소개
자만심은 내려놓고 배움에 대한 갈증을 유지하기
먼저, 이 자리에 있게 되어 큰 기쁨이며 Puremix를 존경하고 감사하다는 말씀을 드리고 싶습니다. 저는 제 업에 있어 항상 성장하고 배우며 더 나아질 여지가 있다고 믿습니다. 정체되고 싶지 않습니다. 제가 모든 것을 다 알았다고 주장하는 사람은 결코 아닙니다. 수년 전 저는 스튜디오에서 천재적인 재능을 가졌음에도 불구하고 자만심 때문에 일을 잃는 사람들을 보며 자만심을 내려놓기로 결심했습니다(완곡하게 말해도 그렇습니다).
이 글이 향하는 대상: 영화와 레코드 전반의 작곡가, 프로듀서, 협력자들
그럼에도 불구하고 오케스트라, 현악기 연주자, 금관 연주자, 감독, 프로듀서, 엔지니어/믹서 등 영화 및 레코드 업계에서 일하는 작곡가/송라이터/레코드 프로듀서들에게 공유할 만한 몇 가지 조언이 있을 것 같습니다(물론 이 중 일부 지혜는 제 실수와 다른 사람들의 실수에서 배운 것입니다).
개인적 목소리와 약속: 실수로부터 얻은 교훈들
영화/TV 작곡과 레코드용 현·금 관 편곡에 관심이 있다면, 샌페르난도 밸리 출신의 4분의 1은 유대인-원주민인 괴짜가 쓴 이 글을 즐기시길 바랍니다. 저는 Henry's Tacos를 좋아합니다(가게를 아시면 추가 점수!). 자, 그럼 글을 시작하겠습니다.
이 사람은 누구인가?
스튜디오 문화에서 자신에 대해 말하는 것이 불편하게 느껴지는 이유
이 부분이 저에게는 어려운 점입니다 — 저는 제 자신에 대해 말하는 것을 정말 싫어합니다. 그저 불쾌하게 느껴집니다. 아마도 스튜디오 업계에서 성장하면서 지구상 최악의 자만심 가득한 사람들을 목격했기 때문일 것입니다. 또는 제 유대인 혈통 때문일 수도 있고, 아니면 과거의 성취를 떠올려 자아를 채우기보다는 다음 프로젝트를 바라보며 제 롤모델들과 그들의 커리어 경로를 존경하기 때문일 수도 있습니다. 다만 이 글을 누가 썼는지에 대한 맥락을 독자들에게 주기 위해, 제 배경을 조금 토해내겠습니다.
릴리스되지 않는 프로젝트라도 바쁘고 연결되어 있기
분명 이 업계에서 중요한 것은 바쁘고 연결된 상태를 유지하는 것입니다. 그것은 빛을 보지 못하는 프로젝트라도 많은 일을 해내는 것을 요구합니다. 유명한 이름이 붙지 않은 프로젝트라도 항상 배울 점이 있습니다.
영화, TV, 프로덕션 뮤직 전반의 크레딧과 하이라이트
제가 배운 가장 좋은 교훈들 중 일부는 이렇게 해서 얻어졌습니다. 저는 Robert Zemeckis(“Forrest Gump”, “Back To The Future”, “Cast Away”로 알려짐), Dame Helen Mirren(“The Queen”, “Gosford Park”, “Monsters University”로 알려짐), Robert Duvall(“The Godfather”, “Apocalypse Now”, “The Road”로 알려짐), Davis Guggenheim(“Training Day”, “It Might Get Loud”, “An Inconvenient Truth”로 알려짐), 그리고 오스카 후보에 오른 James Franco(“127 Hours”, “Spider-Man”, “The Disaster Artist”로 알려짐)와 같은 다수의 아카데미 수상급 영화제작자들과 함께 여러 장편 영화와 프로젝트의 작곡을 맡는 행운을 누렸습니다. 또한 National Geographic과 함께한 수많은 프로젝트와 영화의 음악을 작업하는 놀라운 기쁨을 누렸고, 이는 제게 진정한 꿈의 실현이었습니다. 2018년에는 Warner Chappell Production Music을 위해 앨범을 쓰도록 고용되어 멋진 Utah Symphony가 참여했고, 그 음악들은 여러 영화, TV 쇼, 광고에 라이선스되었습니다. 최근 경력의 하이라이트 중 하나는 Academy Award 수상 감독 Chris Buck(“Frozen”, “Frozen 2”, “Surfs Up”, “Tarzan”로 알려짐)과 함께 강력하고 영감을 주는 오디오북 작업을 가까이에서 한 것이었습니다. 가장 최근에는 13회 그래미 수상자이자 퓰리처상 수상 아티스트 Kendrick Lamar의 현악 편곡을 의뢰받았습니다. 이 글을 쓰는 시점에 저는 Sony 소속의 훌륭한 아티스트 Kyd the Band를 위해 현악 편곡을 마무리하고 있으며, 이번 주에 있을 우리 현악 녹음일이 매우 기대됩니다!
현실 세계의 멘토십: James Newton Howard 아래에서 배운 것들
저는 Grammy와 Emmy를 수상했고 여덟 번 오스카 후보에 오른 영화 작곡가 James Newton Howard(The "Dark Knight", "The Hunger Games", "King Kong"로 알려짐)와 함께 3년을 보냈습니다. James는 저를 적극적으로 도와주었고 영화 음악 산업, 작곡, 협업, 영화 음악 뒤에 있는 심리학 등 많은 놀라운 것들을 가르쳐 주었습니다. 오늘날 그는 제가 여전히 질문을 던지고 조언을 구하는 최고의 멘토 중 한 명일 뿐만 아니라, 개인적으로도 가까운 친구가 되었고 어째선지 항상 탁구에서 저를 이깁니다(그는 무시무시한 서브를 가지고 있습니다).
다양한 워크플로를 보며 자신만의 프로세스 만들기
또한 저는 John Powell과 Henry Jackman이라는 다른 두 작곡가와도 시간을 보냈습니다. 이들 모두는 업계 최고 수준의 작곡가들입니다. 세 가지 경험 모두 놀랍도록 통찰력이 있었는데, 같은 일을 하는 세 명의 작곡가가 완전히 다른 방식으로 작업하는 것을 보았기 때문입니다. 이를 통해 저는 스튜디오에서 제 방식대로 일을 해나갈 수 있었습니다: 이것은 받아들이고, 저것은 버리고 등등—그래서 제가 제 자신만의 작곡가가 되어 왜 그런 결정을 내리는지 알 수 있게 되었습니다.
프로로서의 작곡
재미가 없다면, 이 직업의 특권을 재평가하라
작곡은 정말 즐거운 일입니다. 만약 즐겁지 않다면, 큰일입니다. 물론 데드라인, 수정, 재서술, 예산, 그리고 함께 일해야 하는 "어려운" 사람들 같은 강도 높은 요구들이 있습니다. 하지만 음악을 써서 생계를 유지할 수 있다는 특권을 당연하게 여기지 않았으면 합니다(설교하려는 건 아닙니다). 저는 분명 감사하고 있고, 스스로를 꼬집은 자국으로 팔에 멍이 들 정도입니다.
영화 음악 경로: 미팅, 스팟팅, 템프 스코어, 그리고 demo-itis
영화/TV 작곡의 과정에는 한 가지 방식만 있는 것은 아닙니다. 보통은 적합한 사람들과 만나 서로 잘 맞을지 확인하는 것으로 시작합니다. 그런 다음 창작적 비전과 아이디어에 대해 이야기하고 예산과 일정 같은 실무적인 부분으로 넘어갑니다. 다음 단계는 제가 대본을 읽거나 러프 컷을 보는 것이고, 모든 당사자가 협력하기로 동의하면 스팟팅 세션을 갖습니다(이는 작곡가, 감독, 편집자, 프로듀서들이 함께 앉아 어느 지점에 음악이 들어가야 하는지 논의하는 자리입니다). 대부분의 경우 편집자와 감독은 영화를 템프 스코어에 맞춰 컷해 놓습니다. 안타깝게도 때로는 클라이언트가 "demo-itis"에 걸려 템프 스코어에 너무 익숙해진 나머지, 아무리 훌륭한 당신의 큐가 있어도 만족시키기 어렵습니다(때로는 몇 달 동안 템프 스코어와 함께 살아왔기 때문입니다).
속도가 중요하다: 데드라인, 수정, 그리고 실제로는 아닌 “픽처 락”
어쨌든 저는 주요 테마를 쓰고 그것들이 승인되면 가능한 빨리 스코어 작업을 시작하려고 합니다. 많은 경우 영화 작곡가는 60~100분의 음악을 쓸 충분한 시간이 주어지지 않습니다. 품질을 해치지 않으면서도 빠르게 작업할 수 있는 능력이 매우 중요하다고 생각합니다 — 왜냐하면 시간이 지남에 따라 업데이트된 릴을 포함해 항상 새로운 정보가 들어오기 때문입니다(그들이 "picture lock"을 보냈다 해도 말이죠, 하). 게다가 아직 45분의 음악을 더 쓰지 못한 상태에서 그들이 요구하는 수정을 해야 하기도 합니다. 그리고 나서 그 스코어는 반드시 오케스트레이션되고, 출력되어 녹음되고, 믹싱되어 정해진 데드라인 내에 더빙 단계에 들어가야 합니다. 이 과정은 매우 역동적이고 도전적이며 흥미진진합니다. 물론 저에게는 덜 즐겁거나 덜 만족스러운 과정의 일부가 분명 존재하지만, 그 또한 필요한 일이고 삶이라는 것입니다. 개인적으로는 장점이 단점을 열 배는 넘어선다고 느낍니다.
팀과 협력자들: 어시스턴트, 오케스트레이터, 카피이스트, 엔지니어들
스트레스와 작업 부하를 덜기 위해 저는 어시스턴트, 오케스트레이터, 카피이스트, 그리고 물론 엔지니어/믹서 같은 팀을 두는 것을 믿습니다. 제가 여러 스코어에서 함께 작업한 놀라운 오케스트레이터 중 한 명은 Cody McVey입니다. 저는 그를 더할 나위 없이 추천합니다. 그러니 제발 그를 고용하세요, 알겠죠? 나중에 저에게 감사하셔도 됩니다.
프로덕션 선택을 통해 감독의 비전을 구현하기
프로젝트와 음악 장르에 따라 저는 그 장르에 가장 적합하다고 느끼는 엔지니어를 선택합니다. 어느 스튜디오를 예약할지, 어떤 연주자를 고용할지도 마찬가지입니다. 저는 이것이 결국 영화와 영화 제작자의 비전을 돕는 것이라고 믿습니다; 결국 그들의 영화이니까요. 만약 감독이 스코어가 로파이하고 거친 소리를 원하면, 저는 엔지니어에게 그렇게 말하고 감독의 비전을 만족시키기 위한 기법들을 논의합니다. 더 깨끗하고 전통적인 사운드를 원하면 엔지니어/믹서에게도 그렇게 전합니다. 정보는 결코 과하지 않습니다. 엔지니어/믹서 입장에서는 이는 스튜디오 선정, 마이크 배치, 장비 선택, 믹싱 기법/프로세싱 같은 것으로 이어집니다.
비음악적 언어를 음악적 결정으로 번역하기
영화/TV 작곡은 감독의 지적(또는 개념적) 비전을 음악적 용어로 번역하는 과정에서 많은 줄 사이를 읽는 능력이 요구됩니다. 이것은 종종 "이 큐를 장조로 하고 4/4로 하라" 같은 직접적인 지시와는 거리가 있습니다. 많은 감독들은 음악의 언어를 모릅니다. 그래서 작곡가로서 저는 먼저 그들이 영화 제작자로서 말하는 것을 해석해야 합니다. 이 단계에 편안해야 합니다. 밴드에서는 더 직설적입니다: "노래는 A장조, 템포는 115bpm, 6/8 박자" 등. 개인적으로 영화 음악이 재미있다고 생각하는 또 다른 이유는 단순히 음악을 쓰는 것을 넘어서는 추가적인 도전이 생기기 때문입니다(초기에는 특히 빈 페이지나 빈 세션을 마주할 때 누구에게나 충분히 어렵습니다). 그래서 비록 로켓공학은 아니더라도 때로는 꽤 어려울 수 있습니다. 그러나 감독의 지적 아이디어를 그들이 원하는 음악(장면에도 맞는)을 통해 번역해내는 흥분과 성취감은 저에게 너무나도 큰 만족과 의미를 줍니다.
어떻게 일을 얻나
인맥이 곧 일이고, 어디서든 올 수 있다
제가 말할 수 있는 것은 제 자신과 제가 걸어온 여정뿐이라서 누군가가 저에게 "어떻게 일을 얻나"라고 물으면 제 경우에는 수많은 방법이 있었다고 답합니다. 우선, 아마 천 번쯤 들었을 말입니다: 인맥. 어릴 적 인연, 대학, 친구의 친구, 온라인 게시물 등 어디서든 올 수 있습니다. 몇 년 전에는 데이팅 앱을 통해 여성 뮤직 슈퍼바이저와 연락을 맺기도 했습니다...결과는 없었지만(두 면에서, 하), 어디서 누굴 만날지 모릅니다. 중요한 것은 연락을 만들고 그 연락이 계속 돌아오게 하는 것입니다.
매니저, 에이전트, 슈퍼바이저, 그리고 모든 것을 바꿔놓는 한 사람
프로젝트를 얻는 다른 경로로는 매니저, 에이전트, 뮤직 슈퍼바이저가 있습니다. 한 명의 뮤직 슈퍼바이저가 당신의 커리어를 정말로 바꿀 수 있습니다. 제게는 Joel Sill(그랜드 뮤직 슈퍼바이저 길드의 "Legacy Award" 수상자이며 수많은 오스카 수상 영화와 블록버스터에 참여한 인물)이 그런 사람이었습니다. 더 아름다웠던 점은 우리 사이에 진정한 우정이 자랐다는 것입니다. 그래서 항상 영화/음악 이야기만 있지는 않았습니다. James처럼 Joel은 오늘날까지도 제 큰 멘토이자 가까운 친구 중 한 명입니다. 그가 저를 믿어주고 우리의 협업에서 나온 모든 것들에 대해 그에게 충분히 감사할 수 없습니다.
COVID 기간의 전환과 레코드 편곡으로 수입 만들기
마지막으로, COVID로 할리우드가 멈추었을 때(저 개인적으로는 72시간 만에 일곱 개의 프로젝트가 모두 '연기'—사실상 취소—되었습니다), 제가 창의적으로 바쁘게 지내고 비용을 충당하기 위해 한 일들은 레코드용 현·금관 편곡 작업이 많았습니다. 앨범을 만드는 것은 비용이 많이 들 수 있지만, 영화를 만드는 것은 종종 더 비용이 듭니다. 저는 다른 사람의 노래를 다루고 보컬/가사가 있기 때문에(참고로 저는 75%는 기악 음악을 쓰는 데 익숙합니다) 레코드용 현·금관 편곡을 매우 좋아합니다. 이런 일들 중 일부는 믿기 어렵겠지만 소셜 미디어를 통해 들어왔습니다. 제 소셜 팔로잉이 많지는 않지만 제가 발견한 아티스트에게 직접 연락해 제안을 하기도 하고, 때로는 그들이 저를 찾아 메시지를 보내기도 합니다. 다음 순간 저는 작곡을 하고 스튜디오로 가서 녹음을 합니다.
실제적인 진실: “A gig is a gig”과 열린 마음 유지
인생은 미친 듯합니다. 제가 하고 싶은 말의 요지는 열린 마음을 유지하고 자아를 버리는 것이 중요하다는 것입니다. A gig is a gig, 그리고 돈은 돈입니다. 모든 프로젝트가 아카데미상 수상자나 그래미 수상자와 함께하는 것은 아닙니다. 제 아파트 임대료와 제 녹음 스튜디오 임대료를 내기 위해 저는 때때로 전혀 "섹시"하지 않은 다양한 프로젝트들을 합니다. 하지만 뭐가 "섹시"하냐고요? 음악 일을 하면서 집세, 자동차 보험, 화장지, 식료품 값을 낼 수 있다는 것입니다. 적어도 제게는 그게 "섹시"합니다.
작곡가들이 녹음 엔지니어와 믹서를 고를 때 보는 것들
엔지니어는 스튜디오나 장비보다 더 중요할 수 있다
오케스트레이터, 카피이스트, 연주자, 지휘자만큼이나 녹음 및 믹싱 엔지니어도 중요합니다. 특히 큰 오케스트라와 작업할 때 훌륭한 엔지니어/믹서의 중요성과 힘을 인식하는 것이 핵심입니다. 일반적으로 저는 값비싼 Neve/SSL/API 콘솔과 온갖 화려한 마이크/장비를 갖춘 A급 스튜디오가 있다고 해도, 만약 보드 뒤에 앉아 있는 사람이 무능하다면 차라리 싸구려 콘솔과 형편없는 마이크를 쓰더라도 실력 있는 엔지니어가 있는 편이 낫다고 굳게 믿습니다. 결과물은 더 음악적이고 음향적으로 만족스러울 것입니다.
가장 화려한 룸보다 적합한 사람에게 비용을 지불하기
네, 저는 제 경험을 통해 이것을 뼈저리게 배웠습니다. 때로는 화려한 스튜디오보다 적합한 엔지니어에게 더 많은 비용을 지불하기도 합니다.
팀을 고용하는 사람이 아닐 때는 본분을 지키기
제가 영화나 TV 쇼의 작곡가일 때는 제 음악 팀을 선택할 수 있습니다. 그러나 레코드 프로듀서가 저를 고용해 오케스트레이션이나 편곡을 시킬 때는 그들이 원하는 엔지니어를 써야 합니다. 이는 당연하고 완전히 공정합니다—결국 그들이 사장이니까요. 말하자면, 몇 번의 세션에서 저는 편곡지를 들고 스튜디오에 왔다가 마이크 선정뿐만 아니라 그 배치까지 보고 충격을 받은 적이 있습니다. 다시 말하지만, 그건 그들의 세션이고 제가 책임자가 아니므로 그들의 선택을 문제삼을 입장도 아닙니다. 저는 항상 제 역할에 충실하려고 노력합니다.
오케스트라 녹음의 현실
오케스트라 세션을 준비할 때 제가 수년간 배운 몇 가지 지혜는 다음과 같습니다:
- 악보와 파트에 가능한 한 많은 정보를 넣어 플레이어들이 "여기 다이내믹은 어떻게 원하나요?", "이건 무슨 뜻인가요?", "pizz를 언제 멈추나요?" 같은 질문을 던지며 시간을 낭비하지 않도록 하세요. 악보 기보가 당신의 강점이 아닐 수 있으니(비유적 표현 아님), 카피이스트를 고용해 정확히 원하는 것을 그들과 함께 정리하고, 그들이 모든 것을 보기 좋게 표기하게 하세요.
- 악보는 양면으로 출력해 페이지를 매 4초마다 넘기지 않도록 하세요.
- 악보는 타블로이드(11" X 17")로 출력해 제본하세요. Kinkos나 인쇄소에 가면 몇 달러면 해줍니다.
- 엔지니어용 여분의 악보를 출력하세요. 일부 엔지니어는 미리 다이내믹과 특정 악기가 강조되는 구간을 보며 페이더를 준비하는 것을 좋아합니다.
- 플레이어들의 악보대를 녹음할 순서대로 모든 파트를 배치하세요.
- 몇 개의 깎아놓은 연필을 악보대에 남겨두면 예의에 도움이 됩니다(대부분은 직접 가져오지만 깜빡하는 연주자가 항상 있습니다). 작은 것들이 중요합니다.
- 스튜디오에 일찍 도착하고 미리 ProTools 세션을 준비하세요. 만약 다운비트가 오전 10시라면 저는 오전 9시에 도착하는 것을 좋아합니다.
- 악보의 마디 번호가 ProTools의 마디 번호와 일치하는지 확인하세요.
- 하드드라이브를 잊지 말고 꼭 챙기세요.
- 세션 전후에 연주자들에게 예의를 표하세요. 그들을 화나게 하거나 기분 나쁘게 하면 바로 알려줄 것입니다. 모든 75명의 연주자에게 일일이 인사할 필요는 없지만, 자신을 알리고 와줘서 고맙다고 전하세요.
- 콘서트마스터에게 친절과 겸손으로 인사하세요. 정말로 차이를 만들고 싶다면 세션 시작 직전에(당신이 지휘를 하지 않더라도) 지휘자 포디움에 올라가 콘서트마스터를 소개하면 오케스트라가 박수를 칠 때가 많습니다. 그 후에 엔지니어도 소개하세요. 존경받는 엔지니어가 참여하면 연주자들은 연주가 아름답게 캡처될 것이라는 안도감에 더 기뻐합니다. 작은 것 하나하나가 차이를 만듭니다.
- 마지막으로, 제 훌륭한 어머니에게서 배운 교훈은 방을 떠날 때 그곳 사람들을 들어오기 전보다 기분 좋게 만들고 가라는 것입니다. 다시 말하지만, 이 업계는 인간관계로 이루어집니다. 멍청이처럼 굴지 마세요, 업계에 이미 충분히 있습니다.
지휘자를 고용할 것인가 말 것인가
숙련되고 프로페셔널한 지휘자는 연주자들로 하여금 최고의 연주를 이끌어내고 세션을 시간 안에 흐름 있게 진행하는 데 큰 도움이 될 수 있습니다. 그런 의미에서 지휘자는 매우 귀중합니다! 다만 개인적으로 저는 모든 오케스트라 세션에 항상 지휘자가 필요하다고 보지는 않습니다. 오늘날 대부분의 오케스트라 세션 연주자들은 클릭이나 트랙에 맞춰 녹음하는 데 매우 익숙하기 때문에 지휘자가 필요 없는 경우가 많습니다. 제 겸손한 의견으로는 사중주(quartet)부터 약 11명 정도의 소규모 섹션에서는 심각한 템포 변화가 있거나 클릭에 맞춰 녹음하지 않는 이상 지휘자가 필요하지 않다고 봅니다. 몇 년 전 저는 East West에서 누군가의 앨범을 도와주고 있었고, 아티스트가 저에게 현을 지휘해달라고 요청한 적이 있었습니다. 저는 "저는 전문 지휘자가 아니고, 어차피 그들은 클릭과 트랙에 맞춰 녹음하는 데 문제가 없습니다"라고 답했습니다. 글쎄요, 그건 그의 세션이고 그의 음악이었으니 그는 6명의 소규모 섹션을 직접 지휘하기로 했습니다(그가 한 번도 지휘한 적이 없었다는 사실을 말했었나...)
