믹스 분석: 구조, 프로덕션, 그리고 Spike Stent의 천재성

Discovering “Madness” by Muse

기대에 도전하는 한 곡

어떤 밴드들은 스스로를 재발명하는 데 능하다. 오랜 시간 성공을 거둬온 경우엔 특히 더 어렵다. 팬들을 너무 놀라게 해서 잃지 않으려는 압박감이 크기 때문이다. 익숙한 사운드의 지속적인 성공에 의존하는 사람들이 많을 수 있다. 그래서 내가 처음으로 라디오에서 Madness를 들었을 때(미국의 한적한 뒷길을 조금 과속하며 운전 중이었다), 그 곡이 Muse의 신곡이라는 생각은 전혀 들지 않았다. 너무 중독성 있어서 실제로 길가에 차를 세우고 노래가 끝나기 전에 휴대폰으로 Soundhound를 실행해 곡 제목을 알아냈다(운전 중 문자 금지).

트랙 스트리밍

iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686

Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj

구조가 특별한 이유

압력솥 같은 포맷

이 트랙은 일반적인 Muse 사운드와 다르다는 사실 외에도 매우 흥미롭다. 내가 부르는 표현으로는 '압력솥'이다. 오랫동안 끓어오르다가 필요한 해방감을 제공한다. 구조가 흔한 라디오 중심의 verse/chorus-verse/chorus가 아니다. verse/refrain 구조인데, 라디오 지향 트랙에서 이 자체가 흥미롭다. 처음 들을 때 주의를 기울이면, 반복되는 큰 코러스 파트가 없고 대신 훅이 전반에 퍼져 자주 돌아온다는 걸 알 수 있다. 4마디의 인트로 후에, 벌스는 2×8마디의 동일한 사이클로 구성되고 이어서 8마디의 B 섹션(‘What you need’로 끝남)이 나온다. 기타 솔로가 3번째 벌스의 초기 16마디(같은 하모닉 사이클 사용)를 대신하고, 그 뒤 B 섹션이 고조되어 마침내 터져 나온다. 그 부분이 8번 반복된 후 일종의 브리지(같은 음악 기반에 다른 멜로디와 가사)로 변한다. 엔딩은 벌스의 가장 아이코닉한 부분, Beach Boy풍의 'mamamamamamaaaaa'를 재연한다.

벌스/리프레인의 작동 방식

배경 정보: 벌스/리프레인 구조에서 '리프레인' 부분은 보통 벌스 끝에 반복되는 한 줄이나 단어다. (Bob Dylan의 'Blowing in the Wind'나 'The Time they are a Changing'을 들어보라) 때로 작곡가들은 벌스-리프레인 구조를 쓰면서 리프레인 라인의 위치를 바꾸기도 한다(명확한 예로 아주 유명한 영국 밴드 The Beatles의 Yesterday를 들어보라.. 힌트: 리프레인은 'yesterday'다) verse/chorus와 verse/refrain의 차이가 헷갈린다면 Yesterday를 듣고 바로 이어서 Yellow Submarine(같은 영국 밴드, 다른 앨범)을 들으면 도움이 될 것이다.

진화하는 리프레인 모티프

이 곡에서 리프레인은 그 mamamamamamama Beach Boy풍 요소와 베이스 라인의 운율적 두운(alliteration)의 조합이다. 재미있다. 리프가 곡의 가장 마지막에서야 'madness'라는 전체 단어까지 도달한다는 점을 주목해 보라. 멋지다.

프로덕션 분석

미니멀하지만 강력한 편곡

프로덕션 측면에서 보면 Queen과 George Michael이 많이 보인다(믿기지 않는가? 복습삼아 Faith와 I Want To Break Free를 확인해 보라). 단순함에도 불구하고 프로덕션이 얼마나 효과적인지가 인상적이다. 벌스는 몇 개의 신스 베이스(스테레오로 패닝), 킥과 클랩/스네어 비슷한 요소, 그리고 당연히 리프레인/훅으로 구성되어 있다. 벌스 중간에 한 음짜리 글래시 패드가 섹션을 강화하고 그 음이 사라지며 섹션의 끝을 표시한다. 순수하고 우아하다. 해내기 어렵다. 하이햇도, 셰이커도 없고, 그저 두 개의 드럼과 베이스들뿐이다(서브디비전은 어느 정도 베이스에 의해 제공된다).

교묘한 전환과 Queen에 대한 레퍼런스

두 번째 송 시스템(송 시스템은 벌스/리프레인 콤보를 의미)에선 기타가 들어와 베이스 리프를 더블하고, Queen을 연상시키는 백그라운드 보컬들이 들어와 전체를 들어올린다. 첫 번째 진짜 코드들은 그 디지털 마림바 신스 패치(프리셋을 스크롤할 때 우리가 모두 지나쳐온 그 패치)에서 중간쯤 들어온다(여기서는 잘 먹힌다). B 섹션으로 전환을 표시하기 위해 어딘가에서 튀어나오는 리버스 피아노 노트를 주목하라(또 다른 Queen 레퍼런스, Another One Bites the Dust를 확인해 보라). 멋지다.

Brian May 스타일의 기타 솔로

기타 솔로는 We Will Rock You 시절의 Brian May를 그대로 연상시킨다. 완벽하게 더블되어 있는데 이는 정교하게 작성되었다는 신호다. 흥미로운 텍스처를 만들어내는 좌우의 소리와 연주 차이에 주목하라. 또한 기타가 연주하는 동안에도 보컬 리프가 남아 청자를 즐겁게 하는 방식을 알아차려 보라.

B 섹션과 그 상승

B 섹션이 다시 시작될 때는 이전과 거의 같은 편곡이지만, 셰이커처럼 보이는 서브디비전 악기들과 채워주는 oooooo 보컬 패드가 추가된다. 이전 B 섹션과 지금의 B 섹션을 왔다 갔다 하며 서브디비션의 추가가 얼마나 큰 차이를 만드는지 잠시 비교해 보라. 굉장하지 않은가? 또한 스네어의 위치와 역할이 어떻게 변하는지도 주목하라. 패드의 덩어리가 스네어를 전면 중앙에서 더 확산된 '뒤쪽' 위치로 밀어내는 방식을 보라. 킥은 동일하게 유지된다. 이런 변화가 마음에 드는가? 눈치챘는가?

B 섹션은 새로운 보컬 라인과 다른 감정의 발현으로 브리지로 변모한다. (Come to me...Come on and rescue me) 그러나 음악 자체는 본질적으로 동일하다. 브리지가 시작을 알리는 탐(fill) 이후 왼쪽에서 올라오는 하이햇 패턴도 주목하라.

브리지와 최종 빌드

브리지는 즉시 엔드 파트로 변신하는데, 그 부분은 리프레인과 그 오랫동안 기다려온 마무리 외에는 아무것도 아니다. 대부분의 'verse/refrain with bridge' 곡들은 브리지를 2번째와 3번째 벌스/리프레인을 분리하는 일시 정지로 사용하여 동일한 송 시스템이 세 번 연달아 들리지 않게 한다. 이 곡의 경우 작곡가(들)는 3번째 벌스의 B 섹션을 늘려 브리지로 확장하고 더 이상 다른 벌스로 돌아갈 계획을 세우지 않았다. 그들은 세 번째 벌스의 단조로움을 기타 솔로로 돌려 해결했다. 왜 안 하겠는가? 효과가 있다. 그 브리지 후에 다시 완전한 벌스로 돌아가는 것은 과했을 것이다. 게다가 그 시점에서 아마도 전달할 말은 이미 다 했을 것이다. 브리지에서 말하려는 내용을 벌스 섹션 위에 실을 수도 있었겠지만, 그는 브리지의 더 서사적인 사운드가 자신이 전달하려는 감정에 더 적합하다고 느꼈을 것이다. (다시 한 번 들어보라)

Spike Stent의 믹스 분석

Dry vs Wet: 대담한 대비

믹스 관점에서 Spike Stent가 여기서 한 일을 보는 것은 매우 교육적이다. 벌스는 뼈대처럼 건조하게 느껴진다. 맞지 않는가? 실제로 리드 보컬에 어떤 짧은 딜레이가 약간 걸려 있고, 두 베이스의 상호작용이 공간을 만들지만 꼬리(tail)는 거의 없다. 대비적으로 패드는 꽤 웟(wet)하여 다른 소리들보다 뒤에 배치된 것처럼 느껴진다. 스네어와 킥은 드라이하다. (킥이 매우 크게 믹스되지 않았다는 점을 주목하라). 두 번째 벌스에서는 기타도 드라이하고, 백그라운드 보컬들도 마찬가지다. 마림바들도 마찬가지다. 이유가 있다. 모든 것이 매우 친밀하고 현재성 있게 느껴진다. 톤이 정해지고 압박감이 형성된다. 놀 놀 공간이 많다. 3번째 벌스/기타 솔로에서 무슨 일이 일어나는가? 바로 드럼에 리버브 꼬리를 연다. 그는 다가오는 B 섹션에서 사운드스테이지의 변화를 대비시키고 있는 것이다.

B 섹션의 공간 폭발

그리고 B 섹션이 터질 때, 전체적인 wet과 dry의 비율이 바뀐다. 이것은 특히 결정적이고 어려운 부분이다. 주변에 많은 요소가 있을 때 보컬을 드라이하게 유지하는 것은 매우 어렵다. 그래서 귀 기울여 들으면 보컬에 리버브와 딜레이가 나타나지만, t매우 은근하게 처리되어 서술에서 끌려 나오지 않으며 가수의 관점이 크게 바뀌지 않는다. 반면 나머지 요소들(특히 백그라운드 보컬)은 많은 공간을 얻어 리드의 드라이 느낌을 유지하게 해준다.

밀도 높은 편곡의 도전

내게 흥미로운 점은 Spike Stent조차 이 섹션에서 벌스에서처럼 드럼의 존재감을 동일하게 유지하지 못했다는 것이다. 주변이 극적으로 변할 때 이런 종류의 드럼 존재감을 유지하는 것은 매우 어렵다. 주변의 지속되는 요소들이 그 주위의 공기를 모두 빨아들이며 드럼을 더 작고 보잘것없게 느껴지게 하고, 이를 보완하려 리버브를 추가하면 다시 믹스에서 뒤로 밀린다. 이것이 바로 레이어가 많이 쌓인 믹스가 가볍고 드문 편곡보다 덜 좋아 보이는 이유다. 하지만 Spike Stent는 오늘날 최고의 믹서 중 한 명이다. 그래서 여러분은 어떻게 생각하는가? 이 질감의 변화는 미학적 선택이었을까? 아니면 '주어진 요소들로 할 수 있는 최선'의 상황이었을까? 당신이라면 다르게 했을까?

프로듀서에게 훌륭한 학습 자료

결국 이 앨범은 훌륭한 학습 자료다. 이 레코드는 또한 세 명의 저명한 믹서들—Spike Stent, Chris Lord Alge, Rich Costey(모두 Ted Jensen 마스터링)—의 철학과 사운드 차이를 연구할 수 있는 기회를 제공한다는 점에서 놀랍다. 전체 앨범을 듣고 누가 어떤 믹스를 했는지 찾아보기 전에 어떤 믹스가 가장 마음에 드는지 메모해 보길 권한다. 속이지 말라. 좋은 연습이자 취향을 형성하는 좋은 방법이다.

Cheers,
Fab