Why “Hello” Works: A Deep Dive into Adele’s Smash Hit

Written by Adele Adkins & Greg Kurstin
Produced by Greg Kurstin
Mixed by Tom Elmhirst
Mastered by Tom Coyne

음악 산업의 변화

거의 모든 것이 변했다

최근 메인스트림 뉴스에서 음악 산업이 끊임없이 변화하고 있다는 소식이 자주 보도되고 있다. 지난 20년 동안 변하지 않은 것이 거의 없다: 곡이 쓰이는 방식, 음반이 제작되는 방식, 걸리는 시간, 배포 방식, 구매 방식, 듣는 방식 등등 … 변하지 않는 것은 거의 없다.

여전히 중요한 것들

하지만 변하지 않는 몇 가지 디테일이 있다: 훌륭한 가수는 훌륭한 가수다. 훌륭한 곡은 훌륭한 곡이다. 그렇다고 해도, 당신과 나는 적어도 한 명의 훌륭한 가수와 훌륭한 곡을 가진 사람이 전혀 성공하지 못하고 있는 경우를 알고 있다. 맞지 않은가? 뛰어난 재능이 제대로 인정받지 못하고, 자신의 노래를 쓰고 공연하면서 괜찮은 삶을 살지 못하는 것을 보는 것은 답답하다. 라디오에서 그저 그런 음악만 틀어대는 것보다 훨씬 나은 노래인데 말이다. 그렇지 않은가?

재능만으로는 충분하지 않은 이유

문제는 훌륭한 가수와 훌륭한 곡만으로는 음악 비즈니스의 항상 교묘한 필터를 통과하기 어렵다는 점이라고 생각한다. 네트워크, 작사가에서 프로듀서, 그래픽 디자이너, 콘서트 프로모터, 비디오 감독까지 각자 네트워크를 가진 팀이 필요하고, 음악 업계 안팎의 무작위 의사결정자와의 우연한 만남이 필요하며, 반복되는 노동을 감내할 의지, 예술을 상업화할 때 불편함을 느끼지 않을 용기, 향후 10~15년 동안 몇 시간만 자며 버틸 각오가 필요하고, 여기서 조금 기술적으로 말하자면, 배짱이 필요하다. 아주 많아야 한다. 초기 성공을 맞이했을 때도 자신의 방식대로 계속할 배짱이 있어야 한다. 앞서 언급한 재능들의 경제적 삶이 당신의 모든 결정에 좌우될 때 많은 이들이 그 압박에 굴복했다. 하지만, 분명히 Adele은 그렇지 않았던 것 같다.

“Hello”는 어떻게 히트했나?

대형 임팩트를 위해 설계된 싱글

내 생각에 Adele의 새 싱글이 발매되기도 전에 성공을 거둔 것은 그녀의 팀, 레이블, 홍보팀의 공이다. 다른 누구든 이 ‘Hello’ 곡이 전 세계적으로 채택되는 속도가 어지러웠다는 것을 눈치채지 않았나? 이 글을 쓰는 시점으로 ‘Hello’가 발표된 지 정확히 30일이 지났다. 발표된 지 24시간 이내에 이 곡은 유튜브에서 음악 업계의 다음 큰 사건으로 선포되었고... 그 뒤 첫 주에 백만 장의 디지털 판매를 기록했다. 어떻게 그런 일이 가능한가? 세상이 가만히 누워서 새로운 Adele 곡을 손꼽아 기다리고 있었다고는 말할 수 없다. 사람들은 일상생활을 하고 있다가, 갑자기 이 분야를 글로 쓰는 사람들이 모두 ‘Hello’를 들어야 한다고 느끼게 만들었고, 그것은 먹혔다. 당신이 적절한 마케팅 예산을 가지고 있다 해도 같은 일을 스스로 할 수 있을까? 아마도 아닐 것이다. 단지 곡과 예산만으로는 충분하지 않다. 이러한 하룻밤의 성공은 사실 Adele 경력에서 수년간 쌓아온 결과다. 그렇긴 해도, 이 엄청난 홍보 전략에 이 곡이 왜 적합했는지 곡을 자세히 들여다보는 것은 흥미롭다.

규칙을 깨는 발라드

우선, 이 곡은 발라드다. 뭐라고? 전 세계적 성공을 얻으려면 경쾌한 곡이 필요하다고 알지 않았어? 지난 A&R 회의에서 듣지 못했나? 음, 나는 들었다. 그래서?

둘째로 거의 5분 길이다. 오, 하지만 3분 30초를 넘기면 안 된다, 잘려 버릴 거다. 그런데 아닌가 보다.

셋째로 곡의 대부분에는 제대로 된 드럼이나 진정한 타악기가 없다. 그건 통하지 않을 거다.

그런데도 통했네. 신기하다.

곡 구조

인트로와 긴 첫 절

구조적으로 ‘Hello’는 일부 멋진 화성적 움직임이 가미된 전형적인 발라드다. 인트로는 2마디 길이로, 곡 대부분을 지배하는 코드 진행을 제시한다. Fm Ab Eb Db. 그다음 대칭적인 8마디 두 구절로 이루어진 긴 절이 나온다. 길게 느껴질 정도로 첫 코러스가 나오기까지 1분 6초를 기다리게 만든다.

프리코러스의 화성적 전환

그다음 프리코러스가 나온다. 4마디 길이로 이 곡이 주된 코드 구조를 벗어나는 첫 순간이다. 무심코 다른 생각을 하려던 순간에 뇌를 깨운다. 코드 진행은 절과 코러스의 코드들과 매우 밀접하지만(Fm Eb Cm Db), 충분히 다른 색을 제공해 전체 분위기를 바꾼다(Cm이 들어가면서 약간의 ‘Time after Time’ 느낌을 준다, 재미있다).

감정을 끌어올리는 리듬 트릭

또한 이 부분은 도트 4분음표 + 8분음표를 반박자 묶음으로 한 리듬에서 벗어나는 유일한 순간인데 아주 효과적이다. 두 프리코러스의 3마디에서 화성 리듬이 반박자 묶음 + 8분음표가 4분음표에 묶이는 식으로 바뀌는 것을 주목해보라. Db 코드가 우리가 시작부터 익숙해진 리듬(다음 마디의 1박에 나올 것으로 예상되던) 대신 4박에 들어온다. 매우 효율적이다. 놀라움을 만들고 약간의 흥분을 유발하며 다음 마디를 평소보다 더 길게 느끼게 만든다. 마치 5/4박처럼 느껴져 코러스의 다운비트가 지연되고 극적으로 들리게 한다. 매우 영리하고 단순하며 매우 멋지다. (10분만 투자해서 프리코러스를 익힌 뒤 그 작은 3마디의 4박 트릭을 켜고 끄면서 연주해보고 어느 쪽이 더 감정적으로 들리는지 확인해보라)

코러스와 더 짧아진 두 번째 절

그다음 코러스가 오는데, 코드와 구조 면에서 절을 반영한다. 동일한 재료 위에 새로운 멜로디를 얹었을 뿐인데 새롭고 상승하는 느낌을 준다. 그리고 곡 초반과 똑같은 인트로가 다시 나오고 새로운 절이 이어진다. 두 번째 절은 처음처럼 2×8마디가 아니라 8마디로 짧아져 곡이 진행되는 데 도움이 된다. 같은 템포에서 또 다른 16마디 절이 있었다면 지루했을 거라고 판단했을 것이다. 아니면 그녀가 더 이상 할 말이 없었을 수도 있다. 짐작하기 어렵다. 그다음 두 번째 프리코러스와 두 번째 코러스가 이어진다. 첫 번째 것들의 반영이다.

브리지와 아웃트로

브리지는 8마디로 프리코러스의 코드 기반을 따르지만 편곡은 코러스와 유사하다. 그다음 16마디 코러스로 돌아가며, 아웃트로는 인트로의 북엔드처럼 마지막 피아노 코드에 멋진 리버브 효과를 얹어 마무리한다.

단순하고 우아하지만, 해내기 어려운 것이다.

악기적 프로덕션

피아노, 리버브, 그리고 드문 편성

프로덕션 면에서 특별히 혁신적인 요소가 많지는 않다. Adele의 이전 레코드들에서 들었던 여러 요소들의 조합이다. 피아노 사운드는 꽤 훌륭하다. 저음에서 고음까지 지나치게 분리되지 않은 매우 스테레오적인 소리다. 특히 곡 전체가 피아노와 보컬의 상호작용에 기반하고 있기 때문에 잘 만들어졌다. 이 트랙의 리버브 작업을 주의 깊게 들어보는 것이 매우 흥미롭다. 프로덕션 단계에서 된 것인지 믹스 단계에서 된 것인지 구분하기 어렵다. 하지만 트랙이 매우 비어 있어서 보컬 리버브가 첫 절과 프리코러스에서 사실상 세 번째 악기 역할을 한다. 첫 번째 ‘Hello’에 리버브가 어떻게 걸리는지, 그리고 첫 절의 두 번째 8마디 시스템 상단에서 두 번째 ‘Hello’에서 어떻게 다른지 확인해보라. 멋지지 않은가? 딜레이가 추가된 것과 그 처리법이 들리는가?

응집된 보컬 톤

보컬 사운드는 매우 응집되어 있다. 꽤 압축되어 있지만 어택이 느려 디테일과 자음의 작은 훅들이 살아 있어 그녀가 무엇을 말하는지 듣게 만든다. 조금 더 두껍게 들릴 수도 있었을 것이다. 아마 이유가 있을 것이다. 살펴보자.

작곡에서 타 곡 참조

작곡에 대한 한 마디. ‘Hello’에 대해 이야기해보자. Adele과 Greg Kurstin이 Lionel Richie를 모른다고 한순간도 생각하지 말자. 그들은 알고 있다. 그 노래를 알고 있고, 그 라인을 집어넣었다. 처음엔 우연한 영감이었을지 모르지만 분명히 스스로에게 물었을 것이다: '이걸 해도 될까?', '좋은 생각일까?', '비난받지 않을까?', '감행할까?' 그리고 괜찮다고 판단했다. 나는 이것을 일종의 “거시적 두운(macro alliteration)”으로 본다 — 몇 구절이 아니라 수십 곡에서 참조되는 훅/사운드다. 이런 걸 해내려면 독자적으로 설득력 있는 훌륭한 오리지널 곡들을 많이 써야 하는데 그들은 그걸 가지고 있다. 절에서 그녀가 'California Dreaming'을 부를 때도 흥미롭다. 특정 버튼을 누르는 느낌이다. 그렇지 않은가? 'Hello' 라인은 처음 몇 번은 여전히 불편함을 준다, 그렇지? Lionel은 어떤 기분일까 궁금하다.

패드와 리버스 효과

첫 번째 새로운 악기는 프리코러스에 등장한다. 광택 있는 패드 같은 소리다. 그리고 코러스 전에 나오는 리버스 피아노/보컬 패드 라이저는 이 곡이 1973년의 것이 아님을 상기시킨다.

코러스의 두터움과 사전 계획

코러스는 절의 더 두터운 버전일 뿐이며, 요구되는 페달 음(single pedal note)은 현의 상단에 위치해 있다. 코러스가 터질 때 보컬이 사라지거나 공간상 뒤로 물러나지 않는 점을 주목하라. 그녀가 크게 부르고 마이크가 아마도 힘겨워했을 텐데도 말이다. 누군가는 미리 계획을 세워 절의 보컬 사운드와 코러스의 보컬 사운드가 맞아떨어지게 만들었다. 코러스가 옥타브 위에 있고 많은 효과에 둘러싸여 있으며 절은 낮고 친밀하며 공간이 많은 상황에서 이를 맞추는 것은 어렵다. 이것이 절 보컬 사운드를 가능한 최고의 소리보다는 더 절제된 톤으로 만든 이유라고 생각한다. 그들은 전반적으로 더 균일한 보컬 사운드를 선택했다. 다만 두 번째 절의 첫 단어들에서 약간의 에너지가 폭발하는 부분이 들린다. 예를 들어 그 색채가 첫 절 전체에 있었다면 어땠을까? 어떻게 생각하는가?

필터 처리된 드럼 컨셉

또 하나 주목할 점은 드럼 사운드다. 이런 감성적 발라드에서 취향을 해치지 않는 드럼을 만드는 것은 매우 어렵다. 이 장르에서는 쉽게 치즈스러운 소리가 난다. Kurstin은 드럼에 로우패스 필터를 적용해 비트의 에너지만 남기고 실제 소리는 제거하는 결정을 내렸다. 집에서 시도해볼 수 있다. 재밌다: 기본 비트를 프로그래밍하고 Filterfreak 같은 플러그인을 걸어 낮은 주파수 포인트를 선택하면, 붕: ‘Hello’ 드럼이 된다. Was it us you were looking for?

드럼 패턴의 진화

프로듀서 Greg Kurstin은 첫 번째 코러스에서는 베이스 드럼만 유지했지만, 두 번째 절과 두 번째 코러스에서는 같은 필터 트릭을 전체 드럼 패턴에 적용했다. 드럼 필터는 브리지 이후 마지막 코러스들에서만 열리며 에너지의 추가 상승을 제공한다.

세분화와 16분음표 패턴

이 드럼들에는 거의 세분화가 없음을 주목하라(하이햇이 연관되어 보이지 않는다). 대신 두 번째 코러스 중반에 은밀하게 등장하는 작은 전자식 16분음표 패턴이 있다. 심벌의 울림과 다른 다운비트 드라마 때문에 이 패턴에 붙기까지 몇 마디가 걸리지만, 존재하며 브리지를 통해 잘 이어진다. 그 등장 방식을 꼭 분석해보라.

새로운 멜로디 없이 올라가는 크레셴도

그 외 편곡은 같은 파트를 더 두껍고 풍부한 소리로 여러 겹 쌓아가는 것이다. 즉, 추가 보컬을 제외하면 눈에 띄는 새로운 파트는 거의 없고 동일한 소리들이 더 많이 울린다. 코러스에 추가된 패드들, 마지막 코러스의 다운비트에 쓰인 튜브라벨(튜블러 벨), 코러스에서 패드로 쓰인 리버브에 젖은 길게 잡은 기타 노트 등. 마지막 코러스의 2부에서 2박에만 아주 크게 들리는 스테레오 박수 소리 같은 작은 멋진 디테일들도 많다(확인하고 싶다면 약 4:16 지점), 하지만 새로운 라인, 리드나 아르페지오 같은 것은 없다. 정보는 추가되지 않고 단지 큰 크레셴도만 존재한다.

보컬 프로덕션

클래식한 Adele 방식과 레이어링

보컬 프로덕션은 전형적인 Adele 스타일이다. 이전 싱글인 ‘Rolling In The Deep’을 연상시킨다. 그녀는 두 번째 프리코러스의 3마디에서 첫 하모니가 들어올 때까지 솔로로 노래한다. 그리고 두 번째 코러스에서는 리드 라인 사이의 빈 곳을 키워드 반복 배경 보컬로 채우고 이후의 리드 라인들을 하모니로 두껍게 만든다. 새로운 것은 없지만 심도 있는 레이어링과 아이디어의 재활용이 있다.

브리지와 마지막 코러스들

브리지는 “Ah Ah Ah” 배경 보컬로 구성되어 있다. 브리지를 위해 저장해둔 새로운 파트로 똑똑하다. 브리지가 진짜 브리지처럼 느껴지게 만든다. 이 곡에서 리드가 없는 첫 순간이기도 하다 — 필요한 휴식이다.

마지막 코러스들은 보컬적으로 새로운 것이 없지만 편곡의 다른 요소들과 함께 같은 방식이 더해진다. 리드를 항상 지지하는 더 많은 레이어의 백그라운드 보컬(들리기 어렵지만 존재함), 응답 부분의 더 많은 더블 트랙 등등 … 만약 아이디어가 보컬에 초점을 맞추는 것이었다면 이 프로덕션은 Adele의 퍼포먼스에서 주의를 분산시키지 않음으로써 그 목적을 달성한다.

믹스

전체적인 음향 밸런스와 저역

믹스 측면에서 ‘Hello’가 이전의 피아노/보컬 히트곡 ‘Someone Like You’보다 소리적으로 훨씬 진보해 보이는 것은 분명하지만(참고용으로 거의 모든 스트리밍 서비스에서 들을 수 있다), 레코드의 저역을 자세히 들여다보는 것은 흥미롭다. 베이스 라인 위로 모든 것이 얼마나 또렷하고 부드러운지 고려하면 드럼+베이스 시스템이 얼마나 얇고 흐릿한지 꽤 놀랄 수 있다. 확인해보라. 이 트랙에는 사실상 저역이 거의 없다. 왜일까?

필터 처리된 드럼과 펀치감의 부재

경험상 이런 식으로 필터 처리된 드럼은 두툼하고 분명한 소리로 만드는 것이 어렵다. 그 결과 전체 믹스가 하이패스된 느낌으로 밀리는 경향이 있고 확실히 펀치감이 부족하다. 그런데 이런 곡이 펀치할 필요가 있나? 일반 대중의 반응을 보면 꼭 그렇지는 않은 것 같다. 늘 그렇듯 취향과 우선순위의 문제다.

당신이라면 어떻게 했을까?

당신이라면 무엇을 다르게 했을까? 이 트랙에 베이스를 추가했을까, 아니면 그들이 한 것처럼 왼손 피아노에 베이스를 맡겼을까? 마지막 코러스들을 위해 미드에 베이스 드럼 샘플을 추가했을까, 아니면 그들이 한 것처럼 비어 있게 놔뒀을까?

취향, 성공, 그리고 훅

좋아하는가? 예? 훌륭하다.

아니오? 이 곡이 매우 성공적이니 좋아하게 될까? 과연 누가 옳은가?

좋은 질문이다. 물어줘서 고맙다.

답을 생각하는 동안 20분을 내어 곡을 3~4번 듣고 즉각적인 세계적 성공을 위해 이 프로덕션을 훌륭하게 만드는 모든 작은 훅들을 적어보라. 지배적인 보컬 퍼포먼스 너머에 있는 모든 미묘한 세부사항들이 사람들로 하여금 지루함 없이 곡을 반복해서 듣게 만들면서도 처음부터 끝까지 누구도 어떤 식으로든 놀라지 않게 만드는 방식을 주목하라.

다음에 보자.

Fab Dupont