Algumas bandas são boas em se reinventar. É difícil fazer isso, especialmente quando você tem sido bem-sucedido por muito tempo. A pressão para não surpreender seus fãs a ponto de perdê-los é grande. Pode haver muitas pessoas dependendo do sucesso de um som familiar. Por isso, na primeira vez que ouvi a música Madness no rádio, enquanto dirigia um pouco rápido em pequenas estradas desertas dos EUA, a última coisa que eu pensava era que era o novo single do Muse. Era tão cativante que eu realmente parei na beira da estrada e abri o Soundhound no meu celular para descobrir o que era antes que a música acabasse (não envie mensagens enquanto dirige).
Ouça aqui:
iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686
Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj
É uma faixa muito interessante, além do fato de que não soa como as coisas usuais do Muse. É o que eu chamo de 'panela de pressão'. Ela vai fervendo por muito tempo antes de fornecer o alívio necessário. A estrutura não é a usual verso/refrão-verso/refrão. É um verso/refrão, o que, por si só, é interessante para uma faixa destinada ao rádio. Se você prestar atenção na sua primeira audição, notará que não há uma grande parte repetitiva que funcione como um refrão; em vez disso, o gancho é permeável e volta com mais frequência. Após uma introdução de 4 compassos, o verso consiste em 2 ciclos idênticos de 8 compassos seguidos por uma seção B de 8 compassos (que termina com 'What you need'). Um solo de guitarra ocupa o lugar dos 16 compassos iniciais do 3º verso (com o mesmo ciclo harmônico) e então a Seção B se eleva e finalmente decola. É repetido 8 vezes e depois se transforma em uma espécie de ponte (a mesma base musical, melodia e letras diferentes) após dois ciclos. O final é uma reprise da parte mais icônica do verso, o 'mamamamamamaaaaa' à la Beach Boys.
Informação de fundo: A parte do 'refrão' de um verso/refrão geralmente é uma única linha ou palavra que se repete no final do verso. (Vá ouvir 'Blowing in the Wind' ou 'The Times They Are A-Changin'' de Bob Dylan) Às vezes, os compositores usam a estrutura verso-refrão mas brincam com a localização da linha do refrão (Vá ouvir 'Yesterday' de uma ótima banda britânica chamada The Beatles... para um exemplo claro. Dica: o refrão é 'yesterday') Se você está confuso sobre as diferenças entre verso/refrão e verso/refrão, ouça 'Yesterday', e então ouça imediatamente 'Yellow Submarine' (mesma banda britânica, álbum diferente)... isso deve ajudar.
Na nossa música, o refrão é uma combinação desse 'mamamamamamama' à la Beach Boys e a aliteração de seu ritmo na linha de baixo. Divertido. Note como o riff só chega ao completo 'madness' no final da música. Coisa legal.
Em termos de produção, há muito de Queen e muito de George Michael lá (não acredita em mim? Vá ouvir Faith e I Want To Break Free para relembrar). Eu acho impressionante como a produção é eficaz, considerando quão simples é. O verso é construído sobre alguns baixos sintetizados (panoramizados em estéreo), um bumbo e uma batida de palmas, e claro, o refrão/gancho. No meio do verso, um pad de nota única e brilhante enriquece a seção e marca seu final com sua retirada. Puro e elegante. Difícil de fazer. Não há subdivisão, não há chocalho, apenas os dois tambores e os baixos (a subdivisão é fornecida um pouco pelo baixo, mas ainda assim).
No segundo sistema da música (um 'sistema musical' é uma combinação verso/refrão), uma guitarra entra para dobrar o riff do baixo, e os vocais de fundo à la Queen entram e elevam tudo. O primeiro acorde real aparece na metade do caminho naquele patch digital de marimba que todos costumamos ignorar ao navegar pelos presets (funciona bem aqui). Note a nota de piano invertida que surge do nada para marcar a transição para a seção B (Outra referência à Queen, vá ouvir Another One Bites the Dust). Coisa legal.
O solo de guitarra é pura Brian May da época de We Will Rock You. Ele foi dobrado perfeitamente, o que é um sinal de que foi cuidadosamente escrito. Preste atenção nas diferenças de som e performance da esquerda para a direita que criam a textura interessante. Também note como o riff vocal é mantido para te entreter enquanto a guitarra faz seu trabalho. Quando a seção B relança, é basicamente a mesma arrumação de antes, exceto pela subdivisão que entra em forma de chocalhos e alguns pads vocais 'ooooooo' para preencher. Reserve um minuto para ir e voltar entre essa seção B e a anterior para ver quanto a adição de subdivisão faz a diferença. Louco, não é? Também note como o snare muda de localização e função. Veja como a massa dos pads empurra o snare de seu lugar super à frente e central para uma colocação mais difusa 'no fundo'. O bumbo permanece o mesmo. Você gosta dessa mudança? Tinha notado?
A seção B se transforma na ponte pela força das novas linhas vocais e um sentimento diferente que é liberado sobre nós. (Venha a mim... Venha e me resgate) mas a música é essencialmente a mesma. Note o padrão do chocalho à esquerda surgindo após o preenchimento de tom, sinalizando o início da ponte.
A ponte faz uma transformação instantânea para a parte final, que é nada menos que o refrão e seu fechamento tão aguardado. É valioso notar que a maioria das músicas verso/refrão com ponte usa a ponte como uma pausa para separar o 2º e o 3º verso/refrão, para que você não ouça os três sistemas da música idênticos seguidos. Neste caso em particular, o(a)(s) compositor(a)(s) estendeu a seção B de seu 3º verso e a transformou em uma ponte sem intenção de voltar a um outro verso. Eles contornaram a monotonia do terceiro verso transformando-o em um solo de guitarra. Por que não? Funciona. Voltar a um verso completo depois daquela ponte teria sido demais. Além disso, ele provavelmente já disse tudo o que tinha a dizer até aquele ponto. Poderia ter escolhido dizer o que disse na ponte sobre uma seção de verso, mas provavelmente sentiu que o som mais épico da ponte era uma melhor base para o sentimento que tentou transmitir. (Dê uma olhada novamente)
Em termos de mixagem, é muito educativo ver o que Spike Stent fez aqui. O verso se sente completamente seco. Certo? Existe na verdade uma espécie de delay curto na voz principal e a interação dos 2 baixos cria espaço, mas sem cauda para nada. O pad é bastante 'molhado' em contraste, permitindo que pareça colocado atrás do restante. O snare e o bumbo estão secos. (Note como o bumbo não está mixado muito alto). No 2º verso, a guitarra também está seca. Assim como os vocais de fundo. As marimbas seguem a mesma regra. Há uma razão para isso. Tudo se sente muito íntimo e presente. O tom está definido e a pressão está em cima. Há muito espaço para brincar. O que acontece no verso 3/solo de guitarra? Sim, ele abre alguns reverbs de cauda nos tambores. Ele está te preparando para a mudança de palco sonoro que vem na próxima seção B.
Então, quando a seção B chega, toda a proporção de molhado para seco muda. Esta é uma parte particularmente crucial e difícil. É muito difícil manter uma voz seca quando está cercada por tanta coisa. É por isso que se você prestar atenção, ouvirá reverb e delays aparecendo nas vocais, mas eles são muito discretos, então você não se sente retirado da narrativa e o ponto de vista do cantor não muda muito. Tudo o que está ao redor ganha muito espaço (vocal de fundo, especialmente) mantendo a sensação seca para a voz principal. O que me fascina é que até mesmo Spike Stent não conseguiu manter a presença dos tambores nesta seção da mesma forma que estão nos versos. É muito difícil manter a presença desse tipo de tambores quando o ambiente muda de forma tão drástica. Os elementos sustentados ao redor deles absorvem todo o ar e fazem com que pareçam menores e insignificantes, e adicionar reverb para combater isso empurra-os para trás na mixagem. É a batalha definitiva e a razão pela qual mixagens com muitas camadas tendem a não soar tão bem quanto produções mais leves e esparsas. Mas Spike Stent é um dos melhores mixadores hoje em dia, então o que você acha? Essa mudança de textura foi uma escolha estética? Ou foi uma situação do 'melhor que ele podia fazer com os elementos que recebeu'? Você faria algo diferente?
No final, isso é material de estudo excelente. Todo este álbum também é incrível porque te dá a oportunidade de estudar as diferenças em filosofia e som entre três mixadores proeminentes. Spike Stent, Chris Lord Alge e Rich Costey (todos masterizados por Ted Jensen). Eu recomendo que você ouça o álbum inteiro e faça anotações sobre quais são suas mixagens favoritas antes de ver quem fez o quê. Não trapaceie. É um bom exercício e uma boa maneira de formar seu gosto.
Saudações,
Fab
