Mix Breakdown: Estrutura, Produção e o Gênio de Spike Stent

Descobrindo “Madness” do Muse

Uma música que desafia expectativas

Algumas bandas são boas em se reinventar. Não é fácil, especialmente quando você faz sucesso há muito tempo. A pressão para não surpreender os fãs a ponto de perdê‑los é grande. Muitas pessoas podem depender do sucesso contínuo de um determinado som familiar. Por isso, da primeira vez que ouvi a música Madness no rádio, enquanto dirigia rápido demais por pequenas estradas desertas dos EUA, a última coisa em que pensei foi que era o novo single do Muse. Era tão pegajosa que eu realmente parei no acostamento e abri o Soundhound no meu telefone para descobrir o que era antes da música terminar (não mande mensagens enquanto dirige).

Ouça a faixa

iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686

Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj

Por que a estrutura é tão única

O formato tipo panela de pressão

É uma faixa muito interessante além do fato de que não soa como o material usual do Muse. É o que eu chamo de 'pressure cooker' — fica cozinhando por um bom tempo antes de oferecer o alívio necessário. A estrutura não é o habitual verso/refrão-verse/chorus dirigido ao rádio. É um verso/refrão, o que já é interessante para uma faixa voltada ao rádio. Se você prestar atenção na primeira audição, vai notar que não há uma grande parte repetitiva que funcione como coro; em vez disso o gancho é pervasivo e volta com mais frequência. Após uma introdução de 4 compassos, o verso consiste de 2 ciclos idênticos de 8 compassos seguidos por uma seção B de 8 compassos (que termina com 'What you need'). Um solo de guitarra ocupa o lugar dos 16 compassos iniciais do 3º verso (com o mesmo ciclo harmônico), então a Seção B é elevada e finalmente decola. Ela se repete 8 vezes e então se transforma numa espécie de ponte (mesma base musical, melodia e letras diferentes) após dois ciclos. O final é uma reprise da parte mais icônica do verso, o 'mamamamamamaaaaa' ao estilo Beach Boys.

Como funciona o verso/refrão

Informação de base: a parte 'refrain' de um verso/refrain costuma ser uma única linha ou palavra que se repete no final do verso. (Vá ouvir 'Blowing in the Wind' ou 'The Time they are a Changing' do Bob Dylan) Às vezes os compositores usam a estrutura verso‑refrão mas brincam com a localização da linha do refrão (vá ouvir Yesterday de uma ótima banda britânica chamada The Beatles... para um exemplo claro. Dica: o refrão é 'yesterday'). Se você estiver confuso sobre as diferenças entre verso/chorus e verso/refrain, ouça Yesterday e em seguida Yellow Submarine (mesma banda britânica, álbum diferente)... isso deve ajudar.

O motivo do refrão em evolução

Na nossa música, o refrão é uma combinação daquele lance de mamamamamamama ao estilo Beach Boys e a aliteração do seu ritmo na linha de baixo. Divertido. Perceba como o riff só chega por inteiro até a palavra 'madness' no final da música. Coisa legal.

Análise de produção

Arranjo minimalista mas poderoso

Em termos de produção há muito de Queen e muito de George Michael ali (não acredita? Vá escutar Faith e I Want To Break Free para refrescar a memória). Acho impressionante como a produção é efetiva, considerando sua simplicidade. O verso é construído sobre alguns baixos sintéticos (panoramizados em estéreo), um bumbo e um clap/snare, e claro o refrão/gancho. No meio do verso, um pad vítreo de nota única intensifica a seção e marca seu fim ao se retirar. Puro e elegante. Difícil de conseguir. Não há subdivisão, nem hi‑hat, nem shaker, apenas os dois tambores e os baixos (a subdivisão é, em certa medida, provida pelo baixo, mas ainda assim).

Transições inteligentes e referências ao Queen

No segundo sistema de música (um combo verso/refrain) entra uma guitarra para dobrar o riff do baixo, e os vocais de fundo ao estilo Queen entram e elevam tudo. Os primeiros acordes reais aparecem na metade ali naquele patch digital de marimba que todos nós temos pulado ao navegar por presets (funciona bem aqui). Note a nota de piano invertida surgindo do nada para marcar a transição para a seção B (outra referência ao Queen, vá ouvir Another One Bites the Dust). Legal.

O solo de guitarra ao estilo Brian May

O solo de guitarra é puro Brian May na época de We Will Rock You. Foi dobrado perfeitamente, o que é sinal de que foi cuidadosamente escrito. Preste atenção às diferenças de timbre e performance da esquerda para a direita que criam a textura interessante. Note também como o riff vocal é mantido ali para te entreter enquanto a guitarra faz sua parte.

A Seção B e sua elevação

Quando a Seção B volta, é basicamente o mesmo arranjo de antes, exceto pela subdivisão entrando em algo que parecem ser shakers e alguns pads vocais de oooooo para preencher. Reserve um minuto para alternar entre esta Seção B e a anterior para ver o quanto a adição da subdivisão faz diferença. Louco, não é? Note também como o snare muda de posição e de papel. Veja como a massa dos pads empurra o snare de seu lugar super à frente e central para um posicionamento mais difuso, 'lá atrás'. O bumbo permanece o mesmo. Você gostou dessa mudança? Tinha reparado?

A Seção B se transforma na ponte pela força das novas linhas vocais e por um sentimento diferente que nos invade. (Come to me...Come on and rescue me) mas a música é essencialmente a mesma. Repare no padrão de hi‑hat na esquerda surgindo após o fill de tom que sinaliza o início da ponte.

A ponte e a construção final

A ponte faz uma transição instantânea para a parte final, que não é nada além do refrão e seu tão aguardado fechamento. É importante notar que a maioria das músicas 'verso/refrain com ponte' usa a ponte como uma pausa para separar o 2º e o 3º verso/refrain para que você não ouça três sistemas de música idênticos em sequência. Neste caso em particular, o(s) autor(es) esticaram a Seção B do seu 3º verso e a estenderam para uma ponte sem planos de voltar para outro verso. Eles contornaram a monotonia do terceiro verso transformando‑o em um solo de guitarra. Por que não? Funciona. Voltar a um verso completo depois dessa ponte teria sido demais. Além disso, ele provavelmente já tinha dito tudo o que precisava dizer naquele ponto. Ele poderia ter escolhido dizer o que disse na ponte sobre uma seção de verso, mas provavelmente sentiu que o som mais épico da ponte era uma cama melhor para o sentimento que tentou transmitir. (Confira novamente)

Análise de mix por Spike Stent

Seco vs Molhado: um contraste ousado

Em termos de mix, é muito didático ver o que Spike Stent fez aqui. O verso parece completamente seco. Certo? Na verdade há um tipo de delay curto na voz principal e a interação entre os dois baixos cria espaço, mas sem cauda em nada. O pad é relativamente molhado em contraste, permitindo que ele pareça colocado atrás do resto. O snare e o bumbo são secos. (Note como o bumbo não está mixado muito alto). No 2º verso a guitarra também está seca. Assim como os vocais de fundo. As marimbas seguem o mesmo caminho. Há uma razão para isso. Tudo soa muito íntimo e presente. O clima está estabelecido e a pressão aumenta. Há muito espaço para brincar. O que acontece no verso 3/solo de guitarra? Isso mesmo, ele abre algumas reverbs com cauda nas baterias. Ele está preparando você para a mudança de espacialidade que chega na Seção B que se aproxima.

A explosão de espaço na Seção B

Então, quando a Seção B entra, a proporção molhado vs seco muda totalmente. Esta é uma parte particularmente crucial e difícil. É muito complicado manter uma voz seca quando ela está cercada por tanta coisa. É por isso que, se você prestar atenção, vai ouvir reverbs e delays aparecendo nas vozes, mas são muito discretos para que você não seja tirado da narrativa e o ponto de vista do cantor não mude demais. Tudo o mais ganha muito espaço (vocais de fundo, especialmente), preservando a sensação de secura para a voz principal.

O desafio de arranjos densos

O que me fascina é que até Spike Stent não conseguiu manter a presença das baterias na mesma medida nessa seção como elas têm nos versos. É muito difícil manter a presença desse tipo de bateria quando o entorno muda tão drasticamente. Os elementos sustentados ao redor sugam todo o ar ao redor e fazem com que elas pareçam menores e fracas, e adicionar reverb para combater isso as empurra para trás na mix. É a batalha definitiva e a razão pela qual mixes fortemente camadas tendem a não soar tão bem quanto produções mais leves e esparsas. Mas Spike Stent é um dos melhores mixers hoje em dia, então o que você acha? Essa mudança de textura foi uma escolha estética? Ou foi uma situação de 'o melhor que ele pôde fazer com os elementos que recebeu'? Você faria algo diferente?

Uma ótima peça de estudo para produtores

No fim, isto é material excelente para estudo. Todo este disco também é incrível porque te dá a oportunidade de estudar as diferenças de filosofia e som entre três mixers proeminentes. Spike Stent, Chris Lord Alge e Rich Costey (todos masterizados por Ted Jensen). Recomendo que você ouça o disco inteiro e anote quais são suas mixes favoritas antes de procurar quem fez o quê. Não trapaceie. É um bom exercício e uma ótima maneira de formar seu gosto.

Cheers,
Fab