팹 듀폰의 믹스 분석
트랙
과거의 순간
이번 믹스 체크는 과거의 순간을 돌아보는 것입니다. 80년대 초, 환상적인 퀸시 존스는 The Dude라는 솔로 앨범을 발표했습니다.
그 당시 그는 늦은 40대였으며, 음악가와 프로듀서가 이룰 수 있는 모든 것을 이뤘고, 다음 해에 마이클 잭슨의 Thriller 앨범을 프로듀싱하게 되어 더 전설적인 존재가 될 것이라는 것은 전혀 예상하지 못했습니다.
그 시대의 A팀
당시 A팀의 노고의 결과(퀸시, 브루스 스웨디언, 마이클 잭슨, 제임스 잉그램, 스티비 원더, 로드 템퍼턴, 패티 오스틴, 루이 존슨, 존 로빈슨, 그렉 필링게인스, 파울리뉴 다 코스타, 마이클 보디커 등등…)를 분석하고 오늘날의 미학과 비교하는 것은 매우 흥미롭습니다.
또한, 그 앨범들이 현대 음반에 미친 영향, 차용된 세부 사항과 도용된 아이디어를 목격하는 것도 매혹적입니다.
여기서 듣기
퍼포먼스와 맥락
테이프, 콘솔, 그리고 실제 연주
The Dude는 앨범의 두 번째 트랙입니다. 첫 번째로 눈에 띄는 것은 그 길이입니다: 5.38분으로 요즘에는 드문 일입니다.
이 앨범은 테이프와 콘솔로 제작되었으며, 그루브 편집이나 다른 형태의 조정이 없었다는 점을 감안하세요. 모든 효과는 하드웨어 세트에서 가져왔고, 아마도 여러 트랙에서 공유되었으며, 더 중요한 것은 당신이 듣는 모든 것이 실제로 그렇게 연주되었다는 점입니다.
즉, 드러머, 베이스 플레이어 및 키보드 플레이어는 전자적인 도움 없이 그렇게 좋은 느낌을 주는 연주를 할 수 있었습니다. (이것이 그 시대의 연주자 크레딧에 같은 이름이 반복되는 이유입니다. 그 팀을 고용하면 노동을 들이지 않고도 그루비한 음반을 얻을 수 있었습니다).
진정한 음악성
또한 키보드 연주자는 그 Wurlitzer 리프를 곡 전체에서 연주했으며, 루프도 없고, 어떤 비행하는 것도 없었습니다.
그 점을 염두에 두고 전체 트랙을 들어보고 우리가 발전했는지 여부를 반성해보세요.
구조
비범한 배열
비범한 구조와 섹션의 자유로운 해석에 주목하세요.
두 개의 인트로가 있으며, 모든 구절은 두 개의 하위 구절로 구성되어 있습니다. 여러 가지 형태로 여러 번 등장하는 악기 브레이크가 있으며, 코러스는 노래로 불리거나 악기로 연주되거나 둘 다의 형태를 띕니다. 브리지는 스티비 원더의 키보드 솔로가 여성 코러스 리프에 샌드위치 되어 있으며, 그 후에 애드리브가 추가됩니다. 결코 라디오 준비 구조라고 보기 어렵습니다.
구절은 여성 코러스에 의해 도입되고 이후 제임스 잉그램이 자신의 파트를 부릅니다. 매번, 3번째 구절을 제외하고는 부드러운 론치 없이 등장합니다 (코러스는 4번째 구절 직전에 다리 같은 리프를 부르지만, 다른 부분입니다). 3번째 구절은 1b 구절의 반복이지만, 악기 브레이크와 다른 랩을 사이에 두지 않고 바로 코러스로 점프합니다.
곡 구조
- 인트로. (기타와 필)
- 인트로 2 (구절 그루브와 함께)
- 구절 1a (여성 코러스)
- 구절 1b (제임스 잉그램)
- 악기 브레이크
- 퀸시의 랩 구절
- 백 보컬 리드와 함께하는 코러스.
- 다시 인트로
- 구절 2a (여성 코러스)
- 구절 2b (제임스 잉그램)
- 악기 브레이크 2
- 랩 구절 2
- 코러스 (리드 보컬 대신 알토 색소폰으로)
- 다리와 같은 보컬 리프.
- 키보드 솔로. 스티비에게 감사합니다.
- 악기 브레이크 3 (이전보다 두 배 긴)
- 다리 같은 보컬
- 다시 리프
- 구절 3 (제임스 잉그램)
- 백 보컬과 답변 코러스와 함께하는 코러스
- 애드리브와 백 답변을 가진 코러스 악기
- 페이드
그냥 듣기만 하면 그렇게 복잡해 보이지 않지만, 항상 발전하고 있기 때문에 주로 하나의 코드로 된 포켓임에도 불구하고 여전히 흥미롭습니다. 누가 알았겠습니까?
음악적 세부 사항
느슨한 파트, 인간적인 그루브
어떤 터무니없는 연주와 노래를 제외하고도 또 이 트랙으로 다시 돌아오게 만든 음악적으로 흥미로운 다른 세부 사항은 느슨한 악기 파트들입니다. 이들은 파트이지만 연주자들은 이들을 해석하고 즉흥적으로 리프와 장식을 더해줍니다. 이는 복사 붙여넣기 시대에서 거의 완전히 잃어버린 것입니다.
또한 드럼 포켓에 집중하는 것은 매우 계몽적입니다. 전체 균형은 실제로는 카우벨에서 나옵니다.
카우벨의 힘
파울리뉴 다 코스타는 거의 모든 4분 음표에 중간 크기의 카우벨을 스탠드에 장착하여 연주합니다 (가서 확인해 보세요, 기다리겠습니다).
그가 멈추면 트랙의 모든 동작이 멈춥니다.
놀랍지 않습니까?
(가끔 그는 단지 살아 있다는 것을 보여주기 위해 8분 음표를 연주하는데 들을 수 있습니다. 그는 몇 번 카우벨과 하이햇 flamming도 들을 수 있습니다).
피아노와 박수
인트로와 브리지의 슬랩 베이스 리프를 강조하기 위해 두 번만 등장하는 큰 스테레오 피아노 저음도 사랑합니다. 그 트랙에서 피아노와 함께 어떤 것이 있었는지 궁금해집니다.
그 당시 박수는 실제로 사람들이 손뼉을 치며 만들어졌습니다. 글로는 쉬운 것처럼 보일 수 있지만, 여러 뮤지션이 올바른 그루브를 유지하고 박수 사이에 조용히 하는 것이 이룬 적적한 소리를 낸다는 것은 쉽지 않았습니다.
(다음 곡에서 샘플 대신 이걸 시도해보고 나에게 엽서를 보내보세요)
그들은 모두 그루브와 소리 모두를 완벽하게 잡았습니다. 그들이 트랙의 최상단에서 더 가벼운 방식으로 (사람들이 적게 박수를 치며) 존재하다가 이어서 코러스를 위해 부풀어 오릅니다.
우리가 그 이야기를 하고 있으니 코러스를 연구하는 것도 좋은 방법입니다.
대위법과 배열
층 쌓인 음악적 대화
코러스는 대위법의 달인: 리드, 백업 보컬, 호른, 키보드 리프, 슬랩 베이스 간의 상호작용에 대한 연구입니다. 그것은 완벽한 실행으로 치밀하게 쓰여진 편곡입니다.
혁신과 스타일
보코더와 랩의 초기 사용
다른 주목할만한 세부 사항은 구절의 응답에 대한 보코더 사용 (30년 전 다프트 펑크보다 먼저)와 퀸시가 트랙에서 랩을 한다는 사실입니다.
이것은 1980년대 초기로, 랩은 막 뉴욕을 넘어섰으며, 확실히 주류 스타일은 아니었습니다. 퀸시가 주류 음반에서 이를 시도한 것은 용기 있는 결정이었습니다. 그는 경력 전반에 걸쳐 음악 트렌드에 얼마나 민감하고 종종 앞서 있는지를 보여줍니다.
음향적 관점
실제 악기, 실제 다이내믹
음향적으로 당신을 가장 먼저 자극해야 하는 것은 꽤 두껍게 들리지 않는다는 것입니다. 그렇다면요? (Massive Attack의 Angel이나 Jay-Z의 tom Ford와 비교해 보세요. 그리고 이야기해 봅시다).
왜 그럴까요? 왜냐하면 이들은 실제 악기 이며, 바닥을 가장하는 특수 효과가 사용되지 않기 때문입니다 (그들은 존재하지 않았거나 초기 단계였습니다). 실제 베이스 드럼은 808 킥처럼 두껍게 녹음될 수 없습니다, 만약 그렇게 만들 기술을 사용하지 않는 한. (리허설 룸에서 드러머를 들어보고 보고하세요. 툭. 툭. 툭).
그 시점에서 베이스 기타가 킥보다 더 두껍게 들리는 것은 일반적인 일이었고, 이 트랙에서도 마찬가지입니다. 실제 악기에서 얻는 것을 전달하기 때문입니다.
베이스와 킥의 관계
베이스가 얼마나 큰지 주목하세요. 둥글고 고르게 전체 트랙의 중심입니다. 이는 아마도 그 시절 가장 두껍게 들리는 트랙 중 하나였을 것이며, 그 팀에 기대되는 바였습니다. 제어된 연주, 압축 및 조정의 진지한 조합이 베이스를 그렇게 크게 만들 수 있게 했습니다.
베이스와 베이스 드럼 간의 관계를 주목하세요. 오늘 혼합되었다면 전혀 다를 것입니다. 관계는 아마도 뒤집혀 있을 것입니다.
음색 및 공간 선택
빈티지 스피커의 논리
코러스 구간의 박수가 얼마나 큰지, 그리고 연주될 때 톰은 얼마나 얇은지 주목하세요. 모든 것이 특정 시점에 찍힌 것처럼 보이지만 믹스의 미학적인 선택을 완전히 이해하기 위해서는 작은 스피커인 아우라톤 같은 것에서 믹스를 들어야 합니다. 그러면 모든 것이 그 스피커에서 이해가 됩니다. 바닥도요. 만약 브루스 스웨디언 이 오늘 믹스를 했다면 전혀 다를 것입니다. (아우라톤에서 여전히 좋은 소리일 것입니다).
보컬 레벨 및 효과
미세한 보컬 균형
레벨에 대해 이야기 중이니 보컬 레벨에 주목하세요.
특히 코러스 보컬에서 눈에 띕니다.
현대 기준과 비교했을 때 얼마나 겸손한지 아시겠죠. 거의 악기 파트 중 하나 같습니다.
리드에 응답하는 여성 코러스의 경우도 마찬가지입니다. 대부분의 보컬이 꽤 뒤로 밀렸습니다. 랩 은 약간 더 큽니다. 리버브도 있었습니다.
요즘에는 드물게 들을 수 있는 재미입니다.
공유 리버브 공간
실제로 대부분의 보컬은 긴 플레이트 리버브를 공유하며, 박수, 알토 호른 및 리드 기타와 함께합니다. 아마도 EMT140입니다. 확인해 보세요. (또한 능력이 있다면 믹스를 모노로 듣고 리버브가 상당 부분 사라지는 것을 보십시오)
기타 및 호른 처리
팬 및 폭 조정
기타는 꽤 얇게 유지되고 측면으로 이동하여 웜리 리프와 충돌하지 않도록 합니다.
인트로나 브리지의 유사 솔로와 같은 스테레오 파트조차 정말 모노 테이크에 짧은 지연을 준 것입니다.
넓은 소리를 가능하게 하며, 테이프 머신에서 트랙 하나를 절약합니다 (그 시간의 피아노 파트 때문에 필요했거든요) 그리고 중간에 여유를 만들어 줍니다.
호른의 힘
측면의 또 다른 주민은 호른이며, 매우 Earth Wind And Fire의 정신을 가지고 코러스를 잘 들어올립니다. 그들은 보컬보다 꽤 크고, 더 시끄럽고 더 존재감이 큽니다. 흥미롭지 않습니까? 너희가 맨 마지막의 두 코러스에서는 연주하지 않고 단지 페이드에 새로운 파트를 위해 다시 돌아옵니다. 깔끔하죠.
아날로그 편집의 마법
손으로 하기 편한 테이프 편집
이번 트랙의 또 다른 흥미로운 특징은 조립 작업이 있었다는 것입니다. 디지털 편집 이전에, 복사 붙여넣기는 테이프 조각에 가위를 대고 원하는 지점에 다시 붙이는 것을 의미했습니다. 이는 경험을 통해 인정받아야 합니다 (2인치 테이프 마스터에서 편집을 시도해보면 DAW에서 욕이 훨씬 덜 나올 것입니다).
편집을 찾아라
첫 번째 인트로(구절 그루브가 시작되기 전) 을 들어보세요. 드럼이 어떻게 다르게 들리는지 (더 어두운) 그리고 보컬이 어떻게 다른지 알아보세요.
내 추측은 이것이 다른 곡의 일부(아마도 브리지의 일부일 것 같습니다. 기타 소리를 들어보세요, 아마도 또 다른 노래일 수도 있습니다.)였고 두 트랙으로 믹스 되었던 것 같습니다.
어떤 시점에서 누군가 그 부분을 잘라내었습니다 (스티비의 솔로 키를 추가하기 위해서일 수도 있습니다) 그리고 그 테이프 조각은 회수되었고 한때 첫 번째 인트로로 추가되었습니다.
그루브가 시작될 때의 컷 포인트를 확인하세요. 붐.
재미있는 또 다른 편집은 첫 번째 호른 브레이크의 끝 부분입니다. 리버브의 꼬리 부분이 그냥 잘려 나갑니다. 그건 진지한 편집이 아닐까 할 정도입니다. 오늘날 괜찮을까요?
작은 믹스 놀라움
테이프 펀치 이스터 에그
트랙 끝 쪽에서 코러스가 반복되면서 제임스 잉그램이 애드리브로 들어오는 부근에서 들을 수 있는 또 다른 재미있는 세부 사항이 있습니다. 'Aint nobody out there'의 'out' 단어를 확인해보세요.
그게 뭐죠??
나른하게 들어온 펀치라고 투표합니다 (테이프 머신이 즉석 펀치 능력이 없었기 때문에 가끔 느리게 움직였고, 펀칭은 예술 형식이었습니다) 그래서 잠깐 동안 원래의 테이크와 펀치가 주목을 끌고 있습니다.
그러니 이게 30년 전에 T-Pain의 피치 트윌링이었습니다.
그들은 그것이 중요하지 않다고 느꼈기 때문에 유지를 선택한 것 같습니다. 거기에도 교훈이 있습니다.
종합적인 수확
음악성의 마스터 클래스
전반적으로 이 트랙은 기술 세트의 보물창고입니다.
그루브의 원천, 매우 비범한 균형 선택, 미친 구조와 보컬 배열을 완전히 이해하기 위해서는 몇 십 번 들어야 하며, 그로 인해 영감을 받은 수많은 곡들과 연결해보는 것도 시도해야 할 것입니다.
다른 주목할 만한 트랙들
앨범의 다른 훌륭한 포켓들로는
-
“Betcha Wouldn’t Hurt Me”
-
“Ai No Corrida”
두 곡 모두 비용을 더한 가치가 있으며 동등하게 시대를 초월한 곡들입니다.
팹
