지난 몇 년 동안 저는 “장르”라는 말을 사용하는 것이 점점 더 어려워지고 있다는 것을 깨닫게 되었습니다.
영향의 양, 하위 스타일과 트렌드 및 톤 간의 충돌, 그리고 우리가 사는 엄청난 속도가 결합되면서 음악은 길들이기 어려운 야생마가 되었습니다.. 그리고 부인할 수 없습니다: 음악가, 퍼포머, DJ, 프로듀서, 엔지니어 — 이들 모두 야생마를 사랑합니다. 끊임없이 진화하는 음악의 혼돈 속에서 전자음악도 예외가 아닙니다. 제작 관점에서 전자음악은 구식 제작 체인에서 스스로를 해방한 장르 중 하나입니다.
어쿠스틱 악기가 없거나 부족하다는 점은 몇몇 병목 현상을 건너뛰게 했습니다: 예를 들어 라이브 드럼과 큰 기타 앰프를 녹음하려면 좋은 스튜디오와 양호한 이웃이 필요합니다.. 또는 둘 다가 필요하죠. 공원에서 지하의 작은 창고, 지하철에서 대학 기숙사까지, 노트북, 드럼 머신, 휴대용 워크스테이션이나 심지어 태블릿으로 전자음악을 제작하는 사람들을 어디서든 볼 수 있습니다.
오늘날의 전자 프로듀서는 여전히 스튜디오를 사용하나?
그래서 오늘날 우리에게 분명한 질문은 다음과 같습니다:
오늘날의 전자 음악 프로듀서가 전문 스튜디오와 엔지니어를 필요로 할까요? 그렇다면 어떻게, 그리고 왜?
전자 음악 표본
장면에서 가장 어려운 도전 중 하나는 변화의 속도입니다: 레이블과 유통 그룹은 특히 EDM 분야에서 시대를 앞서가는 아티스트에게 관심을 보입니다. 게다가 사운드는 톱 아티스트들만큼 크게, 펀치감 있게, 그루비하게, 베이스가 풍부하게 들려야 하지 않으면 도태됩니다. 이런 이유로 대부분의 프로듀서는 마지막 수단을 마스터링 단계에 남겨둡니다: 바로 이때 전문 스튜디오와 엔지니어가 다시 등장합니다.
이 글에서는 이탈리아 EDM 프로듀서 겸 DJ인 Gabriele Giudici가 제작하고 제가 마스터링한 곡 “Shaggy”가 여기로 도착했을 때부터 발매될 때까지의 과정을 따라가겠습니다.
사전 청취
요즘 EDM 프로듀서들이 저에게 최종 믹스의 서로 다른 버전을 여러 개 보내는 것은 흔한 일입니다. 종종 그들은 완전히 인더박스 방식으로 작업하고 믹스 버스에 선호하는 플러그인 체인을 가지고 있습니다. 그들은 마스터링 엔지니어가 최적의 시작 지점을 결정하기를 원합니다: 믹스 버스를 완전히 프로세싱한 상태에서 전혀 처리하지 않은 상태까지 다양합니다. 결국 귀로 판단해야 합니다. 처음부터 사용된 믹스 버스 체인을 바이패스하면 믹스가 완전히 무너질 수 있습니다. 반면 어떤 프로듀서들은 최신 플러그인을 이것저것 실험하면서 지나치게 많은 처리를 해놓는 경우도 있습니다. 상황에 따라 다릅니다. 제가 프로듀서로부터 받은 “Shaggy”의 여러 버전을 들어보겠습니다. 중요한 점은 서로 다른 클립들 간의 게인을 매칭해 놓았다는 것입니다. 그래야 음량에 속지 않습니다.
저는 트랜션트가 더 선명하고 다른 두 버전에 비해 약간의 "베일"이 덜 느껴진다고 판단하여 버전 1.1을 선택했습니다. 차이를 찾기 어렵다면 이렇게 해보세요: 세 버전 모두의 서브 베이스를 주의 깊게 들어보세요. 버전 1.1에서는 서브 베이스가 가장 도드라지지는 않을 수 있지만 질량감이 있고 극저역(30-40Hz)에서 출렁거리지 않습니다. 이런 미세한 흔들림을 들으려면 꽤 좋은 모니터링 환경이 필요하고 제 경험상 서브우퍼가 항상 이런 물 같은 거동을 잘 전달하지는 못합니다. 사이드 채널만 들어보면 동일한 결론에 도달할 것입니다. 이제 한 요소에 주의를 고정했다면, 베이스와 킥이 칠 때 믹스의 앞뒤 깊이감을 살펴보세요. 실제 깊이가 느껴지나요, 아니면 모든 소리가 같은 평면상에 있는 것처럼 느껴지나요? 서로 다른 소리를 "듣는" 것은 하나의 일입니다.. 네, 저는 세 믹스에서 같은 소리를 들을 수 있습니다..하지만 그것들이 같은 방식으로 느껴지나요? 제게는 v1.1이 세 버전 중 가장 유기적이고 생동감 있게 느껴졌고, 과도한 리미터나 지나치게 가공된 샘플 등에 의해 흔히 생기는 디지털적 광륜(hard digital halo)에 의해 베일에 쌓인 느낌이 덜했습니다.
레퍼런스
또 다른 흔한 요소는 프로듀서들이 자신들의 곡이 어떻게 들리길 원하는지에 대한 레퍼런스를 주는 것입니다. EDM이 결과와 기준에 중점을 두는 점이 저는 마음에 듭니다... 예술적으로 도전적이고 매우 재미있습니다. 이 곡의 레퍼런스는 2016년 Confession 레이블에서 발매된 Malaa의 Notorious("Future House" 곡)이었습니다. 드롭 직전의 한 부분을 들어보고 우리가 마스터해야 할 곡의 드롭과 비교해보겠습니다. 다시 말하지만: 비교를 공정하게 하기 위해 두 클립은 게인이 매칭되어 있습니다.
"Notorious" by Malaa appears courtesy of Malaa and Confession Records.
You can find "Notorious" EP on Beatport
마스터링 체인
제 작업의 첫 단계는 마스터링 체인을 설정하는 것입니다. 우리는 디지털과 아날로그의 하이브리드 방식으로 작업할 것입니다:
다음은 패치한 마스터링 체인의 목록입니다. 이해를 돕기 위해 간단한 도식도 만들었습니다:
- Pro Tools의 스테레오 트랙
- D/A 컨버터 (Lavry Blue 4496)
- Dangerous Music Master
- A/D 컨버터 (Lavry Blue 4496)
- Pro Tools의 스테레오 Aux 트랙
- Pro Tools의 스테레오 오디오 트랙
이 구성은 매우 유연하게 작업할 수 있게 해줍니다. 소스 트랙에 플러그인을 넣을 수 있고, 아날로그 도메인에서 처리한 다음 다시 디지털로 돌아와 프린트하기 전 다른 플러그인을 사용할 수 있습니다.
소스 트랙 작업
먼저 소스 트랙을 레퍼런스에 맞추는 작업부터 시작했습니다. 디지털 영역은 여기서 훌륭하게 작동하며 무거운 흔적을 남기지 않으면서 톤을 보정할 수 있습니다. 스펙트럼을 재균형하고 스테레오 필드를 관리하기 위해 FabFilter Pro-Q 2와 같은 다용도 EQ 플러그인을 선형 위상 모드에서 사용하는 것이 효과적이었습니다.
일부 플러그인에는 “매칭” 기능이 있다는 것을 잘 압니다: 다른 트랙을 들려주면 그 사운드를 본따게 해준다고들 하죠. 저도 몇 번 시도해봤지만 개인적으로 귀로 직접 매칭하는 것이 항상 더 좋았고(클라이언트에게도 더 좋았습니다) 손맛이 느껴지는 수제 피자 같은 태도 때문인지도 모릅니다! 두 번째 단계로 Pro-Q 2 인스턴스를 하나 더 열고 미드-사이드 모드로 설정했습니다. 미드에서 약 5k 부근에 존재감을 올려 주고, 저역의 공명을 제거해 밸런스를 잡았습니다. 사이드 채널에서는 일부 저주파 정보를 정리하고 약 10k 부근의 밝기를 감소시켰습니다. 이 과정은 레퍼런스에 좀 더 가깝게 만들어 주었을 뿐만 아니라 우리가 앞으로 할 무거운 작업을 대비하게 해주었습니다: 공명을 줄이고 사이드 채널에서 저주파 콘텐츠를 제거하는 것(이 두 가지 동작은 전자음악뿐 아니라 다른 장르에서도 흔히 쓰이는 트릭입니다). 참고: 저는 필터 대신 로우 셸프를 사용했습니다. 선형 위상으로 작업하지 않을 때 위상 문제를 피하기 위한 일반적인 방법이며, 로우 셸프는 하이패스보다 저역 콘텐츠를 정리하는 방식이 있어 개인적으로 사이드 채널에 더 자주 사용합니다. 비슷한 작업을 할 때 둘 다 시도해 보세요. 기억해둘 만한 팁입니다!
디지털 믹스를 준비하기 위해 연속으로 사용된 두 인스턴스의 FabFilter Pro-Q2 (왼쪽에서 오른쪽)
마스터링에서의 아날로그 아웃보드
이 프로듀서와 다른 마스터 작업을 해본 경험이 있어 그는 SSL Buss Compressor를 좋아한다는 것을 압니다. 거의 모든 그의 믹스에서 여기서부터 시작합니다. 제가 직접 제작한 "SSL-style" 버스 컴프레서는 수년 전 구형 SSL 콘솔(예: 4000 시리즈)에 있는 버스 컴프레서를 모방해 핸드빌트로 만든 것인데 DBX 골드 칩을 사용했었습니다(많이 자랑스러워합니다!). 시간이 지나면서 최근의 SSL Buss Compressor(THAT VCA 칩 기반)가 제가 찾던 더 날카롭고 현대적인 균형감을 준다는 것을 알게 되어 다른 하나를 들여와 사용하고 있습니다.
Insert 1: SSL Buss Compressor
설정은 4:1, Attack 1ms, Release Auto, No Sidechain로 했습니다. 문턱(threshold)을 낮춰 전형적인 SSL 매직이 들릴 때까지 조절했습니다. 컴프레서가 단단해지고 파워풀해지는 스윗스팟이 존재합니다. 또한 이 유닛은 측면보다 센터에 매우 강한 성향을 주는데, 무거운 킥이 있는 전자음악에서는 저역의 중앙 타격감이 매우 중요하다고 생각합니다.
만족스러워지자 저는 유닛에서 꽤 많은 게인 아웃을 주기 시작했습니다. 왜 여기서 게인 매칭 규칙을 깨느냐고요? 마스터링의 일부 과제는 곡을 레퍼런스(즉, 경쟁 수준)와 비슷한 음량으로 끌어올리는 것입니다. 그렇다면 디지털 영역에서 볼륨 노브를 높이면 안 되냐고요? 물론 가능은 합니다. 그런데 소리가 좋게 들릴까요? 제 경험상.. 그리 좋은 결과가 나오지 않았습니다! 저는 아날로그 도메인에서 게인을 올리고 디지털에서는 아주 적은 보정을 선호합니다. 좋은 아날로그 기기가 있다면 출력 노브 자체가 유닛의 사운드 일부가 되기 때문입니다. 이 예제들을 위해 저는 청취 편의를 위해 클립들을 다시 게인 매칭해 톤과 컴프레서에서 오는 분위기에 집중할 수 있게 했습니다.
Insert 2 및 3: Dangerous Compressor + BAX EQ
그다음으로 Dangerous Music의 Compressor를 통과시켰습니다. 이것도 VCA 컴프레서이지만 SSL에 비해 소리를 많이 칠해내지 않고 매우 투명한 성향입니다. 저는 톤과 글루감, 분위기는 SSL에서 얻고 Dangerous Compressor는 20:1, 가장 빠른 어택(이 유닛에서 1ms), 릴리즈는 템포에 맞게, 스테레오로, 사이드체인은 없이 Smart Dynamics를 켜 놓고 사용했습니다. 이렇게 하면 듀얼 검출 회로가 동작해 프로그램 재료에 더 의존적이고 좀 더 음악적으로 반응합니다. 문턱은 VU 계기와 살짝 닿는 정도로 세팅했고 아마도 0.5~1dB 이상의 압축은 걸리지 않았습니다. 이는 전체 곡을 평탄화하고 A/D로 들어가기 전 준비해 줍니다. 원하는 레벨에 도달하기 위해 게인을 더해주기 시작했습니다. Dangerous Compressor는 프로그램의 컬러를 크게 바꾸지 않으면서 많은 게인을 줄 수 있어 마스터링 상황에서 매우 유용합니다. 그다음 Dangerous BAX EQ로 들어가 36Hz에서 하이패스, 28kHz에서 로우패스를 적용했습니다. 다른 전자음악 스타일에서는 36Hz 하이패스가 과도할 수 있습니다(참고: 필터가 12dB/oct일 때 표기 숫자는 이미 -3dB 지점임을 기억하세요..즉 실제로는 보정이 표시된 값보다 더 높은 주파수에서 시작됩니다). 이 설정은 극저역의 밸런스를 복원하고 타이트하게 만드는 데 도움이 되었고(제가 받는 트랙들에서 가장 흔한 문제 영역 중 하나입니다 — 룸 어쿠스틱스나 모니터링 결함 때문에), 두 필터는 A/D 컨버터가 처리하기에 쓸모없는 극단 주파수도 제거해 줍니다.
컨버터, 클리핑 및 컬러
A/D 단계에 도달해 저는 금기시되는 행위인 클리핑이라는 죄를 저질렀습니다. 고백하건대: 저도 합니다.. 그리고 많은 마스터링 엔지니어들이 그렇습니다. 왜 그럴까요? 나쁘지 않나요? 피해야 하는 것 아닌가요? 이론적으로는 맞습니다. 클리핑은 왜곡과 오디오에 있어서는 바람직하지 않은 다른 문제들을 도입합니다. 하지만 일부 컨버터가 클리핑을 처리하는 방식은 제가 지금까지 시도해본 어떤 디지털 피크 리미팅보다 더 좋게 들리는 경우가 있습니다.
마스터링 스튜디오들이 제공하는 컨버터 종류를 중요하게 여기는 데는 이유가 있습니다: 최고의 하나는 없습니다. 어떤 컨버터는 "정치적으로 올바른" 레벨에서 매우 깨끗하고, 다른 것들은 특징적인 컬러를 가지고 있습니다(많은 사람들이 컬러 없는 것을 선호한다고 주장하기 때문에 논쟁이 생기기도 합니다) 그러나 클리핑 시에도 귀에 거슬리는 왜곡을 만들지 않는 경우도 있습니다. 개인적으로 인상 깊었던 A/D 스테이지로는 UA 2192(훌륭한 컬러와 사운드스테이지, 하지만 미드 채널에서 지나치게 전방적이지는 않음), Apogee PSX(미드에서 좋은 전방 드라이브, 2192보다 약간 더 포커스됨), Lavry AD122(제게는 클리핑했을 때 가장 좋게 들리는 경우가 있음), Lavry 4496 시리즈(만능 워크호스), Crane Song HEDD(깨끗하고 디테일하지만 매일 클리핑하기에는 특색이 강함; 컬러링을 위한 좋은 기능들 보유), Lynx Hilo(또 다른 매우 깨끗한 후보), Prism AD-1 또는 AD-2(전반적으로 훌륭하고 다듬어진 사운드스테이지와 존재감) 등이 있습니다. 사례는 더 많고 시도해보고 싶은 기기들이 여전히 많습니다만, 요지는 전달됩니다.
각 마스터링 세션에서 저는 다른 아날로그 아웃보드처럼 컨버터도 청음합니다. 컨버터는 최종 사운드에 역할을 하기 때문입니다. Shaggy의 경우 우리는 Lavry 4496 D/A 및 A/D 스테이지를 사용하기로 결정했고, 제 Antelope OCX로 외부 클럭을 걸었습니다. 이 컨버터들은 무엇이든 소화할 준비가 되어 있었고, 큰 음압이 필요할 때 항상 든든했습니다.
다시 디지털로 복귀
이 시점에서 우리는 Pro Tools로 돌아왔고, 소리는 매우 크지만 여전히 듣기 좋습니다. 여기서 디지털 리미터를 적용합니다. 곡의 내용과 스타일에 따라 A/D 클리핑과 디지털 리미터 사이에 게인을 배분합니다. 경우에 따라 디지털 리미터에 1dB 더 맡기기도 하고, 반대로 1dB 덜 맡기기도 합니다. 이번에는 DMG Audio Limitless를 선택했습니다. 이 선형 위상 멀티밴드 리미터/컴프레서는 원하는 음량에 도달하면서 필요시 레퍼런스와 주파수 콘텐츠를 재매칭할 수 있도록 밴드별로 세밀하게 조정할 수 있습니다. 매우 유용하고 프로그램을 완전히 망가지게 하지 않고 큰 음압에 도달할 수 있습니다.
