인디 록 송라이터가 되고 싶으신가요? 우선, 노래의 구조—다양한 노래 섹션의 순서—는 음악 제작에서 매우 중요한 요소입니다. 잘 설계된 구조는 악기의 스마트한 편곡과 결합되어 노래를 앞으로 나아가게 하고 청중의 관심을 유지하는 데 도움을 줍니다.
Puremix 비디오 “Vance Powell와 함께하는 시작부터 끝까지 에피소드 1”에서, Vance는 듀오로서 인상적으로 풍부한 사운드를 내는 다소 비즈니스적이지 않은 인디 록 그룹을 녹음하고 있습니다. 이 비디오에서는 Vance가 Illiterate Light 밴드 멤버인 Jeff Gorman과 Jake Cochran과 함께 스튜디오에서 작업하는 모습을 보여줍니다. 그들은 다소 소란스러운 리프 기반의 인트로와 구절, 부드럽고 훅이 풍부한 후렴, 그리고 파워풀한 악 instrumental 섹션을 가진 “Sweet Beast”라는 곡에 대해 작업하고 있습니다.
비디오에서 (좌측부터 우측) Illiterate Light의 Jake Cochran과 Jeff Gorman, Vance Powell.
일반적인 잘라내기
짧은 노래 데모를 듣고 있을 때—단 2분 6초—Vance는 후렴이 너무 빨리 들어온다고 생각합니다. 그는 후렴이 한 구절이 아니라 두 구절 뒤에 들어와야 한다고 제안합니다.
후렴은 에너지가 넘치는 인트로와 구절 섹션과는 매우 다른 느낌을 줍니다. 후렴은 더 멜로디가 좋고 C키에 있으며, 구절, 인트로, 악기 섹션은 모두 B키에 있습니다. 결과적으로 후렴은 매우 다른 장소로 가는 다리 같은 느낌을 줍니다. Vance는 곡이 느낌이 바뀌기 전에 더 쌓여야 한다고 느끼며, 그래서 후렴 전에 두 번째 구절을 두는 것이 의미가 있다고 생각합니다.
그는 Pro Tools 세션에 노래 데모의 스테레오 믹스를 가지고 있으며, 이를 타임라인에 가져와 곡 섹션을 잘라내고 재편곡을 진행합니다. 이렇게 하면 밴드가 그의 새로운 구조 아이디어가 어떻게 들릴지 들을 수 있습니다. 추상적으로 이야기하는 것은 한 가지이지만, 실제로 들을 수 있다면 새로운 구조에 대한 감각을 얻는 것이 훨씬 쉽습니다.
Powell은 스테레오 믹스를 잘라내고 재편곡하여 아이디어를 시도합니다.
부분들
녹음을 위해 곡을 쓰거나 편곡할 때는 섹션의 흐름과 그것이 청중에게 미치는 영향을 깊이 생각해보세요. 자연스럽게 가사, 멜로디와 퍼포먼스가 가장 중요한 요소이지만, 구조도 필수적입니다.
대중 음악에서 흔히 발견되는 노래 섹션을 살펴보고 그 기능에 대해 조금 이야기해보겠습니다. 다음은 상대적으로 일반적인 정보이며, 이러한 지침에서 벗어난 곡들도 많이 있습니다.
인트로: 청중이 가장 먼저 듣는 것이므로, 어떤 식으로든 기억에 남아야 합니다. 인트로 섹션은 보통 매우 짧습니다. Illiterate Light가 “Sweet Beast”에서 한 것처럼, 인트로를 나중에 노래에서 반복될 기억에 남는 악기 라인이나 리프를 기반으로 하는 한 가지 방법입니다. 일반적인 기법은 악기를 간소화하여 인트로를 만들어 후속 세션—보통 구절이나 후렴—이 들어올 때 에너지가 증가하는 느낌을 주는 것입니다.
구절: 가사적으로 구절은 이야기를 전하는 곳입니다. 코드 구조는 주음 중심으로 돌아가는 경향이 있습니다. 구절에서는 종종 조금 주춤하는 경우가 많습니다. 이는 악기, 코드 또는 전반적인 에너지 측면에서 이루어져 후렴에서 에너지를 끌어올릴 여지를 남기기 위해서입니다.
프리-코러스: 이는 보통 후렴을 위해 설정하기 위한 전환 역할을 하는 상대적으로 짧은 섹션입니다. 프리-코러스가 없는 곡도 많지만, 많은 팝 송라이터들이 이를 매우 효과적으로 사용합니다.
후렴: 후렴의 가사는 곡의 중심 메시지를 제공합니다. 코드가 이전 섹션과는 다르게, 종종 IV 또는 V 코드로 시작합니다. 곡의 에너지는 높습니다. 후렴에서 가장 기억에 남는 송 훅을 보통 찾을 수 있습니다.
브리지: 브리지의 역할은 대비를 제공하고 곡을 다른 장소로 이끌어가는 것입니다. 예를 들어, 브리지는 새로운 키로 넘어가거나 조용해지거나 전혀 다른 드럼 패턴을 특징으로 할 수 있습니다. 곡의 주요 느낌과 대비를 제공하기 위한 규칙은 없습니다. 종종 브리지는 구절이나 후렴으로 돌아오기 전에 어떤 종류의 악 instrumental 섹션으로 이어집니다.
악기: 리드 솔로는 팝 음악에서 예전만큼 두드러지지 않지만, 여전히 다양성을 위해 또는 전환 목적으로 어떤 형태의 악기 섹션을 포함하고 싶을 수 있습니다. 솔로가 아닐 경우, 이전 곡의 반복 리프일 수도 있습니다. EDM 트랙을 제작하고 있다면, 악기 섹션에 리저가 포함될 수 있습니다.
아우트로/끝: 많은 곡이 끝나기 전에 후렴을 여러 번 반복합니다. 일부는 후렴의 마지막 줄(또는 마지막 줄의 일부)을 반복하는 "태그"를 사용합니다. 이는 곡이 끝나고 있다는 신호를 청중에게 줍니다. 가능한 한 진부한 결말을 피하세요. 때로는 놀라운 결말이 더욱 기억에 남게 할 수 있습니다.
악기와 보컬의 편곡과 함께 곡의 구조는 청중에게 미치는 전체적인 영향을 결정합니다.
이런 식으로 해보세요
곡의 구조에 대해 더 알고 싶다면, 자신의 장르와 유사한 곡들을 분석하여 그들이 어떻게 구성되어 있는지 살펴보는 것이 도움이 될 수 있습니다. 아마도 각 섹션을 순서대로 보여주는 곡의 "지도"를 간단히 메모해 보세요. 이는 당신이 송라이터가 되는 데 아이디어를 줄 수 있습니다.
또한 곡이 진행될수록 전체적인 편곡이 어떻게 변화하는지 듣는 것이 유용합니다. 곡이 진행됨에 따라 악기나 보컬 요소가 추가되거나 제거되는 것을 당신은 아마도 느낄 것입니다. 때로는 매우 미세하게 이루어집니다.
예를 들어, 곡에 후렴 전에 두 개의 구절이 연속적으로 있다면, 두 번째 구절에는 새로운 무언가가 있을 가능성이 높습니다. 아마도 퍼커션 악기나 배경 보컬이 들어올 것입니다. 때때로 드럼은 첫 번째 구절에서 드문드문하다가 두 번째 구절에서 더 복잡하거나 크게 변합니다. 가능성은 무한하지만, 아이디어는 동일합니다: 흥미를 유지하세요.
다이내믹스 또한 곡이 진행됨에 따라 변화합니다. 보통 후렴으로 이어지는 부분에서 쌓이고, 나중에는 모든 것이 보컬을 제외한 채 더 드문드문해지는 브레이크다운이 있을 수 있습니다. 브레이크다운은 다이내믹스를 일시적으로 낮추는 훌륭한 방법으로, 모든 악기가 다시 들어올 때 더욱 강력하게 느껴지게 합니다. 마지막 후렴에서는 보통 완전한 기세로 나가고 싶습니다.
Vance처럼 해보세요
당신의 곡 중 하나의 거칠은 믹스가 있다면, Vance가 “Sweet Beast” 데모에서 한 것처럼 다른 곡 구조를 시도하기 위해 쉽게 잘라낼 수 있습니다. 믹스 트랙으로 하는 것이 멀티트랙 세션에서 트랙을 잘라내고 이동하는 것보다 쉽지만, 그렇게 할 수도 있습니다.
곡의 템포에 따라 DAW를 설정하면 마디가 그리드와 일치하도록 도와줍니다(클릭을 통해 녹음되었다고 가정할 때), 그럴 필요는 전혀 없지만요. 믹스를 다듬어 곡의 다운비트에서 시작하도록 합니다. 곡에 픽업이 있다면 픽업을 그대로 두고, 픽업 뒤에 시작하는 마디의 다운비트를 그냥 두 번째 마드의 시작과 일치시키세요.
곡 섹션을 자를 때는 혼란을 피하기 위해 각 섹션의 이름을 지정하는 것을 잊지 마세요.
그 다음, 각 곡 섹션을 별도의 지역으로 자릅니다. 곡을 DAW의 바 라인과 정렬하고 있다면, 이렇게 할 때 스냅 투 그리드 기능이 켜져 있고 바로 설정되어 있는지 확인하세요. 무언가를 이동하기 전에 각 섹션(구절 1, 후렴 1, 구절 2 등)에 이름을 지정하세요. 그렇지 않으면 섹션을 이동할 때 혼란스러울 수 있습니다.
Pro Tools에 있다면, 섹션을 재편곡할 준비가 되었을 때 셔플 모드를 켜세요. 그렇게 하면 이동할 때 주변 섹션이 자동으로 당신이 만든 공간을 메울 것입니다. 그렇지 않으면, 잘라내기, 복사 및 붙여넣기 편집 도구를 사용하여 재편곡을 수행해야 합니다. 다운비트 전에 픽업으로 시작하는 섹션이 있다면, 그리드를 끄고 지역을 왼쪽으로 늘려서 픽업을 포함해야 할 수 있습니다.
재편곡된 트랙은 전환 부분에서 완벽하게 들리지 않을 수 있지만, 구조와 편곡을 실험하는 데엔 분명히 충분할 것입니다.
