녹음 스튜디오에서 자라는 내 딸은 꽤 재미있고 독특한 놀이터를 가지고 있어 덕분에 부수적인 걱정이 많지 않다. 그래서 얼마 전 그녀는 아주 진지하게 내 최애 노래가 무엇인지 물었다.
어렵네요.
“어떤 기준으로 최애인가?”라고 물었다. “작곡, 프로덕션, 공연, 녹음, 믹싱, 마스터링 중에 어느 것이냐?” 그녀는 신경 쓰지 않았다. 그냥 내가 가장 좋아하는 노래가 무엇인지 알고 싶어 했다.
나는 약간 어리둥절했다.
어떻게 다른 모든 훌륭한 노래들을 제외하고 단 하나를 최고의 노래로 선택할 수 있을까? (노래는 여성입니다, 맞죠?)
나는 pureMix MixChecks에 소개된 어떤 곡도 이유 하나로 최애라고 선언할 수 있었지만, 그러면 다른 이유로 사랑하는 다른 노래들도 떠오르고 할 수가 없었다.
내 프로젝트 중 하나일까? 고전일까? 기악 음악일까? 브리트니 스피어스의 노래일까?
어떻게 결정을 내리나요?
사실 아주 중요한 질문이며 매력적인 질문이다. 물론 답을 찾기 위한 질문이 아니라, 그 답에 이르게 하는 기본 원칙들에 관한 것이다. 우리가 음악의 질, 영향력, 가치를 어떻게 평가할까? 음악 제작자로서 우리 세계가 돌아가는 방식에 대해 인식하는 것이 매우 중요하다.
첫째, 음악의 순위 및 감상은 일반인(일반인은 음악 제작에 참여하지 않는 사람들)에게는 매우 다르게 작용한다는 점을 언급할 가치가 있다. 일반인들은 프로덕션, 믹싱, 그리고 마스터링에는 전혀 관심이 없다. 그들은 노래하는 guy가 무엇을 노래하는지(기악 음악은 제외하고) 신경 쓰고, 어떻게 느끼는지를, 더 정확히 말하면 어떻게 그들을 느끼게 하는지를 신경 쓴다. 일반인이 노래에 대해 느끼는 방식은 대개 그들이 첫 번째로 노래를 들었을 때 무엇을 하고 있었는지와 연결된다. ‘To All The Girls I’ve Loved Before’의 멜로디에 맞춰 첫 키스를 기억하는 많은 훌리오 이글레시아스 팬들이 그렇게 그 노래에 영원히 감동받을 것이다. 놀랍지 않나요?
우리는 전선에서 음악 감상에 대해 매우 왜곡된 시스템을 가지고 있다. 전체 노래를 들으면서 그 노래의 내용을 무엇이라고 말할 수 없게 된 적이 있는 분은 손을 들어보세요. 왜냐하면 3분 43초 동안 진짜 드럼인지 프로그래밍된 드럼인지 알아내기에 매몰되었기 때문이에요. 이제 손을 내리셔도 됩니다.
기록이 굉장한 녹음으로 이어지는 데 기여하는 모든 개별 요소와 세부 사항에 너무 집중하게 되면 전체 과정에서 가장 중요한 부분이 무엇인지 놓칠 수 있다:
사람들이 결과를 들었을 때 무엇을 느낄 것인가.
모든 과정이 우리 청중에게 최종적인 영향을 주는 데 기여한다는 것은 안전하게 말할 수 있지만, 개인적으로는 훌륭한 음악 작품에는 형식을 초월하는 핵심적인 질이 있다고 믿는다.
그래서 익숙한 음악 실험 환경에서 즉석에서 질문을 받았을 때 아이의 질문에 대한 나의 대답은 쉽게 떠올랐다:
“Pavane pour une infante défunte.”
뭐라고? 리루가 질문했다.
그래서 난 그것을 바이닐로 아주 크게 틀어주었다.
그녀는 좋아했다.
이것이 정말로 내가 가장 좋아하는 음악 작품이다. 프랑스어라는 이유로가 아니다. 바네사 파라디도 프랑스 사람인데, 그녀의 음악에는 전혀 관심이 없다. Pavane은 내가 어디서 듣든, 어떤 편곡, 녹음, 버전을 듣든 강한 감정을 느끼게 하기 때문에 내가 가장 좋아하는 음악 작품이다. 첫 키스나 아름다운 경치 기억이나 영감을 주는 음악 선생님에 대한 향수와 무관하게, 그것은 그냥 나를 감동시킨다. 다른 어떤 작품도 그런 강한 감정을 생성할 수는 없다. 이게 내가 가장 좋아하는 작품이다.
전문적인 관점에서 이것이 흥미롭다고 생각한다. 무엇이 그렇게 만드는 걸까?
그것에 대해 이야기해 보자. 그리고 우리는 그 과정에서 버전의 힘을 관찰할 수 있다. 버전을 분석하면 문제의 핵심을 추측할 수 있다: 그 모든 버전에서 공통적인 것이 바로 이 폭탄이 작동하게 만드는 것이다. 적어도 내 물리학 선생님이 그렇게 말했다.
Pavane은 모리스 라벨이 24세에 작곡했다. 그는 그것을 피아노 곡으로 썼다. 아무도 신경 쓰지 않았다. 20세기 초의 또 다른 피아노 음악에 불과했다. 완전히 무시당했다. 당신의 첫 번째 작곡을 기억하나요?
그의 친구 중 한 명이 몇 년 후 쇼에서 그것을 연주했고, 파리 사람들은 미쳤다.
그 당시에는 니켈로디언이나 왕좌의 게임 같은 자극이 없었기 때문에 흥미는 더 어렵게 다가왔지만, 누군가 피아노에 앉아 연주하자 사람들이 감정적으로 큰 움직임을 느끼게 되었고 소문이 퍼졌다. 페이스북도, 트위터도, 문자도, 라디오도, 아무것도 없었다. 입에서 입으로 전해졌다. 자연적인 확산이었다.
생각해 보세요.
이제 들어봅시다. 이 부분에서는 음악에만 집중하는 것이 좋습니다. 다른 모든 탭을 닫고 몇 분 동안 집중해 봅시다. 그것에 몰입해야 몰입할 수 있습니다.
헤드폰과 낮은 조명이 좋습니다. 무릎 위에 자고 있는 고양이도 집중하는 데 도움이 됩니다(알레르기가 없는 경우).
우선, Shura Cherkasski의 원래 피아노 곡 버전:
https://youtube.com/watch?v=MPZROBIFHWY
뭔가 느껴졌나요? 무릎에 고양이가 있었나요?
정말로 멋진 집중력이 아닌가요?
여기 라벨 자신이 꽤 담백하게 연주한 버전이 있습니다. (어떻게 그들이 그걸 했나요? 음, 라벨이 연주했고, 그들이 그를 연주할 동안 피아노 롤을 만들었고, 누군가 그 피아노 롤을 찾아 곧 뒤에 녹음했어요. 매력적이죠.)
https://youtube.com/watch?v=tn6_yT9SKpM
담백하고 학문적이며 실수를 저지르지만 여전히 효과적이다. 주요 구간은 여전히 감정을 생성하지만 작곡가 자신이 그것을 악보를 읽듯이 연주한다. 작품의 핵심은 우리 안의 어떤 것과 조화를 이루어서 시대와 문화를 초월했다. 이 멜로디와 코드 조합은 인간을 감동시킨다. 다른 종에 대해서는 모르겠지만, 무릎 위의 고양이에게 물어볼 수 있을 것이다. (전 알레르기입니다.)
이 버전은 감정적으로 덜 관여되어 있기 때문에 형태와 작문보다는 그 효과에 집중하는 것이 더 쉽다. 보니 이 곡은 간단한 a/b/a/c/a 구조입니다.
라벨의 버전에서 첫 번째 A는 0:59까지, B는 2:05까지 진행되고, 두 번째 A가 시작된다. C는 3:02에 들어오고 극도의 인상파 기분을 가져옵니다(모네의 '수련'을 생각해 보세요) 마지막 A는 4:34에 종료됩니다.
당시 금기시 되었던 평행 5도 음정을 모두 주목하세요. 엄격하게 금지되었습니다. 그가 자신의 작곡 수업을 듣던 시기에 이걸 썼다는 것을 생각해 보세요: 가브리엘 포레와 함께. 모리스는 정말 반항적이었다. 오올랄라.
이 곡이 그를 유명하게 만든 10년 후, 라벨은 자신의 곡을 오케스트레이션하기로 결정했다. 그는 2개의 플루트, 오보에, 2개의 클라리넷, 2개의 바순, 2개의 호른, 1개의 하프, 현을 위해 다시 썼다.
여기 바렌보임이 지휘한 훌륭한 버전이 있습니다:
https://youtube.com/watch?v=B45q0caSS0Y
비디오 프레임에서 스크롤하여 움직이는 화상에 주의가 산만해지지 않도록 하세요.
또는 이 버전을 들어보세요(오보에가 약간 크고 어색한 순간이 있지만 여전히 꽤 괜찮습니다):
https://open.spotify.com/track/6yqTnphKZO96WNareeFkav
지금 기분이 어떤가요? 놀랍지 않나요? 그 곡이 당신에게 어떻게 전해졌나요?
다양한 버전에 따라 묶인 다른 감정을 어떻게 설명할 수 있을까요?
같은 음악입니다. 핵심 감정은 같지만 색채가 다릅니다.
흥미롭지 않나요?
저에게 오케스트라 버전의 주요 추가점은 매번 동일한 멜로디를 다르게 색칠할 수 있는 오케스트라의 능력입니다. 피아노는 그렇게 할 수 없습니다. 두 번째 A에서 플루트와 오보에의 멜로디는 어떠신가요? 멋지죠?
나는 피아노 버전에서 가장 잘 어울리는 두 개의 플러리가 A 섹션 중간에 있다고 생각합니다. Shura Cherkasski는 그의 버전에서 0:36과 3:00에 가장 잘 해냅니다. 나는 하프가 원래 피아노 버전이 주는 동틀 무렵의 느낌을 가져오지 못한다고 느낀다. 하지만 나는 까다롭게 굴고 있는 것 같고, 사실 대형 오케스트라 버전, 특히 바렌보임의 비전에는 저항할 수 없다. 나는 바렌보임이 라이브로 지휘하는 것을 본 적이 없지만 몇 년 전 카네기 홀에서 오르페우스 콘서트에 가서 그 곡을 연주한 적이 있다. 친구들과 함께 있었다. 7분짜리 곡이 끝난 후(그들은 정말 느리게 연주했다) 내 친구들이 나를 걱정스러운 얼굴로 쳐다보며 내가 괜찮은지 물었다. 나는 거의 대부분 울고 있었던 것을 알지 못했다. 나를 초월하는 것이었다. 정말 창피하지만 매우 교육적이었다. 물론 나는 즉시 전선의 마음가짐으로 돌아갔고 즉석에서 이렇게 물었다: 내가 만드는 음악에서도 그런 일이 더 잘 일어날 수 있도록 어떻게 해야 할까? 무엇이 이를 이렇게 강하게 만드는 걸까?
나는 여전히 결정적인 답을 찾고 있지만, 우리 음악 제작자들이 LA12-34-STEREO 같은 것들에 대해 잊고 우리 스피커에서 방금 나온 것이 우리와 청중을 울릴 수 있는지, 혹은 웃게 할 수 있는지, 혹은 화나게 하거나 불안하게 하거나 평온하게 하거나 춤추고 싶게 하거나 아예 어떤 감정이라도 느끼게 할 수 있는지에 집중하는 것이 중요하다고 생각한다.
그렇다면 당신의 최애 노래는 무엇입니까?
- 팹 뒤퐁
추신, 파반은 여러 형태로 변형되었다. 일부 각색은 원래의 핵심을 멋지게 재현했으며, 기발한 편곡이 많았다. 어떤 것은 단순히 파반 멜로디의 일부가 다른 노래가 되었다.
예를 들어, 'The Lamp Is Low'라는 곡은 실제로 B 섹션의 멜로디를 빌렸다. 그리고 라벨은 작곡가로 기재되어 있다. 여기에 매력적인 도리스 데이의 버전이 있다.
https://youtube.com/watch?v=xyn7-f7fNC8
내 고양이와 함께하면 이 곡이 첫 키스와 연결된 사람은 정말 많았을 것이다.
그리고, 당신은 오스카 피터슨 트리오의 이 미친 라이브 버전에서 완전히 다른 화성화를 따라가며 묻힌 멜로디를 찾아볼 가치가 있습니다. 독일어 해설도 포함되어 있습니다:
https://youtube.com/watch?v=Z9Qi298TlQc
그것은 당신에게 어떤 기분이었나요, 연습하고 싶다는 충동을 제외하고?
