Bob Rockは世界で最も売れたレコードの一つ、The Black Album（Metallica）をプロデュースしており、SoundScanによれば米国だけで1600万枚以上を売り上げています。
また、The Cult、Mötley Crüe、Bon Jovi、Michael Bubléなどの伝説的なバンドとも仕事をしてきました。本インタビューでは、演奏（パフォーマンス）の重要性、メンバー間のさまざまな意見や感情の扱い方、失敗から学んだお気に入りのエピソード、St. Angerの制作裏話、The Black Albumにまつわる挑戦や逸話など、幅広いテーマについてBobが語っています。
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アーティストをスタジオで居心地よくさせることはどれほど重要ですか？たとえそれが少し変わったこと、例えばドラマーの後ろに大きなサブウーファーを置いてモニターしたりするようなことをする必要があってもです。Mötley Crüe の Dr. Feelgood のレコーディング時にそれをしたと伺いましたが。
それは最も重要なことだと思います。例えば、素晴らしいギタリストやドラマーをたくさん録ってきましたが、スタジオに入ると固まってしまうことがあります。彼らをリラックスさせ、最高のパフォーマンスを引き出すには、まるで自分の寝室やリビングで演奏しているように感じさせるのが一番です。Tommyの場合、サブの振動を感じる必要があって、私はいつも音像よりもパフォーマンスを優先しました。ただ、エンジニアをしていたときはサウンド面が最重要でしたが、プロデューサーになると見方が変わり、パフォーマンスや全体のフィールが大事になります。だからドラムの後ろにサブを置くという手が有効だったのです。また、サブをドラムの後ろに置くことでマイクにも拾われ、部屋全体が満たされ、その重量感がアルバムに反映されました。Dr. Feelgood の低域の話はよく出ますが、それはTommyのドラムに加えて、そうやって得たものでもあります。彼のドラムを満足させることがすべてで、ミックス段階でも彼はもっと低域を強調したがっていました。彼らは達成したいビジョンとフィールを持っていて、私はその夢を現実にする手伝いをするためにいるんです。主役は彼らであって、私のためではありません。常に彼らが最高のアルバムを作れるよう助けることが目的です。
技術的には、たとえばサブについてはどのように解決したのですか？
音が大きくなり過ぎるとフィードバックするので、Tommyが気持ち良く感じつつ、低域がばかげた量にならない「スイートスポット」を見つける必要がありました。ライブで彼らを見たとき、キックの音を聞いて衝撃を受けて、そこで何が大事かを理解したんです。先に述べたように、要は彼らを快適にすることです。例えば、James Hetfieldは昔はラインを録ってダブルにして終わり、ということが多かったのですが、The Black Albumでは彼のパフォーマンスを捉え、彼が自由に何でもできると感じるサウンドを作りました。もはやダブルすることが目的ではなく、彼のオリジナルの演奏が重要になった。私は彼にダブルに匹敵するような大きなサウンドを用意すると伝えました。Jamesはヘッドフォンではなくスピーカーで歌っていて、それが彼を解放しました。リーケージ（漏れ）があると言う人もいますが、私はリーケージを処理しました。なぜならパフォーマンスの方が音像より大事だからです。
アーティストに「ポテンシャル」があると見抜いて一緒に仕事をしたいと思うのはどんなときですか？
例えばMötley Crüeの場合、彼らの作品は聴いていましたが、本当に決め手になったのは会ってみて彼らが自分たちを世界一のバンドだと本気で思っているのを感じたときです。それが私にとって最も重要なことです。それが偽りでないこと。Led Zeppelin, The Who、Rolling Stonesのようなバンドは皆、世界一になろうと競い合っていましたが、そういう姿勢が正しいと思います。ベストを尽くすという種が私を興奮させます。大物である必要はなく、彼ら自身が信じているかどうか、それが私には伝わるかどうかが大事です。信じられなければ一緒にやる意味がありません。
レコーディング中にバンドが行き詰まったら、どう解決して先に進めますか？
私はラッキーで、最初の頃はエンジニアとして多くのアルバムに関わり、スタジオで何が起きているかをずっと観察してきました。スタジオにはパターンがあり、そうした現象を察知して時には話し合う必要があるとわかります。人は行き詰まることがあります。提案を出して、そのうちの25%くらいしか機能しないこともありますが、それが彼らの次の一歩の種になることが多い。Dr. Feelgoodを手がけたとき、彼らはちょうどシラフになったばかりで人生最高のアルバムを作らなければならないと感じていました。Metallicaに関しては、すべてが一つになったその瞬間に私は部屋に入ったのです。すべてがうまく噛み合ったときにその場にいられたのは幸運でした。そういうのはコントロールできないことです。
The Black Album は“A Year And A Half In The Life Of Metallica”でも詳細に記録されていますが、Kirk Hammettが The Unforgiven のソロを弾く場面があります。結果は素晴らしかったが、最初からそうではなかった。彼の中にもっと良いものがあると見抜けたのは経験から学んだことですか、それとも単に彼を押し上げればできると感じたからですか？
私は彼に挑戦しました。それが自分の考え方だったからです。自分も彼ももっと良いものを求めていました。フロアでライブのテイクを重ねているとき、Kirkはすべてのテイクで毎回ソロを弾いていました。何を弾くか考えているのではなく、ただ演っていたんです。私はそのすべてのソロをカセットにして彼に渡しました。そうしたら彼は自分が弾いたことも覚えていなかったフレーズを見つけ出し、それらのアイデアを組み合わせて最終的なソロにしたんです。彼らはこんなアルバムを作ったことがなかったので少しフラストレーションを感じていました。各曲を30回も演るのでKirkはイライラしていましたが、最終的にはそれが祝福でした。私が天才だったわけではなく、ただの偶然で、ソロのカセットを作って渡すというのは良いアイデアだと思っただけです。再び言うと、誰かを刺激して動き出させることが重要なのです。
The Black Album の制作中、あなたは何度も試されるような場面があったようですが、どうやって彼らにあなたのビジョンを信じさせましたか？
彼らは私が手がけた過去のアルバム、例えばThe CultのSonic TempleやMötley CrüeのDr. Feelgoodを気に入っていました。特にDr. Feelgoodの音質を気に入っていて、あのサイズ感と重みを求めていました。さらに、一緒に仕事を始めると私がやることを見て信頼が育っていったのです。信頼関係を築かねばならず、私は彼らに自分の実力を証明しなければなりませんでしたが、同時に彼らも私に証明する必要がありました。
The Black Album の前に Metallica とプリプロダクションのミーティングはしましたか？どんな話し合いでしたか？
はい、しました。厳しい場面もありました。彼らは自分たちでアレンジをまとめていて、誰も別のやり方を提案したことがなかったのです。私はいつも曲のテンポとキーを見つけるようにしていて、約6曲目あたりで全曲がEキーだと気づきました。それで「他のキーで弾くことはないのか？なぜいつもEなのか？」と聞きました。Jamesはただ「一番低い音だからだ」と答えました。もちろん彼らしい答えです。私は「Black Sabbath、Van Halen、Mötley Crüeで、Dr. Feelgoodが深くて大きく聞こえるのはDに下げているからだ」と言いました。
そこで彼らはDにチューニングダウンして、Sad But True をリハーサルしてみたら「おお」となりました。その時点で彼らは「たまにいいアイデアを出すな」と思ったようです。
新しいアルバムに取り掛かるとき、いつもまずテンポとキーを探すんですか？
Metallicaのような場合、別のキーを探していたというよりは観察でした。各曲のキーを書き出していたんです。他のバンドでは曲を間違ったキーで演っていてボーカルが苦しんでいることがあります。そういうときはキーを変えて歌いやすくしてあげます。MetallicaではJamesの歌える場所を探すというより、すべてEキーだと対比を作るのがよいと思い、例えばNothing Else Matters はAマイナーなのでコントラストになります。
テンポやキーを見つける以外に、レコードをプロデュースする前にいつもやっているルーティンや、そのアーティストについての事前調査はありますか？
妻には時々もっと下調べをしろと言われます。下調べを怠って変な状況に自分を置いてしまったことがあるからです。
1991年当時、私はプロダクションについて学び始め、Metallicaのようなバンドと仕事をする術を身につけていました。学びの途中では人格の扱い方、アレンジ変更の仕方、要求が過度にならないこと、そしてそれが自分のアルバムにならないようにすることを学んでいきます。バンドのメンバーやエンジニアとして過ごした経験から、プロデューサーがアーティストに過度な影響を及ぼす例を何度も見てきましたが、私はそれが好きではありません。素晴らしいプロデューサーは尊敬しますが、The WhoやRolling Stonesは常に彼ら自身の音であって、プロデューサーの刻印が前面に出ることはありませんでした。そういうやり方が合うプロデューサーもいますが、ミュージシャンの視点から言うと私はあまり好きではない。プリプロに入るときは彼らのやりたいことに共感し、彼らが何か見落としていると感じたときだけ提案するようにしています。
ずっと前に私は提案の所有権を放棄することにしました。結果に固執しないのです。人を刺激するために提案を出すのであって、それが私のアイデアだからとこだわるつもりはありません。使わなくても構わない、重要なのは何か前進することです。
バンドと仕事をするとき、メンバーそれぞれの異なる意見や感情をどうまとめますか？
答えは一つではありません。バンドごとに違います。バンドには常にヒエラルキーがあり、アルファ的な存在がいます。多くのケースでは二人のアルファがいることもあります。どのメンバーがリーダーかをすぐに見抜いて、そこに集中します。
特に小さなバンドでは、あまり上手くないプレイヤーがいることもあって簡単ではありません。彼らを気持ちよくさせ、できる限りの力を引き出す必要があります。最近では、まあまあのテイクでもかなり良いものにすることができます。編集で操作できることが増えました。The Black Album は12か月かかりましたが、Pro Toolsがあれば6か月でできたかもしれません。当時はテープで録っていて、30〜40テイクを録るとテープは10〜15本分、そしてさらにそれを12曲分となると編集に非常に時間がかかりました。
あなたのお気に入りの失敗はありますか？後のスタジオでの成功につながったような出来事です。
私は自分の失敗の総和です。すべての失敗から学びました。例えば、最初にミックスを始めた頃、気分に任せてマリファナを試してみたことがありましたが全くダメで、それ以来やっていません。私には合わなかったんです。さらに、エンジニアやミキサーとして多くのミスをしましたが、それがどう聴くかを教えてくれました。始めた頃はすべてがマイクとEQだと思っていましたが、実際には音源自体が重要です。ひどいアンプやひどいギターでは良いギターサウンドは得られません。気を配るべき変数がたくさんあることを学びました。
また、私がLittle Mountainで最初のスタジオ仕事を得たのは、ミスを恐れなかったからです。毎週土曜日に6週間の録音講座を受けて基礎を学びましたが、教えていたエンジニアが「誰がやってみたい？」と聞いたときに「やってみます」と答えたのは私だけでした。恥をかくこともミスをすることも恐れなかった。それが非常に重要でした。何かを欲しいときは「人がどう思おうと関係ない、やるんだ」と言う瞬間が必要です。
プロデューサーとしてのあなたの最もつらい決断は何でしたか？
振り返ると、St. Angerのときはプロデューサーとしては最良の選択ではありませんでした。友人としての選択を優先してしまったのです。プロデューサーとしては、音楽以外のことに関わるべきではありませんでした。しかし彼らとは12年一緒にいて、彼らは崩れかけていました。バンドとして再びまとまらなければベーシストを雇うこともできなかったので、私は外部の視点を脇に置き友人になってしまいました。プロデューサーとしてはそれは悪い判断でした。「まず曲を書いて、それから電話してくれ」と言うべきだったかもしれません。
長年一緒にいて、史上最も売れたレコードの一つを作った後では難しい決断だったのでしょうね。
はい、私たちは親しくなりました。人によっては近過ぎると言うかもしれませんし、私もそう思う部分があります。越えてはいけない線を越えたこともありました。振り返ればそうですが、その時は直感で動いていました。彼らを愛していて、壊れるのを見たくなかったので顔を出し、結果的にバンドを保つ助けになったと思います。St. Anger はそれだけの価値がありました。
St. Anger のレコードは素晴らしいです。みんなスネアの話をしますが、プロダクションや曲自体も素晴らしい。
同感です。その時点で同じことを繰り返すわけにはいかなかったし、ドラムのセットアップも同じにできませんでした。
スネアの話の背景は、彼らが再び自分たちの道を見つけ始めていた時期のことでした。Jamesが戻り、演奏を始めたばかりの頃です。ファンクラブのメンバーと一緒に初期に彼らが住んでいたオークランドの家を訪ねました。私はその家を見て、スタジオに戻ってからLarsのドラムテックであるFlemming Rasmussenに「彼が使っていたドラムキットを持って来てあの瞬間に戻そう」と言いました。彼らはまだ最初のドラムキットを持っていて、私が50ドルで買ったスネアが唯一のスネアだったので、チューニングもせずにそのままキットに載せました。Larsは何週間もそのキットをただ眺めていたのですが、ある日座って叩きました。それが彼のインスピレーションになったので、Shureのマイクを4、5本立ててデモを作り始めました。最初はそのまま使うつもりはありませんでした。本当に偶然でしたが、また音楽を作ることが新鮮に感じられました。
あのアルバムは飾り気がない彼らそのものです。オークランドのあの家の彼らで、スネアは鳴り響き、決して美しい音ではないしハーモニーもない。生々しく、前に出てくる音、まさに真実です。
キャリアを振り返って、「これは天国だ、こんなアーティストやプロジェクトと仕事ができるなんて信じられない」と思った瞬間はありましたか？
Permanent VacationでAerosmithと仕事をしたときのことです。プロデューサーのBruce Fairbairnはディナーの時間に家に帰る習慣がありましたが、最初の日に全てセットアップした後、Bruceが帰り、当時のアシスタントMike Fraserと私が座っていると、Aerosmithが目の前でジャムを始めたんです。Aerosmithが私にとってどれほどの存在かは言葉にできず、そのときに死んでもいいとさえ思いました。それ以来そういう瞬間は何度もありました。恵まれていると感じていますし、どうしてこんなことになったのか自分でもわかりません。ただレコード作りが好きなんです。
反対に、「もうできない」と思った瞬間はありましたか？
特にはありません。音楽業界の変化で金銭的に続けられなくなって辞めた人は多いと思います。若いときに私は何とかしてレコードを作り続ける道を見つけようと決めました。これが自分なんです。私は曲を書きますし、曲を書く必要があるソングライターは常に書き続けるでしょう。金のためにやっていると止めてしまいますが、私は止められません。これが私の知っていることであり、愛していることだからです。成功に恵まれているので今の状況にも耐えられますし、辞める自分は想像できません。
Written by Niclas Jeppsson
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