo brano 10 volte e continui a sentire cose nuove, il che è pazzesco considerando che sembra che non ci sia quasi niente, vero?

Perché è un ottimo brano per imparare

Creatività + esecuzione

Che ti piaccia o no l’hip hop e che ti piaccia o no Jay‑Z, questo è un ottimo materiale di studio per la novità delle idee, l’esecuzione impeccabile, l’impronta sonora di ciò che un arrangiamento veramente scarno permette al mixer di fare con il fondo del brano e il modo interessante in cui le voci vengono mixate dentro e fuori il pezzo.

Arrangiamenti scarni fatti bene

Molto hip hop è creativo ma per qualche motivo suona male. Questo brano spacca su tutti i fronti, e inoltre la premessa lirica è divertente.

Goditi il groove, yo.

Cheers,
Fab Dupont