ミックス解析：構造、プロダクション、そしてSpike Stentの天才性

「Madness」 by Muse を発見する

期待を裏切る楽曲

バンドの中には自分たちをうまく再発明できるところがあります。長年成功しているとそれは特に難しい。ファンを驚かせ過ぎて失ってしまわないようにするプレッシャーは大きいです。ある「馴染み深いサウンド」の継続的な成功に多くの人が依存している場合もあります。だから初めてラジオでMadnessを聞いたとき、アメリカの人通りの少ない田舎道を少し飛ばして運転していた僕にとって、これがMuseの新曲だとは全く思いませんでした。あまりにキャッチーだったので、実際に路肩に停めて曲が終わる前にSoundhoundを立ち上げて何の曲か調べたほどです（運転中のテキスト送信はやめましょう）。

トラックをストリームする

iTunes: https://itunes.apple.com/us/album/the-2nd-law-deluxe-version/id563015686

Spotify: https://play.spotify.com/track/0jPYuB3gBNU9f2C5tjvyPj

なぜこの構造がユニークなのか

圧力鍋フォーマット

この曲は、いわゆる通常のMuseらしい音とは違うという事実以外にも非常に興味深いトラックです。僕が呼ぶところの「圧力鍋」です。長いあいだ煮詰められて、必要な解放を与える直前まで溜め続ける。構成はラジオ向けによくあるヴァース／コーラス‑ヴァース／コーラスという形ではありません。ヴァース／リフレインの形式で、ラジオ向けの曲としてはそれ自体が興味深い。初聴きで注意していれば、コーラスとして立つ大きな反復パートはなく、代わりにフックが広く浸透していてより頻繁に戻ってくることに気づくはずです。4小節のイントロの後、ヴァースは2×8小節の同一サイクルに続き、8小節のBセクション（最後が「What you need」）になります。ギターソロが3番目のヴァースの最初の16小節（同じハーモニックサイクル）を占め、その後Bセクションが高揚してついに飛び立ちます。それが8回繰り返され、その後2サイクルののちにいわゆるブリッジ（同じバックトラックでメロディと歌詞が異なる）に変わります。エンディングはヴァースで最も象徴的な部分、Beach Boys風の「mamamamamamaaaaa」の再演です。

ヴァース／リフレインの仕組み

背景知識：ヴァース／リフレインの「リフレイン」部分は通常、ヴァースの最後に繰り返される一行または単語です。（Bob Dylanの「Blowing in the Wind」や「The Time they are a Changing」を聴いてみてください）作詞家はヴァース‑リフレインの構造を使いながらリフレインの位置を変えて遊ぶことがあります（いい例はThe BeatlesのYesterday。ヒント：リフレインは「yesterday」です）。verse/chorusとverse/refrainの違いが混乱するなら、まずYesterdayを聴き、その後すぐにYellow Submarine（同じ英国バンド、別アルバム）を聴いてみると助けになるでしょう。

進化するリフレインのモチーフ

この曲では、リフレインはあのmamamamamamamaというBeach Boys風のフレーズと、ベースラインのリズムの頭韻（アリテレーション）の組み合わせです。面白いですね。リフが完全に「madness」という単語に到達するのは、曲のごく最後だけであることに注目してください。巧妙です。

プロダクション解析

ミニマルだが力強いアレンジ

プロダクション面ではQueenやGeorge Michaelの影響が色濃く出ています（信じられないなら、復習としてFaithやI Want To Break Freeを聴いてみてください）。シンプルでありながら非常に効果的なプロダクションになっているのが印象的です。ヴァースは数本のシンセベース（ステレオに振り分けられている）、キックとクラップ／スネア的な音、そしてもちろんリフレイン／フックで組み立てられています。ヴァースの途中で単音のガラスのようなパッドがセクションを強化し、それが抜けることでセクションの終わりを示します。純粋でエレガント。難しいです。ハイハットやシェイカーの細かい刻みはなく、ドラムは2つ、そしてベースだけ（細かい刻みはベースがある程度担ってはいますが）。

巧妙なトランジションとQueenへの言及

2つ目のソングシステム（ヴァース／リフレインの組み合わせ）ではギターが入ってベースリフをダブルし、Queen風のバックボーカルが入り全体を持ち上げます。本当のコードが入るのはその中間あたりで、誰もがプリセットを眺めながらスキップしてきたデジタル・マリンバのシンセパッチ（ここではうまく機能している）です。Bセクションへの移行を印すように、どこからともなく現れるリバースのピアノ音にも気づくでしょう（これもまたQueenへのオマージュ、Another One Bites the Dustをチェックしてみてください）。かっこいいです。

Brian May風のギターソロ

ギターソロはまさにBrian May、特にWe Will Rock You時代のそれです。完全にダブルされていて、綿密に書かれたことを示しています。左右のサウンドや演奏の違いに注目すると興味深いテクスチャが生まれているのが分かります。また、ギターが弾いている間もボーカルのリフが残されていて聴き手を楽しませている点にも注目してください。

Bセクションとその高揚

Bセクションが再び始まると、基本的にはこれまでと同じアレンジですが、シェイカーのように見える細かい刻みが入ったり、空間を埋める「oooooo」といったボーカルパッドが追加されたりします。少し時間を取って、このBセクションと前のものを行き来して、刻みの追加がどれだけ違いを生むかを確かめてみてください。すごいですよね？スネアの位置と役割がどう変わるかにも注目してください。パッドの塊がスネアを前方で中心にあった位置からより拡散した「後方の位置」に押しやる様子が見て取れます。キックは変わりません。こうした変化は好きですか？気づいていましたか？

Bセクションは新しいボーカルラインと異なる感情の発露によってブリッジへと変形します。（Come to me...Come on and rescue me）ただし音楽的には本質的に同じです。トムのフィルの後に左側で出てくるハットのパターンがブリッジの開始を示している点にも気付いてください。

ブリッジと最終ビルド

ブリッジはそのまま即座に終盤パートへと変化し、終盤はリフレインとその待望の締めくくりだけで構成されています。ほとんどの「ヴァース／リフレイン＋ブリッジ」曲は、第二と第三のヴァース／リフレインを分けるためにブリッジを区切り（ポーズ）として使うことが多いです。そうしないと同じソングシステムが三連続で流れてしまいます。この特定のケースでは、作者は3番目のヴァースのBセクションを引き伸ばしてブリッジに拡張し、別のヴァースに戻る計画はありませんでした。三番目のヴァースの単調さをギターソロに変えることで回避したのです。なぜ駄目だと言えましょう？うまく機能しています。そのブリッジの後に完全なヴァースに戻るのはやり過ぎだったでしょうし、恐らくその時点で伝えるべきことは言い尽くしていたのだと思います。彼はブリッジで言いたいことをヴァースで語ることもできたはずですが、より叙事的なブリッジの音の方が伝えたい感情にふさわしいと感じたのでしょう。（もう一度聴いてみてください）

Spike Stentによるミックス解析

ドライ vs ウェット：大胆な対比

ミックス面では、ここでSpike Stentが何をしたかを見るのは非常に教育的です。ヴァースは骨の髄までドライに感じますよね？実際にはリードボーカルに短めのディレイが少し掛かっていて、2本のベースの相互作用が空間を作り出していますが、いわゆる残響の尾はあまり感じられません。それに対してパッドはかなりウェットで、他の要素の後ろに配置されているように感じられます。スネアとキックはドライです。（キックがあまり大きくミックスされていないことに気づくでしょう）。2番のヴァースではギターもドライですし、バックボーカルも同様、マリンバもそうです。理由があります。すべてがとても親密で目の前にあるように感じられ、トーンが定まりプレッシャーがかかります。遊ぶ余地がたくさん残されているのです。では3番のヴァース／ギターソロで何が起きるか？そう、彼はドラムにいくつかのロングテイルのリバーブを開けます。これによってこれから来るBセクションの音場変化の準備をしているのです。

Bセクションの空間爆発

そしてBセクションが来ると、ウェットとドライの比率が一変します。ここは特に重要で難しい部分です。周囲にたくさんの要素があるときにボーカルをドライに保つのは非常に難しい。だからよく注意していればボーカルにリバーブやディレイが現れるのが聴こえるはずですが、それらは非常に控えめに使われていて、物語から引き離されたり、歌い手の視点が大きく変わったりしないようになっています。他の要素（特にバックボーカル）はたくさん空間を与えられて、リードのドライ感を保ちます。

密度の高いアレンジの挑戦

僕が興味深いと思うのは、このセクションでさえもSpike Stentがヴァースと同じようにドラムを同じ感覚で前に出し続けることができなかった点です。周囲の状況がこれほど劇的に変わると、この種のドラムの存在感を保つのはとても難しい。周囲の持続する要素が周りの空気を全て吸い込み、ドラムを小さく頼りなく感じさせてしまうのですし、それに対抗するためにリバーブを付け足すとミックスの中でさらに後退させてしまいます。これは究極の戦いであり、層の厚いミックスが、より軽く間引かれたプロダクションほど良く聞こえない傾向がある理由でもあります。しかしSpike Stentは今日最良のミキサーの一人です。ではあなたはどう思いますか？このテクスチャの変化は美的な選択だったのでしょうか？それとも与えられた素材で彼が出せるベストだったのでしょうか？あなたなら何か違うことをしますか？

プロデューサーにとっての良い学習教材

結局のところ、これは素晴らしい学習素材です。このアルバム全体もまた、Spike Stent、Chris Lord Alge、Rich Costeyという三人の著名なミキサーの哲学とサウンドの違いを学べる貴重な機会を提供してくれます（マスタリングはいずれもTed Jensen）。アルバム全体を聴いて、誰がどのミックスを手がけたかを調べる前に自分の好きなミックスにメモを取ることをおすすめします。ズルをしないでください。良い訓練であり、自分の嗜好を形成する良い方法です。

Cheers,
Fab