광기 - 뮤즈

몇몇 밴드는 스스로를 재발견하는 데 능숙하다. 오랫동안 성공을 거둬온 경우라면 더욱 더 어렵다. 팬들을 실망시켜 잃지 않기 위한 압박감이 크기 때문이다. 특정한 익숙한 사운드의 지속적인 성공에 의존하는 사람들이 많을 수 있다. 그래서 내가 라디오에서 Madness라는 곡을 처음 들었을 때, 한적한 미국 뒷길에서 너무 빨리 운전하면서도 Muse의 새 싱글이라는 생각은 전혀 하지 못했었다. 너무나 매력적이어서 나는 실제로 도로 한쪽에 멈춰 서서 사운드헌드를 실행해 곡이 끝나기 전에 이게 뭔지 알아내려고 했다 (문자 메시지를 보내며 운전하지 말자).

여기에서 들어보세요:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj

이 트랙은 평범한 Muse의 곡과는 다르기 때문에 매우 흥미롭다. 나는 이를 '압력솥'이라고 부른다. 필수적인 해소를 제공하기 전까지 오랫동안 끓어오른다. 구조는 일반적인 라디오 주도형 구절/후렴-구절/후렴이 아니라 구절/후렴으로 되어 있어 라디오 곡으로서 매력적이다. 첫 번째 듣는 동안 주의 깊게 듣는다면, 후렴 역할을 하는 반복적인 파트가 없음을 알 수 있을 것이다. 대신 훅은 널리 퍼져 있고 더 자주 돌아온다. 4마디의 인트로 뒤에 2개의 8마디 동일 사이클로 구성된 구절이 있고, 그 뒤에 8마디 B 섹션이 이어진다 (이 섹션은 'What you need'로 끝난다). 기타 솔로는 3번째 구절의 시작 16마디를 대체하고 (같은 화성 사이클을 사용) 그 뒤에 B 섹션이 상승하여 결국 비상하게 된다. 이것은 8번 반복되며, 두 개의 사이클 후에 일종의 브리지로 전환된다 (같은 음악 배경에 다른 멜로디와 가사). 끝맺음은 구절에서 가장 아이코닉한 부분을 다시 재생하는 것으로, Beach Boy 스타일의 'mamamamamamaaaaa'이다.

배경 정보: 구절/후렴의 '후렴' 파트는 일반적으로 구절의 끝에서 반복되는 단일 라인이나 단어이다. (Bob Dylan의 'Blowing in the Wind' 또는 'The Times They Are a-Changin'을 들어보세요) 때때로 작곡가들은 구절 후렴 구조를 사용하지만 후렴 라인의 위치를 조정한다 (상당히 유명한 영국 밴드 The Beatles의 'Yesterday'를 들어보면 명확한 예가 된다. 힌트: 후렴은 'yesterday'이다) 구절/후렴과 구절 후렴의 차이에 대해 혼란스럽다면, 'Yesterday'를 듣고 즉시 'Yellow Submarine'을 들어보면 도움이 될 것이다 (같은 영국 밴드, 다른 앨범).

우리의 곡에서 후렴은 바로 그 mamamamamamama Beach Boy의 요소와 베이스 라인의 음절 반복이 결합된 것이다. 재밌다. 리프가 곡의 끝 뒤 한 번에만 'madness'라는 단어 전체로 간다. 깔끔한 요소이다.

프로덕션 측면에서 Queen과 George Michael의 요소가 많이 느껴진다 (믿지 못하겠다면? Faith와 I Want To Break Free를 들어봐). 이 프로덕션이 어떻게 간단하면서도 효과적인지 인상적이다. 구절은 몇 개의 신스 베이스(스테레오로 배치), 킥 드럼, 그리고 클랩/스네어로 구성된다. 물론 후렴/훅이 들어간다. 구절 중간에 단일 노트의 유리 같은 패드가 섹션을 강화하고 그 부분의 끝을 알린다. 순수하고 우아하다. 하기 어려운 작업이다. 세부 패턴이나 하이햇, 셰이커는 없고, 두 개의 드럼과 베이스만 있다 (세부 패턴은 베이스에 의해 제공되지만 여전히).

두 번째 곡 시스템 (곡 시스템은 구절/후렴 조합임)에서 기타가 들어와 베이스 리프를 두 배로 한다, 그리고 Queen 스타일의 배경 보컬이 들어와 전체적으로 끌어올린다. 첫 번째 진짜 화음은 모든 사람들이 프리셋을 탐색할 때 평생 스킵했던 디지털 마림바 신스 패치가 들어오는 중간 부분이다 (여기서는 잘 작동한다). 전환을 알리는 역방향 피아노 노트가 갑자기 등장하는 걸 주목하라 (다시 한 번 Queen을 참조, Another One Bites the Dust를 확인하라). 멋진 요소이다.

기타 솔로는 Brian May의 'We Will Rock You' 시기와 같다. 완벽하게 두 배로 되어 있어 조심스럽게 작곡되었음을 나타낸다. 왼쪽에서 오른쪽으로의 음색과 퍼포먼스의 차이에 주의하라. 기타가 연주하는 동안 보컬 리프가 계속 남아 있어 즐거움을 준다. B 섹션이 다시 시작될 때, 기본적으로 이전와 같은 편곡인데 세부 패턴이 추가되어 셰이커와 ooooo 보컬 패드가 들어오면서 가득 차게 된다. 이 B 섹션과 이전 B 섹션을 오가며 세부 패턴이 추가됨에 따라 얼마나 많은 차이가 나는지 살펴보라. 신선하지 않은가? 또 스네어가 위치와 역할을 바꾸는 걸 유의하라. 패드의 질량이 스네어를 매우 전방 중앙에서 더 확산된 '뒤쪽' 배치로 밀어내는 모습을 주목하라. 킥은 변하지 않는다. 그 변화가 마음에 드는가? 눈치챘는가?

B 섹션은 새로운 보컬 라인의 강도와 함께 감정의 변화를 통해 브리지로 변한다 (Come to me... Come on and rescue me), 그러나 음악은 본질적으로 같아서 주목하라. 브리지 시작을 나타내는 탐필 뒤에 왼쪽에서 하이햇 패턴이 올라온다.

브리지는 즉각적으로 끝 부분으로 변모하고, 그것은 다름 아닌 후렴과 그 오랜 기다림의 마무리일 뿐이다. 대부분의 '구절/후렴과 브리지를 포함한' 곡들은 브리지를 정지 구간으로 사용하여 2번째와 3번째 구절/후렴을 분리하여 동일한 곡 시스템이 연속으로 들리지 않도록 한다. 그러나 이 특별한 경우, 작가는 그의 3번째 구절의 B 섹션을 확장하여 브리지로 변환했으며, 다른 구절로 돌아갈 생각이 없었다. 그들은 3번째 구절의 단조로움을 기타 솔로로 바꿔버렸다. 왜 안 되는가? 잘 작동한다. 그 브리지 이후에 전체 구절로 돌아가는 것은 너무 많은 것이었을 것이다. 게다가 그는 아마 그 시점에서 말해야 할 것을 모두 말했을 것이다. 그는 그가 브리지에서 한 말을 구절 섹션에 담을 수 있었겠지만, 아마도 브리지의 더 서사적인 사운드가 그가 전달하고자 했던 감정의 더 나은 배경을 제공한다고 느꼈을 것이다. (다시 들어보라)

믹스 측면에서, Spike Stent가 여기서 한 작업은 매우 교육적이다. 구절은 생생하지 않다. 맞지? 리드 보컬에는 약한 지연 효과가 있으며, 2개의 베이스의 인터플레이는 공간을 창출하지만 어떤 것도 꼬리 없이 만든다. 패드는 그 나머지 요소 뒤에 배치된 듯한 느낌을 주며 꽤 젖어 있다. 스네어와 킥은 건조하다. (킥이 그렇게 크게 믹스되지 않았음을 주목하라). 두 번째 구절에서는 기타와 배경 보컬이 모두 건조하다. 마림바도 마찬가지다. 이를 위한 이유가 있다. 모든 것이 매우 친밀하고 존재감이 느껴진다. 톤이 설정되고 압박감은 커진다. 조작할 공간이 넉넉하다. 3번째 구절/기타 솔로에서는 무엇이 일어나는가? 맞다, 그는 드럼에 꼬리 리버브를 열어준다. 그는 당신에게 앞으로 올 B 섹션의 사운드 스테이지 변화에 적응하도록 준비시킨다.

B 섹션이 시작되면, 전체 젖은 느낌이 건조한 느낌으로 바뀐다. 이 부분은 특히 중요하고 어려운 부분이다. 너무 많은 요소들에 둘러싸인 보컬을 건조하게 유지하는 것은 매우 어렵다. 그래서 주목하면 보컬에 리버브와 지연이 나타나는 것을 들을 수 있지만, 그것들은 매우 discreet하여 내러티브에서 벗어나지 않고 가수의 관점이 너무 많이 바뀌지 않도록 한다. 모든 다른 것에 많은 공간이 부여된다 (특히 배경 보컬) 리드를 건조한 느낌으로 유지한다. 나에게 흥미로운 점은 Spike Stent조차도 이 섹션에서 드럼을 구절과 같은 방식으로 존재감을 유지할 수 없었다는 것이다. 주위 환경이 이렇게 많이 변할 때 이러한 드럼의 존재감을 유지하는 것은 매우 어렵다. 주변의 지속적인 요소들이 주변의 모든 공기를 흡수하여 그들을 더 작고 미약하게 느끼게 하고, 이를 보완하기 위해 리버브를 추가하면 믹스에서 더 멀어진다. 궁극적인 전투이며, 과도하게 겹쳐진 믹스가 일반적으로 더 가벼운 Sparse 프로덕션보다 좋지 않게 들리는 이유이다. 하지만 Spike Stent는 현재 최고의 믹서 중 한 명이기에, 당신은 어떻게 생각하는가? 이 텍스처의 변화는 미적 선택이었을까? 아니면 '그가 주어진 요소들로 관리할 수 있었던 최상의 상황'이었을까? 당신은 다른 방법을 썼을 것인가?

결국 이것은 훌륭한 연구 자료이다. 이 앨범 전체는 Spike Stent, Chris Lord Alge, Rich Costey (모두 Ted Jensen이 마스터링)라는 세 명의 저명한 믹서들 간의 철학과 사운드의 차이를 연구할 수 있는 기회를 제공하기 때문에 놀랍다. 앨범 전체를 들어보고 어떤 믹스가 가장 마음에 드는지 메모하는 것을 추천한다 누가 무엇을 했는지 알아보기 전에. 속이지 마라. 좋은 연습이며, 당신의 취향을 형성하는 좋은 방법이다.

건배,
Fab